Cinoscar & Rarities

Trabajo novel Nº 02. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Manu Ochoa, director de Elvira.

1. ¡Bienvenido a nuestro festival, Manu! Elvira es el primer largometraje de la sección. Para los que no te conozcan o no hayan oído hablar de tu obra: ¿cuál es tu vinculación con el mundo del cine?

Primero fui actor; luego, guionista; y ahora, dirijo escribo y actúo. Intento buscarme la vida como puedo.

2. Elvira, la protagonista de tu trabajo, inicia una cuenta atrás ‘a la inversa’ tras su intento de suicidio. ¿De dónde surge la idea de las pastillas, que cohesiona la narración?

Pues, sinceramente, fue de creación propia. Pensé en una especie de historia de ruleta rusa, pero con pastillas.

3. En Elvira has tenido ocasión de trabajar con un gran plantel de actores. ¿Qué anécdotas o detalles te apetecería compartir con nosotros? ¿Cómo llegaron intérpretes de la talla de Beatriz Rico y Alberto San Juan al proyecto? ¿Fue distinta la manera de rodar con esos actores con respecto al resto del reparto?

Muy distintas. Rico y San Juan llegaron de forma casual: 'un amigo, que tiene a un amigo, que conoce a otro...'. San Juan, especialmente, me impuso muchísimo.

4. Uno de los personajes que enamorará al público es el del pintor ciego. La idea es realmente singular y efectiva. ¿Cuál fue la génesis de ese personaje?

Ese personaje lo interpreto yo mismo. De joven pintaba y, partiendo de mi experiencia, pensé en crear un pintor diferente a los habituales.

5. Las amigas de Elvira hablan de Casablanca, y en casa de Elvira vemos un póster de Audrey Hepburn y un biombo con la imagen de Marilyn Monroe. Seguro que conociéndote como cinéfilo también podremos conocerte como cineasta. ¿Qué referentes, temáticos o estéticos, tuviste a la hora de escribir y dirigir Elvira?

Sí, reconozco que me gusta Casablanca, Hepburn y Monroe. Con todo, en mis películas no parto de referentes fijos, al menos no de forma explícita.

6. Elvira empieza como un drama sombrío, pero poco a poco va tomando formas propias de la comedia costumbrista y de cierto cine social. A la hora de escribir y de concebir ese ‘renacer’ del personaje, ¿partiste de alguna experiencia personal? ¿Cómo transmitiste un personaje tan complejo a la actriz?

Es difícil transmitir a la actriz el personaje. El proceso fue complejo: ensayamos, probamos, hablamos, investigamos... La intérprete puso el resto. Arianna Fortes, mi actriz protagonista, es una crack.

7. Las localizaciones, sobre todo los interiores, son elementos clave de la historia. ¿Cómo fueron las sesiones de rodaje? ¿Tuviste alguna complicación técnica a destacar? En los títulos de crédito, Antonio Travieso también figura como director: ¿cómo fue la experiencia de rodar ‘al alimón’?

Las complicaciones son inevitables: no hay dinero, escasean los medios, etc. Con Antonio nos repartimos el trabajo de forma equitativa: él incidió en la parte actoral, y yo me encargué de los apartados técnicos.

8. Siguiendo con los títulos de crédito, en ellos se escucha una canción original cuya letra resulta especialmente recurrente. ¿Nos puedes contar alguna anécdota sobre esa pieza musical?

La canción está compuesta especialmente para la película por Bea Tiza. Bea vio la película y me comentó que quería componer la canción final. Al final, cumplió su promesa.

9. No podemos terminar sin preguntarte por tus futuros proyectos. ¿Estás preparando un nuevo largometraje? ¿Guarda algún tipo de relación con Elvira?

Elvira fue mi segunda película y ahora ya estoy rodando mi décimo largometraje. Mi nuevo proyecto guarda cierta similitud con Elvira: se ha rodado en Extremadura, su protagonista es una mujer...

10. ¡Gracias por responder al cuestionario! Ahora, Elvira ya pertenece a los lectores del blog. Por eso, nada mejor que puedas dirigir unas palabras a los que van a visionar tu trabajo: ¿qué se van a encontrar? ¿Por qué deben verlo? ¿Qué les dirías para animarles a votar por Elvira? ¡Saludos!

Elvira es una película que no deja indiferente. Mezcla humor y drama de una manera muy peculiar. ¿Animaros a votar por ella? ¡Eso lo dejo a vuestra elección!

MAMÁ, de Andrés Muschietti

Cortometraje nº 02: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Anais Medina

España, 2008. Terror, 3 min.

RESEÑA MIGUEL:Mamá es una gran estupidez. Una estupidez que desembocó en una película todavía más idiota. Acepto que haya gente con cierta curiosidad artística y desee grabar sus creaciones, y sus invenciones. Cierto es que este corto tiene algún segundo de ingenio genuino, pero se queda en eso, en una gracieta que debió asustar a muchos como para convencer a ¡Jessica Chastain y al Kingslayer! de protagonizar el largo. Menudo despropósito. Nota: 4

RESEÑA MAYRA: Lo primero de terror que he visto en esta edición del CSF ha sido Mamá, un corto que, aunque no cuenta nada nuevo, tiene mucho mérito el solo hecho de haber estructurado la idea de manera que en escasos 3 minutos pueda resultar intrigante, interesante e incluso pueda llegar a causar terror. Nota: 6

RESEÑA XAVIER: Del Toro vio oro puro en este cortometraje Andy Muschietti, y no es para menos. Tres minutos que concentran los mejores ingredientes del terror más efectivo: un espacio inquietante, una amenaza extraña y grandes efectos de sonido y fotografía. Mamá puede leerse como un cuento de hadas a la inversa, la historia de una maternidad perversa. El corto interroga e impacta, mientras que el largometraje posterior distaba de tener la potencia y la concreción de esta versión abreviada. Lo bueno, si breve… Nota: 6

RESEÑA ISIDRO: Mamá entra dentro de la corriente del cine de repullos (que no cine de terror) actual: técnicamente eficiente, más explícito que sugestivo y muy enfocado a un tipo de público concreto al que le mueve la adrenalina del yuyu. Pero basar un cortometraje en un único repullo visual donde el “miedo” se crea a partir de una imagen supuestamente grotesca acompañada de efectos sonoros de “chaaaaan” y cuatro chillidos de niñas pijas es arriesgado. ¿Y qué es lo que pasa? Pues que si ver a una tía churretosa vestida en camisón que anda igual que el Langui a cámara rápida no te da miedo, entonces el corto te parece una estupidez. Y a mí solo me dan miedo las oposiciones. Blanco y en botella... (¡horchata!). Nota: 2

RESEÑA DANIEL: El problema de Mamá es que no hay construcción de nada. Y si lo tomamos como un corto solitario es un mero producto hecho para ‘asustar’, aunque precisamente el miedo o terror que provoca es muy escaso. Muy bonito, eso sí, el plano secuencia, pero demasiado ‘puro’ para parecer una auténtica pesadilla. Al final no te enteras de nada, y lo peor es que has recibido ‘más de lo mismo’. Nota: 3

NOTA DEL JURADO:

Trabajo novel Nº 03. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Rafael Hernández de Dios, director de Más allá de la noche.

1. ¡Saludos, Rafael! Gracias por presentar Más allá de la noche en el certamen. A muchos puede llamarles la atención que un director novel presente un largometraje y no una pieza corta. Para los que desconozcan tu obra: ¿cuál es tu vinculación con el mundo del cine?
Saludos, Xavier. En primer lugar, quisiera darte las gracias por la oportunidad que supone para Más allá de la Noche participar en este festival junto a otras grandes películas de autores emergentes y de toda la historia del cine. Gracias a este festival tengo la particular oportunidad de compartir nominación con autores como mi admirado Fellini o Kurusawa, con los que pensé que jamás podría competir en el mismo festival por razones obvias, y también con los futuros maestros. Gracias. Mi vinculación con el mundo del cine se limita a tres cortometrajes anteriores igualmente realizados sin apenas presupuesto, salvo uno, el de Amantes, un homenaje a Harold Pinter que realicé durante mi etapa en la escuela de cine Septima Ars. También he hecho cosas de publicidad en algunas revistas desgraciadamente extintas por la crisis como Léptica y Beis Magazine, y actualmente trabajo como operador de una Blackmagic 4K y como contable, que tiene mucho más que ver con el cine de lo que la gente piensa.

2. Más allá de la noche es un drama claustrofóbico, rodado en un único espacio y sustentado en los diálogos. Empezaremos preguntándote por el piso que ‘habitan – encierran’ a los personajes: ¿hiciste algún trabajo de atrezzo o de ambientación? ¿Cómo fue la experiencia de rodar en un espacio que se intuye reducido?
El espacio era el que había, no lo elegimos, nos vino impuesto porque era la única localización disponible. De hecho, tuvimos mucha suerte porque si los inquilinos que lo ocupaban hasta el verano no hubieran decidido marcharse justo en ese momento ni siquiera hubiera habido película. Lo bueno es que nos encontramos con todo el piso absolutamente vacío y pudimos decorarlo a nuestro antojo. Al estar ubicado en la calle Carranza de Madrid, muy cercana al barrio de Malasaña, y por encantarnos esa zona, decidimos inspirarnos en la decoración de sus bares y tiendas que, además, son muy de estilo low-cost y handmade, que es lo que buscábamos y además podíamos hacer. Se puede decir que intentamos capturar un poco del espíritu del barrio dentro de la casa. La experiencia en el rodaje fue muy bien, en primer lugar porque el piso es interior y, pese a ser en pleno Julio, hacía una temperatura excelente. El equipo era muy reducido, apenas 4 ó 5 personas, así que no había demasiado problema en ese sentido. Rodar en espacios reducidos y siempre el mismo en general es más fácil porque todo el equipo lo conoce a la perfección y no tienes que cambiar la iluminación en cada secuencia.

3. Más allá de la noche es un retrato generacional bastante amargo. ¿Hablas o te diriges a personas cercanas a ti? ¿Qué querías transmitir sobre esos jóvenes desencantados con todo y con todos? La inmovilidad del espacio describe también a los distintos personajes…
Bueno, yo no creo que sea totalmente amargo. Creo que se reflejan momentos y situaciones duras, pero esos momentos al final pueden ser tangenciales, son el resultado de un instante concreto en el que parece que no hay salida, pero creo que solo es una apariencia, no se puede saber de antemano si la hay o no. Creo que está “Más allá” y por eso en la película también hay momentos entretenidos, canciones y alguna broma. Es cierto que todo tiene un aire de tristeza y desesperación, pero creo que es un sentimiento -y creo que así se ve, no lo sé- que pasa, que forma parte también del fin de la juventud y del comienzo de otra cosa en medio de la crisis, cuya influencia tanto directa como tácita se deja notar permanentemente.

4. Hablar de los personajes implica hablar de los actores. ¿Cómo enfocaste la dirección artística? ¿Diste a tu reparto algún tipo de pauta o indicación especial? ¡Realmente parecen amigos-conocidos de verdad! A muchos les sorprenderá la presencia de Naim Thomas, más conocido por su faceta musical que cinematográfica…
La verdad es que en el rodaje se creó un ambiente magnífico, realmente acabamos siendo un grupo de amigos de toda la vida, no solo ellos sino todo el equipo. Nos gastábamos bromas, hablábamos de todo, incluso de cosas nuestras, la relación definitivamente se hizo algo más que meramente profesional y, de hecho, sigo manteniendo el contacto con muchos de los actores y, aunque otros estén lejos, los considero a todos mis amigos. La pauta fundamental era que fueran ellos mismos, que improvisasen en base a sí mismos, que bucearan en sus propias vivencias, que fueran, en definitiva, ellos, que fueran ellos y no otros los que dieran vida a los personajes. Me gusta que los actores sean lo más naturales posible, que utilicen sus propias palabras, que improvisen, que hagan todo lo que tengan que hacer para que no parezca que están recitando a Calderón de la Barca, excelso y eterno autor del siglo XVII… Naim Thomas creo que se apuntó a la película porque vive dos calles más abajo de la localización principal del rodaje. Es otra de las cosas que le debemos al barrio de Malasaña. Él dice que le gustó el guión pero yo creo que no... Bromas aparte, es un tipo que siempre ha querido ser actor, que siempre ha sido actor, que vive la profesión con un entusiasmo, una energía y un rigor que ya quisieran muchos. Creo que le ha perjudicado su paso por Operación Triunfo para continuar con su carrera cinematográfica porque le encasilló.

5. Seguramente muchos de los que estén leyendo la entrevista son cinéfilos o autores noveles. Para los que sueñan con realizar su primer largo, ¿qué consejos les darías? ¿Cómo financiaste un proyecto como Más allá de la noche?
Para hacer la película invertí los ahorros de toda mi vida y una ayudita de mi madre que espero devolverle si la película consigue beneficios. 4.000 € es lo que cuesta hoy en día cualquier máster o un año en una escuela de cine de las baratas. Más allá de la Noche demuestra que se puede hacer algo “digno” con ese dinero y estoy convencido de que habrá muchos directores que sabrán hacer más que yo en el futuro con menos todavía. A los que quieren realizar su primer largo les diría que si quieren de verdad hacerlo, lo hagan. Cada vez somos más los que decidimos hacer la guerra por nuestra cuenta y sacar adelante nuestros proyectos, que no dejen que los cenizos y los gafes les corten las alas, que crean en sí mismos.

6. El trabajo de guión, intuimos, fue realmente complejo. Para lograr una sensación de espontaneidad y de veracidad en los diálogos, ¿cómo trabajaste? ¿Contabas con un libreto muy cerrado, ensayaste mucho con tus actores o improvisasteis parte del texto durante la filmación? ¿Te basaste en algún referente cinematográfico o literario?
La pauta fundamental que tenían los actores era ser ellos mismos; no obstante, contaba con un guión escrito y revisado incontables veces a lo largo de más de dos años que de por sí ya era bastante -o eso pretendía- “fesco y coloquial”, pero que no me importaba en absoluto alterar para adaptarlo a los actores. No soy de esos directores que se aferran a una gran frase, no me importa la sensación que me causa un determinado diálogo cuando lo escribí sino cuando lo veo representado. Hay que aprender que a veces ese gran momento en tu imaginación no siempre encaja con ese actor y no pasa nada, cuando lo hace es muy gratificante, pero si no, es porque no es el correcto. En internet se puede consultar una relación de todas las películas que yo considero referentes de Más allá de la Noche y que adjunté a un dossier que ninguna productora ni institución se dignó a leer. En el documento se puede ver que hay cerca de treinta películas, alguna serie, novelas… No puedo quedarme con una sola película, director o estilo. Además a mí me gusta todo tipo de cine, desde directores considerados de culto como Jaramusch, Rohmer o Cassavetes hasta lo más basto y degenerado, como las telenovelas venezolanas o cualquier película de terror de serie B. Amo el cine, sin más.

7. Viendo el largometraje se percibe un rodaje muy familiar e intenso. ¿Te apetecería compartir con nuestros lectores alguna experiencia o algún detalle al respecto? ¿Alguna anécdota graciosa de las filmaciones, tal vez? ¿Existen tomas falsas o descartes que no hemos podido ver?
Nos pasó de todo, aparte de lo que conté anteriormente de la localización, actores que se duermen en días señalados, otros que nunca terminan de aprenderse el texto, encargados de sonido que nos abandonan para irse de crucero con su familia en medio del rodaje... En fin, muchas cosas, un rodaje está lleno de situaciones límite y a mí es lo que me gusta. Lo más fuerte fue que se nos rompió la cámara cuando apenas llevábamos rodando un par de semanas y la suerte que Naim Thomas se había comprado una cámara igual que con la que estábamos rodando sin decirnos nada… La verdad es que a veces pienso que Más allá de la Noche tiene al menos 7 vidas, como los gatos. En el blog de la peli cuento en profundidad algunas de las anécdotas. http://masalladelanoche.com/blog.html Lamentablemente tuve que borrar las tomas falsas por falta de espacio en el disco duro mientras editaba la película así que se han perdido.

8. En los títulos de crédito figuras como director, guionista, montador y parte de la producción. ¿Qué faceta o aspecto te atrae más como creador? ¿De cuál de ellas, con el largometraje ya terminado, te sientes más satisfecho?
La verdad es que desde siempre me he sentido atraído por el cine y también por la literatura y la lectura en general, así que lo que más me gusta es escribir y dirigir. La monté yo porque la persona con la que contaba en un primer momento para hacerlo se cayó así que tuve que ponerme al frente y fue una experiencia muy enriquecedora que descubrí que me encantaba, aunque para la siguiente película me gustaría poder contar con alguien más durante el proceso. Una vez vista la película la verdad es que no puedo ser objetivo, me siento cómodo con el resultado final, descontado esos planos que siempre piensas que podrías haber hecho mejor o montado con más temple, no podría elegir.

9. ¿Tienes algún proyecto, largo o corto, en mente o a punto de rodar o estrenar? ¡Nos encantaría poder ver una versión teatral de Más allá de la noche! ¿Piensas estrenar o distribuir Más allá de la noche en alguna plataforma o formato especial?
Actualmente estoy trabajando en diferentes guiones, como siempre, y creo que pronto pondré en marcha un nuevo proyecto que es, en cierto modo, una continuación de Más allá de la Noche, un sacar Más alllá de la Noche a la calle… Veremos si va saliendo como yo quiero. Lo de la versión teatral me lo ha comentado mucha gente pero de momento nadie me lo ha propuesto seriamente, por supuesto que, para quien quiera, la película está ahí y me haría mucha ilusión. En cuanto a las plataformas de exhibición de momento no tenemos nada pensado, ciertamente es muy complicado sacar adelante la distribución de una película sin apenas presupuesto.

10. ¡Muchas gracias por atender a nuestras preguntas, Rafael! Dejamos a los lectores con tu trabajo. ¿Qué les dirías a los que están a punto de visionar tu trabajo? ¿Cómo describirías en pocas palabras Más allá de la noche? ¡Mucha suerte!
Diría a los espectadores que no tuvieran miedo de enfrentarse a una película pequeña, hecha con muy pocos medios, pero que cuenta cosas que otras películas ni siquiera aspiran a contar. Que trata de hablar acerca de una generación, de un momento determinado de la historia, y que también trata de entretener al espectador desde lo cotidiano.

LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA(LA DOUBLE VIE DE VÉRONIQUE), de Krzysztof Kieslowski

Especial Kieslowski: Cinoscar Summer Festival 2015: Director homenajeado

Polonia, 1991. Dirección: Krzysztof Kieslowski Guión: Krzysztof Piesiewicz y Krzysztof Kieslowski Duración: 90 min. Género: Drama Escena: Link Reparto: Irène Jacob, Halina Gryglaszewska, Kalina Jedrusik, Aleksander Bardini, Philippe Volter, Jan Sterninski, Jerzy Gudejko, Wladyslaw Kowalski, Guillaume de Tonquedec

¿De qué va?: Weronica vive en Polonia. Véronique en Francia. A pesar de la distancia, ambas sienten que no están solas. La música y una enfermedad cardíaca marcarán el devenir de ambas.

Palmarés: Festival de Cannes 1991: Palma de oro a la mejor actriz, Premio FIPRESCI de la crítica y Premio del Jurado Ecuménico. Candidatura al Globo de oro y al Independent Spirit Award a la mejor película de habla no inglesa.

La doble vida de Verónica es una película construida a partir de intuiciones. Kieslowski hace confluir la vida de dos mujeres que, a pesar de la distancia geográfica, restan unidas en todos los aspectos más importantes de su devenir: cuentan con la misma edad, un físico idéntico y una vinculación especial con la música, y con ésta al arte en general. El director consigue que sus imágenes sean un viaje hacia la trascendencia, entendiendo este término como una exploración del 'más allá', no en un sentido religioso, sino enteramente humano: las protagonistas intuyen que están conectadas con alguien que desconocen, que no están solas en el mundo y que sus sentimientos cambian según arbitrariedades que no dominan, pero a las que se entregan con generosa convicción. Kieslowski presta todo su oficio en visibilizar lo inasible: la frágil unión de Weronica y Véronique ni puede ni debe explicarse con palabras, y por lo tanto sólo puede expresarse con un fluir de olores, colores y dolores, evitando cualquier intelectualización, diálogos trascendentes o coreografías formales que redirijan la mirada del espectador. Por ello, La doble vida de Verónica es una experiencia, una sucesión de instantes en vidas ajenas que terminan siendo propias, la posibilidad de trasladarse al otro lado del espejo y de ver el mundo que nos rodea con la familiaridad y la extrañeza melancólica de quien sabe que, tras la mundana cotidianidad, tras los confines conocidos, hay 'algo más', o tal vez 'alguien más'.

Kieslowski nutre su película con interesantes lecturas, si bien el director equilibra fondo y forma, de tal manera que su obra resulta bella y coherente sin necesidad de reparar en la carga simbólica de sus objetos. Con todo, un análisis atento de La doble vida de Verónica debe evidenciar el rico universo que preside la película. Así, el círculo de cristal con el que juegan las protagonistas es una representación del mundo, por lo que la observación de la esfera sería también un estudio de un misterio despegado de lo terrestre, ajeno a lo plausible. El hilo que Verónique rescata del cubo de basura y que Weronica tensa en sus manos no deja de ser una materialización de las débiles constantes vitales de dos seres marcados por la enfermedad. La cita constante al mundo de los juegos convierte el film en una exploración de la infancia perdida, culminada con un fuerte vínculo hacia la figura del padre: al fin y al cabo, las dos Verónicas se asoman a la complejidad de su entorno con la curiosidad, el espíritu naïf y la entrega de un niño, sin la madurez y el razonamiento lógico que puede esperarse de un adulto (Véronique dice que 'cree haberse enamorado', como si todo fuera nuevo para ella y, a la postre, todas sus emociones fueran vívidas en un grado superlativo). El amor como sublimación de un bienestar interno, el anillo como símbolo de compromiso y la música como elemento tanto narrativo como dramático redondean está ópera dividida en dos, pero en verdad parcelada en tres arias operísticas: vida-muerte-resurrección.

Uno de los aspectos más interesantes de La doble vida de Verónica es su capacidad para resultar transparente y ambigua al mismo tiempo. Kieslowski filma la película en tonos ocres, con una estética otoñal y una concepción fotográfica que bascula entre la realidad y el onirismo. Kieslowski se muestra detallista y amante de la perfección, pero la película dista de resultar acabada, o al menos no parece que esté ejecutada según la planificación más enfermiza, bajo la obsesión estética del 'auteur' tradicional. El director no juega a ser el dios de la narración (como, en ciertos momentos, sucede con el cine de Von Trier o Malick), sino un poderoso catalizador y transmisor de sensaciones; no observa su historia 'desde fuera', sino que parece entregarse al azar y a cierta 'joie de vivre' en el propio set de rodaje; y, como resultado, La doble vida de Verónica no es una burbuja de vida, sino una expresión de la vida misma, con sus sinsabores y sus alegrías, sus misterios y sus certezas. Por ello, La doble vida de Verónica es un film humilde, sin la ampulosidad de los diálogos de Bergman, rebajada del carácter político explícito de Angelopoulos, con una cadencia pausada pero nunca lenta que establece distancias con Tarkovsky. Puede afirmarse, en resumen, que con La doble vida de Verónica el cine europeo logró por primera vez una obra íntima pero no introvertida, capaz de hablar de lo intangible sin que por ello el material fílmico resultante fuera inaccesible al gran público.

Finalmente, resulta atractivo acercarse a La doble vida de Verónica a partir de los condicionantes históricos y artísticos que la dieron forma. El film de Kieslowski, en su constante dualidad, es también una metáfora de la carrera de su artífice: Weronica se transforma en Véronique, y con ella el cineasta polaco se traslada a Francia para culminar una carrera de reconocimiento internacional. La imagen que teníamos de Europa a principios de los 90, como continente físico y estado anímico, era muy diferente a la de ahora: por aquel entonces los Balcanes todavía no habían entrado en conflicto, vivíamos bajo la euforia de la Expo y los Juegos Olímpicos del 92, y creíamos (o queríamos creer) en la Unión Europea y en el hermanamiento de pueblos, por lo que una película como La doble vida de Verónica, capaz de hablar de las conexiones humanas, que reforzara la idea de que todos estamos hechos de una misma materia y que somos parte de una misma realidad, tenía mucho sentido y podía leerse como un signo positivo de los nuevos tiempos, una actualización del cine de místicos como Dreyer y de algunos de los autores citados anteriormente. Y si a nivel social y político se hablaba en términos de cohesión, las postrimerías del siglo XXI confirman la disgregación de los principios narrativos en forma de tramas paralelas, historias cruzadas, multiplicidad de narradores y destrucción de la tradicional concepción del espacio y del tiempo cinematográficos: no por casualidad, Tres colores: Rojo de Kieslowski perdió la Palma de oro pocos años después en favor de Pulp Fiction, la quintaesencia del cine de su década. La doble vida de Verónica también participaba de esa ruptura, pero su aportación era más serena, menos efectista. También más atemporal.

En resumen, La doble vida de Verónica ofrece todas las virtudes y los matices que presiden el cine de Kieslowski. Estamos ante una obra que es un 'puente de historias', y tal vez por ello conecta tanto con el cine lírico de su autor (el Decálogo y la Trilogía de colores) como con el cine de carácter político de sus inicios. La doble vida de Verónica, en otras palabras, es el título perfecto para empezar a descubrir la obra de Kieslowski, o bien para revisitarla. En próximas semanas, seguiremos explorando la filmografía de Krzysztof Kieslowski.

NOSTALGIA (NOSTALGHIA), de Andrei Tarkovsky
Largometraje del jurado nº 01: Cinoscar Summer Festival 2015

Italia, 1983. Dirección: Andrei Tarkovsky Guión: Andrei Tarkovsky y Tonino Guerra Duración: 120 min. Género: Drama Tráiler:LinkReparto: Oleg Yankovskiy, Erland Josephson, Domiziana Giordano, Patrizia Terreno, Laura De Marchi, Delia Boccardo

Elección y presentación de Mayra Meza: Está claro que el de Tarkovsky es cine para observar y analizar con mucho detenimiento y paciencia. El cineasta ruso usaba las imágenes como palabras y las palabras como poesía. Su filmografía no es extensa, pero sí interesante, agrade mucho o poco el estilo que este cineasta usaba a la hora de hacer sus películas; films que deben ser visionados por cualquiera que se llame cinéfilo. Por tal razón, en esta 3ª edición del Cinoscar Summer Festival, propongo la que fue la penúltima obra de la filmografía de Andrei Tarkovsky, Nostalgia. Espero que disfruten el visionado, o al menos os resulte interesante.

RESEÑA MIGUEL: Andrei Tarkovsky es un director muy visionario. Todas sus obras tienen una capacidad visual impresionante. Nostalgia también lo es. Ver la película es maravillarte con los espacios, con su estupendo y ambicioso uso de la fotografía, y analizar una encomiable dirección. Su metraje ayuda a introducirte en un estado completo de hipnosis durante sus dos horas. Nostalgia hace las veces de una sesión de relajación. Por otro lado, es del todo comprensible que el cine de Tarkovsky no encandile a todo el mundo, pues su busca de emociones es muy diferente al cine al que estamos acostumbrados. Puede ser pecado de frío, pero para el que escribe la elaboración de la historia a fuego lento acompañada de esas imágenes la vuelve muy emocionante.

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RESEÑA XAVIER: Siempre he tenido problemas con el cine de Tarkovsky. En función del estado de ánimo, del sueño y de la predisposición de uno, los fotogramas del cineasta soviético pueden embelesar o aturdir, llevarte al nirvana o convertirse en una tortura eterna. Con Nostalgia se repite esta relación conflictiva: confieso que he intentado visionarla varias veces, y en todos esos intentos he caído víctima de cierto sopor. La cuestión es que Tarkovsky siempre quiere hacernos creer que ‘habla de algo’, que trasciende lo visual para hablar de cuestiones poco o nada festivas, y cuando la propuesta es tan radical, servidor está en su derecho de desconectar a los pocos minutos, a pesar de la buena predisposición cinéfila y de reconocerle al cineasta nórdico una habilidad por crear imágenes con alma y atmósfera. Así que, sintiéndolo mucho, poco puedo aportar a esta unión de opiniones, visiones y lecturas de Nostalgia. O tal vez sí: que Nostalgia, treinta años después de su concepción, sea un reto para audiencias inexpertas y curtidas dice bastante de cómo es la película y de cómo era el artífice que se escondía tras la cámara. Tarkovsky en vena, para bien o para mal.

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RESEÑA DANIEL: El Tarkovsky más personal, más sensible, más humano y más profundo es el que observamos en Nostalgia, una película que versa más allá del razonamiento puro. No se ve como cualquier película; toda la filmografía del soviético encierra ese halo poético, casi místico, cercano a lo ‘celestial’ que en muy escasas producciones se puede percibir. Sus películas se admiran como cualquier cuadro famoso, descifrando los matices en los que está envuelta. Dreyer era otro director cercano, que en su poderosa y sensible mano daba atisbos de maravilla, de fe en el cine, una fe salvadora, redentora, espiritual. Tarkovsky desde el primer minuto, en su impoluta presentación, nos introduce una película contemplativa, llena de poesía, de nostalgia, de desolación, de recuerdos, sobre varios asuntos que trascienden el accionar humano: el desarraigo y la búsqueda del sentido en una tierra ajena. El director sueña, y nos manifiesta con énfasis esas ensoñaciones, esos lugares grises, esos momentos llenos de hostilidad, esas sombras. Hay en Nostalgia ese sentimiento de esperanza, a través de una de las mejores y más sobresalientes metáforas: esa vela encendida; esa llama que no se extingue, por el mundo y por estos ciegos habitantes. Al final uno siente que tanta belleza no cabe en tan poco tiempo, y resulta imposible ser objetivo cuando las imágenes no se explican con palabras, y cuando todo desencadena en un maravilloso plano final. Una obra maestra. Inigualable.

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RESEÑA ISIDRO: No estoy muy ducho en el cine de Tarkovsky, pero en lo poco suyo que he visto se observan algunas constantes, hasta me atrevería a decir que Nostalgia es una Solaris en la tierra. Me explico: en ambas tenemos a un protagonista taciturno que vive 'melancólico perdido' anclado en su pasado, lo que le impide llevar a cabo su cometido, y no sé si os habéis fijado pero en Nostalgia hay agua a chorros (nunca mejor dicho): pozas humeantes, ruinas inundadas, goteras a lo basto… vale que no es un océano superinteligente que crea simulacros de esposas muertas, pero en un momento sí que sale un perro bonachón de la nada… Eh, a lo que iba. Tarkovsky en Nostalgia utiliza otros recursos narrativos para transmitir sensaciones parecidas: no hay esposas fallecidas, pero sí un uso del flashback en blanco y negro algo críptico que magnetiza, así como esas escenas largas donde la cámara se mueve con parsimoniosa templanza que, a no ser que tengas un mal día, te meten de lleno en la piel de este nostálgico (si tienes el día malo te quedas sobado, vamos). De estar en la sección oficial competiría en casi todo. Una obra de una belleza exquisita.

En la 3ª entrega del Podcast de Cinoscar & Rarities hablamos de la obra de FRANÇOIS OZON, uno de los cineastas franceses más queridos por el público español. Viajamos por las películas y las músicas ozonianas, y reseñamos UNA NUEVA AMIGA, la última película del realizador galo que pudimos ver en la Sección Oficial del último Festival de San Sebastián y que llegó a las salas españolas el pasado 15 de mayo. ¡Gracias por darle al play! Esperamos vuestros comentarios. En dos semanas, tendréis a vuestra disposición la cuarta entrega del podcast. ¡Nos escribimos... y escuchamos!

¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG

Reseña: CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA, de Manuela Moreno (España, 2015)
Reseña:FÉHER ISTEN (WHITE GOD), de Kornél Mundruczo (Hungría, 2014)
Reseña:POSTALES DESDE EL FILO, de Mike Nichols (EE. UU., 1990)

Reseña:SCUSATE SE ESISTO!, de Riccardo Milani (Italia, 2014)
Reseña:SUE, PERDIDA EN MANHATTAN, de Amos Kollek (EE. UU., 1997)
Quiniela:XXX PREMIOS GOYA 2016
El podcast de Cinoscar & Rarities 03:ESPECIAL FRANÇOIS OZON

ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL

Sección oficial 09:Cortometrajes a concurso
Sección oficial 10: Trabajos noveles
CSF3:Presentación CINOSCAR SUMMER FESTIVAL

Trabajos noveles 01:SOMOS NIÑOS, de Daniel Andrés
Trabajos noveles 02:ELVIRA, de Manu Ochoa
Trabajos noveles 03:MÁS ALLÁ DE LA NOCHE, de Rafael Hdez. de Dios
Especial Kieslowski 01:LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA, de Krzysztof Kieslowski
Films del jurado 01:NOSTALGIA (NOSTALGHIA), de Andrei Tarkovsky

Sección oficial 01:EL PADRINO: PARTE 2, de Francis Ford Coppola

Sección oficial 02:CIUDADANO BOB ROBERTS, de Tim Robbins

Sección oficial 03: LA MUJER DEL CUADRO, de Fritz Lang

Sección oficial 04: EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE,
de Peter Greenaway

Cortos 01:LUMINARIS, de Pablo Zaramella

Cortos 02:MAMÁ, de Andrés Muschietti

CAÍDA LIBRE (FREIER FALL), de Stephen Lacant

Largometraje nº 05: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Lorena Rodríguez

Alemania, 2013. Dirección: Stephen Lacant Guión: Stephen Lacant y Karsten Dahlem Duración: 100 min. Género: Drama Tráiler: LinkReparto: Hanno Koffler, Max Riemelt, Katharina Schüttler, Attila Borlan, Oliver Bröcker, Luis Lamprecht, Stephanie Schönfeld, Maren Kroymann, Shenja Lacher, Barbara Bernt

¿De qué va?: Marc es un agente de policía con una vida feliz. Con novia y a punto de tener su primer hijo, el devenir de Marc cambia radicalmente cuando coincide con Kay en un curso de formación policial. Entre los dos hombres surge un amor clandestino que llevará a Marc a una lenta pero imparable caída libre.

Palmarés:Festival de Berlín 2013. Seleccionada en más de 15 festivales de temática LGBT.

RESEÑA XAVIER: Al cine queer le afectan muchas debilidades. No basta con explicar un amor homosexual y pensar que con ese apunte ya se está ofreciendo un producto original: como espectador, la diferencia no me interesa si detrás de esa etiqueta no hay una historia veraz, con alma, con personajes. Muchas historias de temática LGBT mimetizan las constantes de otras películas no demasiado afortunadas y las trasladan a relaciones hombre-hombre o mujer-mujer, pero esa estrategia cae en saco roto: se quiere trabajar por una liberación identitaria escondiendo en el armario, metafóricamente hablando, las posibilidades que ofrece cada género. Afortunadamente, obras como Caída libre evitan de forma acertada cualquier banalidad. Caída libre es la historia de un policía ahogado por el mundo que le rodea, superado por las circunstancias. Su vía crucis nos recuerda que tenemos que ser sinceros con nosotros mismos para poder serlo con los demás y que no hay que reprimir nuestros instintos. También que lo anterior, como el camino hacia la (auto)aceptación y la felicidad, está plagado de sinsabores. Por eso Caída libre resulta muy bella y al mismo tiempo muy triste. Un mensaje demoledor, pero real y necesario. Extrapolable a otros contextos y temas. De esas películas que tocan la fibra sensible, que mueven conciencias. Una de las mejores obras LGBT de los últimos años, básicamente porque, aun consciente de su naturaleza queer, pese a ser coherente con su público potencial, explora algo más complejo: la condición humana.

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RESEÑA DANIEL: La historia que nos presenta Lacant en Caída libre podría parecernos similar a muchas que tratan los prejuicios sobre la homosexualidad y cómo hacer frente a ellos, y en cierto sentido comparten la base, pero con un tratamiento nuevo, interesante y destacado. La película nace con las preguntas '¿amar a un policía?' o '¿vivir una aventura sin más?'. Al final quizá no hallemos respuesta de ninguna. Caída libre presenta de manera espontánea el idilio sexual y romántico de dos compañeros de policía y la lucha que mantienen por ocultar lo que sienten ante la homofóbica mirada de sus compañeros. A Marc (protagonista) le 'llueve' más, al convertirse en padre y luchar emocionalmente por seguir su vida de hombre de familia o guiarse por los sentimientos que han aflorado hacia un colega. Un film distinto que aborda esta lucha interna con audacia, estilo y muy buenas interpretaciones de todo el reparto.

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RESEÑA ISIDRO: Caída libre es uno de esos dramas de amores prohibidos que vaticinan una caída de hocicos casi inevitable (de ahí el título, claro). Quizá sea una historia que hemos visto muchas veces: la atracción por otra persona que deriva en infidelidades que pueden mandar una relación aparentemente sana al traste, y aquí con el descubrimiento simultáneo de una sexualidad latente que atormenta aún más si cabe al protagonista. Sí, puede que transite lugares comunes (aunque con una variable nueva: los protagonistas son policías, que en el cine siempre se han presentado como 'Bruces Willises' muy machos), pero la narración es firme y las actuaciones veraces, y el guión sabe profundizar en la psicología de sus personajes; a La vida de Adèle le pasaba algo parecido. Es muy curioso cómo durante la primera hora los protagonistas apenas cruzan palabras, las miradas lo dicen todo, y es una forma muy audaz para plasmar esa atracción bruta que acaba transformándose en amor de esos que pierden… Y tanto, la encrucijada fatal que vive el protagonista se siente casi nuestra y la película consigue que nos pongamos en la piel de cada uno de los vértices de este triángulo. Y es que hay que tener las cosas claras antes de meterse en proyectos de vida como este, chaval. Muy buena, a reivindicar.

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RESEÑA MAYRA: Caída libre es una de esas películas donde la vida del protagonista parece ir perfecta pero luego se desmorona. La historia gira en torno al amor, la traición, el deseo, el descubrimiento y la aceptación. Lacant pretende contar un típica historia de traiciones amorosas pero con el plus de que el protagonista no engañará a su pareja con otra mujer sino con un hombre, detalle que intensifica su conflicto. Una película interesante con interpretaciones sobresalientes por parte de ambos actores protagonistas (sobre todo Koffler), pero que no va más allá de lo que ya se haya visto, o más bien no termina de profundizar. Puede que el tramo final que asemeja al inicio, sin palabras, nos hable de la aceptación del personaje ante su identidad sexual, pero la homosexualidad de Marc (Koffler) no me parece del todo bien abordada y desarrollada a lo largo del film. Además, no me termino de creer la historia de amor entre los protagonistas, pese a contar con ciertos momentos dramáticos muy conmovedores. Habrá a quien le guste más y a quien le guste menos, pero lo cierto es que merece la pena el visionado: que cada uno saque sus propias conclusiones.

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RESEÑA MIGUEL: Caída libre es una película sobre la homosexualidad encubierta en un mundo masculino como es el cuerpo de policía, y concretamente en la vida de un agente muy masculino, que vive su relación de pareja heterosexual siguiendo todos los tópicos. Todo comienza a tambalearse cuando entra en su rutina otro hombre de espíritu libre que le 'obliga' a abrir sus ojos y a conocerse a sí mismo con mayor profundidad. Caída libre no trata un tema novedoso, ni intenta ser sorpresiva. Acepta su modestia, y la disimula con una dirección muy elegante y con unas interpretaciones muy sobrias en manos de unos actores muy comprometidos con sus personajes transmitiendo el lógico abanico de emociones cuando ves que la vida que has vivido se aleja de lo que debiera ser.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Forma parte de un nuevo y potente cine alemán que se apoya en la magnífica interpretación de los actores Hanno Koffler, Max Riemelt y Katharina Schuttler. Un emotivo tour de force que, de un modo conmovedor, nos muestra lo que sucede cuando la vida te destroza y parece imposible complacer a aquellos que amas. Filmin

De una sencillez desarmante. Habla del amor... ¡y qué amor! Con todos los ingredientes para convertirse en la 'Brokeback Mountain' germana. Simone Buttazzi, Indie Eye

Bellamente filmada e interpretada con sutileza. Lacant habla desde la verdad y la honestidad. No es una historia de descubrimiento y homosexualidad, sino de libertad y dolor. Greg Mitchell, The Gay UK

Pese a ser previsible, su guión cuenta con las medidas dosis de drama, romance y tensión. Algunos tramos son incómodos, pero ello hace el viaje todavía más fascinante. Rod Lewis, Glam Adelaine

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 6'7 / IMDB: 7'5

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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a
7 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor protagonista: HANNO KOFFLER

Mejor actor protagonista: MAX RIEMELT

Mejor actriz secundaria: KATHARINA SCHÜTTLER

Mejor guión original: KARSTEN DAHLEM y STEPHEN LACANT

Mejor música original: DÜRBECK & DOHMEN

Mejor fotografía: STEN MENDE

Mejor canción:Who Are You

NOTA DEL JURADO

SOLAS, de Benito Zambrano

Largometraje nº 06: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Antonio Fernández

España, 1999. Dirección y guión: Benito Zambrano Duración: 95 min. Género: Drama Tráiler: Link Reparto: María Galiana, Ana Fernández, Carlos Álvarez-Novoa, Antonio Dechent, Paco de Osca, Juan Fernández, Miguel Alcíbar, Pilar Sánchez, Concha Galán, Paco Tous

¿De qué va?: María malvive y sobrevive en un piso oscuro de Sevilla. Tiene un trabajo que no le gusta, un novio que la maltrata, una situación económica precaria y problemas con el alcohol. Un día, su madre viaja a la capital para atender a su marido, que está hospitalizado. El encuentro de las dos mujeres hará que el triste pasado familiar salga a la superficie.

Palmarés: 5 premios Goya. Premio del público del Festival de Berlín 1999.

RESEÑA DANIEL: Ser madre y estar sola es sinónimo de fuerza. Un atrevimiento que muy pocas son capaces de conseguir. Esa es la encrucijada a la que María debe someterse. Solas fue el debut de Benito Zambrano y en ella consiguió mostrar una realidad durísima y creíble ciñéndose a la cotidianidad de la vida, a la monotonía del ser humano y a las oportunidades jamás devueltas. Solas es un retrato sobrio y magistral sobre el terror de no sentir la compañía de quien se quiere, o de compartir la intimidad que toda persona desea. Madre e hija comparten algunos días juntas, alineadas a las condiciones que la vida les presenta. Zambrano, en su humilde y fuerte retrato, nos convierte en cómplices de las relaciones que se forjan entre ambas, y un vecino cuya única compañía es un viejo perro. Los lazos familiares y de amistad que se crean son tan fuertes que tendrán consecuencias futuras. Así, el director nos indica el dolor de la soledad y la tristeza del partir, gracias a estos seres maltratados y golpeados por el destino que inician una nueva etapa. Al fin y al cabo, solos venimos y solos nos iremos.

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RESEÑA ISIDRO:Solas es posiblemente la película favorita de mi abuela, una señora muy parecida al personaje de María Galiana, aunque con la gran diferencia de que ella sí ha tenido un marido que la quiso con locura hasta su último suspiro. De hecho, en un pueblo como el mío hay muchas Marías Galianas: quizá por eso conecto muy pronto con la sensibilidad de esta película. Y es que Solas es un derroche de humanidad por parte de sus tres personajes principales: la madre sacrificada a la sombra de un marido machista, la hija alcohólica que quiere ser madre y el vecino viudo cuya única compañía es un perro muy avispado (un personaje entrañable, por cierto, me veo igualico que él dentro de 50 años). Son unos personajes desdichados que se aferran a los pocos haces de luz que iluminan sus vidas, y sentimos muy pronto empatía por ellos, nos preocupamos y les cogemos cariño. Quizá a algunos pasajes les falta cierta rotundidad, y otros me resultan ligeramente forzados para una película que apuesta por una narración desde la verdad como esta. Y tengo que decir que su final epistolar (que es un recurso que a Zambrano le gusta por lo que pude ver en La voz dormida) me resulta innecesario. Pero en definitiva es una película muy emotiva, sincera y esperanzadora. ¡Viva el cine andaluz!

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RESEÑA MAYRA:Solas es un drama que nos permite conocer personajes nada favorecidos de la España menos pudiente. Benito Zambrano retrata un conflicto familiar realista e interesante en el que nos narra la historia de María (Ana Fernández), quien vive y ha vivido en un mundo de desventura y sufrimiento: el alcohol se ha convertido en su refugio y en una forma de desahogo mientras pasa sus días de gris existencia en su austero departamento. María ha dejado atrás su pasado y su familia, pero el destino los vuelve a reunir, y en este tiempo de reencuentro el espectador atisbará las cicatrices del pasado, la frustración del presente y la incertidumbre del futuro que aqueja a este personaje protagonista, cargado de sentimientos e intensas emociones que se harán evidentes a través de la brillante interpretación de Ana Fernández. En general el reparto me parece muy acertado y creíble: no puedo dejar de mencionar a María Galiana y su entrañable interpretación como madre de la protagonista. Sin duda estamos ante una destacable y sólida ópera prima. Solas se gana un lugar en mi lista de películas españolas favoritas y, por supuesto, es desde ya uno de mis descubrimientos cinematográficos preferidos de esta edición del Cinoscar Summer Festival.

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RESEÑA MIGUEL: Solas sigue el testigo dejado por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto dentro de la etiqueta de drama social español. Benito Zambrano firma una modesta historia con muy poco presupuesto pero que cuenta con dos potentes interpretaciones femeninas (al estilo de Victoria Abril y Pilar Bardem) que ayudan a crear unos personajes que viven miseria económica y personal, y con un negro porvenir. A su vida en ese barrio claustrofóbico se une el personaje de Carlos Álvarez, que comienza a dar un poco de luz a la mugre que rodea su rutina. Zambrano consigue con bastante maestría y con mucho ingenio introducirnos en ese mundo no tan lejano, y muy creíble, mientras deseamos que la perspectiva de María y su madre mejore. Solas es una película indispensable para cualquier lista de Mejores Películas Españolas de todos los tiempos. Lo mejor: Ana Fernández y María Galiana. Lo peor: que compitiera con la merecidamente imbatible “Todo sobre mi madre” en los Goya.

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RESEÑA XAVIER: El año 1999 coincidieron en cartel dos fantásticas películas sobre el universo femenino: Solas de Benito Zambrano y Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar. Una venía firmada por un director novel, otra por un cineasta reputado, y de alguna manera las dos eran una muestra del nuevo cine español, de marcada sensibilidad social y femenina, que había eclosionado en la década de los 90, coincidiendo con la bonanza económica y la entrada de nuevos apellidos en el panorama cinematográfico nacional. La apuesta de Zambrano, más si cabe que la del manchego, es una historia de herencia lorquiana que describe el peso de la España tradicional, machista y violenta. Una película en la que se hablan de olores, en la que los diálogos esconden una gama increíble de matices, en la que no parece suceder nada y todo queda enmarcado en miradas y gestos. La crónica de un legado envenenado, de la España oscura que resta en constante fricción con su vertiente moderna, del espíritu rural que se resiste a perecer al trasladarse a la gran ciudad. En líneas generales, el film de Almodóvar me parece más compacto: Solas titubea en su último tramo, tal vez porque, al enamorarse de sus personajes, decide concederles una segunda oportunidad aun cuando la historia parecía condenada a la oscuridad más desoladora. Con todo, estamos plenamente seguros que Lorca celebraría Solas como una actualización de sus tragedias teatrales. Los 90 ya han pasado, Solas ha ganado cuerpo como los buenos vinos y sigue siendo la mejor película de su artífice. Un hito del cine español.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Un regalo de profundidad y sutileza que nos obliga a preguntarnos por qué el cine de nuestros días está tan saturado de violencia. Soberbio. Stephen Holden, The New York Times

Las intenciones no están a la altura de los resultados. Los personajes secundarios delatan una inveterada tendencia al arquetipo que en nada beneficia a las pretensiones de veracidad del relato. Carlos Losilla, Dirigido por... Nº 278

No es un film de tesis ni un alegato social, sino una muy pudorosa y sentida evocación de unas vidas corrientes en las que no sucede nada extraordinario y que la cámara capta con una pureza sobresaliente y un aliento poético nada forzado. Jordi Batlle Caminal, Fotogramas Nº 1866

Sobrio, duro y cautivador drama sobre la soledad, la pobreza y los sueños ahogados en alcohol. Zambrano, en su barato y humilde debut, conquista a crítica y público con una muestra excelente del cine español de final de siglo. Pablo Kurt, Filmaffinity

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'7 / IMDB: 7'7 / Sensacine: 6'9 / Rottentomatoes: 8'8

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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a
9 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película

Mejor director: BENITO ZAMBRANO

Mejor actor protagonista: CARLOS ÁLVAREZ-NOVOA

Mejor actriz protagonista: ANA FERNÁNDEZ

Mejor actriz secundaria: MARÍA GALIANA

Mejor reparto

Mejor guión original: BENITO ZAMBRANO

Mejor música original: ANTONIO MELIVEO

Mejor canción: Woman

NOTA DEL JURADO

JUGUETELANDIA (SPIELZEUGLAND, TOYLAND), de Jochen Alexander Freydank

Cortometraje nº 03: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Uggo Kollado

Alemania, 2007. Drama histórico, 13 min.

RESEÑA ISIDRO: El holocausto nazi ha sido muchas veces llevado al cine desde todos los puntos de vista posibles. Juguetelandia se circunscribe a ese grupo de películas que secuestran lágrimas sin piedad como La vida es bella o El niño con el pijama de rayas,que narran la barbarie desde la perspectiva de un niño. Pero el corto se las arregla para no resultar un refrito sensiblero; al contrario, sabe ser emotivo y aprovechar los recursos cinematográficos para sostener la narración: la intriga a dos bandas con el montaje paralelo funciona de lujo, aunque tengamos que permitir algunas licencias argumentales que ayudan a mantener oculto el misterio. Un Óscar muy bien ganado. Nota: 7

RESEÑA DANIEL: Descifrar el universo infantil es muy complicado. Todos crecemos y tendemos a olvidar la más inocente y tierna etapa de nuestra vida. Más complicado aún es explicar el mundo de un pequeño mientras ocurre la Segunda Guerra Mundial, y tratar de explicar las razones de tal trágico acontecimiento. Por eso se oculta, se disfraza. Por eso Juguetelandia es un cuento mágico y terrible a la vez, una mirada dolorosa a la par de inocente, el esfuerzo de una madre por alejar a su hijo de la desgraciada verdad que versa su mundo. Una pieza que desde un inicio, mientras las bellas notas de un solitario piano se tocan, expresa hostilidad, destino incierto y finalmente redención. Una loable obra. Nota: 8

RESEÑA MAYRA: Cortometraje alemán ambientado en la Segunda Guerra Mundial que nos deja conocer la mirada inocente que unos niños tienen ante las atrocidades que están ocurriendo en su entorno. Inocencia, amistad y bondad que, en dicho entorno nazi, brilla como luz en la oscuridad. Por un momento me ha recordado a El niño con el pijama de rayas,película estrenada en 2008 (adaptación de la novela del mismo nombre escrita por John Boyne y publicada en 2006). Nota: 7

RESEÑA MIGUEL: La Segunda Guerra Mundial siempre es proclive a que se hagan películas de una calidad inmejorable. En este caso tenemos un corto que juega en la misma liga que sus homólogas en los largos. Se trata de la visión de un niño anclada en esa época. Son 10 minutos emocionantes, dirigidos con una elegancia inquebrantable y que subrayan el horror humano de una forma inocente y humana. Nota: 8

RESEÑA XAVIER: El cine nos ha llevado en muchas ocasiones al epicentro del horror de la Segunda Guerra Mundial, muchas de ellas a partir de historias ligeramente fantasiosas que jugaban a transformar lo atroz en un campo de fantasía (La vida es bella y El niño con el pijama de rayas, por citar dos títulos recientes). Juguetelandia parte de una idea similar, pero tiene la virtud de mantener en tensión a la audiencia con una narración que une dos tiempos narrativos… hasta desvelar su misterio. Un cuento que nos recuerda la sinrazón de la guerra y reivindica el espíritu inocente y juguetón de los más pequeños. Un thriller histórico contado y facturado con notable habilidad. Nota: 7

NOTA DEL JURADO:

CUERNO DE CABRA (THE GOAT HORN, KOZIJAT ROG), de Metodi Andonov

Largometraje nº 07: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Bulgaria, 1971. Dirección: Metodi Andonov Guión: Nicolai Haitov Duración: 100 min. Género: Drama Tráiler: LinkReparto: Katya Paskaleva, Anton Gorchev, Milen Penev, Todor Kolev, Kliment Denchev, Stefan Mavrodiyev, Nevena Andonova, Marin Yanev

¿De qué va?: Bulgaria, siglo XVII. Un grupo de turcos violan y matan a una mujer en una pequeña aldea rural. El marido viudo decide a partir de ese momento instruir a su hija en distintas técnicas de autodefensa y lucha. Al crecer, la chica se convierte en una sofisticada asesina decidida a restablecer el honor familiar.

Palmarés: Sección oficial Festival de Valladolid 1971. Candidata búlgara al Óscar a la mejor película de habla no inglesa.

RESEÑA ISIDRO:Cuerno de cabra es el clásico wéstern de venganzas trasladado a la Bulgaria del siglo XVII y siguiendo unos códigos cinematográficos más europeos (no tanto un wéstern de Ford, sino más bien un 'espagueti' sin salsa y sin cocer); o sea, la primera y posiblemente única película de la corriente que acabo de bautizar como yogur wéstern. La historia, pues, no es nada que no hayamos visto antes, pero la narración no tiene fisuras y los personajes evolucionan de forma verosímil. Como decía, es un wéstern a la europea (¿un 'eastern' entonces?) que no se rinde al espectáculo, una película muy seca, muy directa: confía mucho en la imagen, apenas hay diálogos (sería muda de no ser por los chillidos de la moza... ¡qué le gusta reírse chillando, llorar chillando, chillar a voces… ponle más patas y es una orugrita!), pero no se echan de menos: el director no necesita más que la cámara y son sus imágenes las que cuentan todo lo que hay contar, que es en definitiva la esencia de la cinematografía, ¿no? Buen film.

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RESEÑA MAYRA: Cuerno de cabra me ha gustado más de lo previsto. Es una historia tal vez sencilla pero desarrollada con un estilo muy singular; pausado y silencioso, pero con ciertos momentos fuertes y de impacto. Pero más allá de la violencia y la crueldad de su inicio, el odio y la frialdad que respiran sus personajes protagonistas, padre e hija, Cuerno de cabra me parece una historia dramática y conmovedora. El padre, a raíz del acontecimiento que le arrebató a su esposa, inmediatamente adopta una postura que lo lleva a vivir temeroso y a la defensiva, sobreprotegiendo a su hija a tal punto de impedirle ser ella misma y a cohibir cualquier atisbo de sentimiento o cariño hacia nadie. Y aunque el padre hace esto intentando evitar que su hija en un futuro sea vulnerable y pueda sufrir, sin darse cuenta la va orillando a aquello de lo que más la ha protegido. Historia muy bien narrada y dirigida con unas interpretaciones destacables.

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RESEÑA MIGUEL:Cuerno de cabra es una curiosa y modesta película que habla sobre la venganza. Y decir habla es mucho, porque apenas hay diálogos en el metraje; y tampoco se apoya en grandes imágenes para relatar una historia tan modesta a la vez que profunda. Su mayor logro es conseguir desde su reducido despliegue técnico y su parco libreto transmitir toda la rabia y bondad que se encuentra en la relación entre padre e hija. No resulta especialmente entretenida, pero una vez rematada la cinta, te das cuenta de que el viaje ha merecido la pena, comenzando en fuego, y terminando en fuego.

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RESEÑA XAVIER:Cuerno de cabra, la película más recordada de la historia del cine búlgaro, será sin lugar a dudas uno de los descubrimientos del certamen. Tras su éxito en las salas setenteras de arte y ensayo, el film ha aguantado el paso del tiempo como joya de culto cinéfilo, si bien son muchos los que todavía ahora la desconocen. La obra, en blanco y negro y con un estilo descarnado y salvaje, cuenta la venganza orquestada por un padre de familia y su hija en la Centroeuropa rural del siglo XXVII. La violencia, tanto implícita como explícita, hace mover los engranajes de un relato que raya la subversión, que se acomoda en la polémica y que tiene la virtud de trasladar al espectador a espacios físicos y anímicos poco explorados por el séptimo arte. El búlgaro Andonov ofrece una fábula envenenada que critica las consecuencias de cualquier educación basada en el odio y el revanchismo. A su vez, sus personajes son sombras volubles, seres de perfil prehistórico que se mueven por impulsos y bajas pasiones. Tal vez por eso Cuerno de cabra no acaba de dejar claros sus postulados cuando aparece en escena otro personaje masculino que rompe la estabilidad de la familia: ¿estamos ante una delicada historia de amor con desenlace trágico o ante un ejemplo de las pulsiones reprimidas, casi homínidas, de sus verdugos-víctimas? Sea como sea, del visionado resulta una experiencia desestabilizadora, áspera y dura como las rocas que caen en el melancólico plano final del film.

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RESEÑA DANIEL: Intenso, violento, crudo y brutal drama búlgaro centrado en la incipiente y nunca venerada venganza. Un esperpéntico relato que nace en las llanuras de una Bulgaria dominada por los turcos, y se desarrolla en el contexto de un pastor que entrena a su hija para que consolide su formación como un ‘varón’ y ajusticie a los vándalos que destruyeron a su madre. Metodi Andonov dirige este tormentoso drama con una intensidad loable: se perciben momentos muy incómodos en el que las miradas sólo expresan el sufrimiento y la desesperación, y en otras es ese cruento silencio el que opaca cualquier concesión. Un cuerno de cabra, un simple símbolo, un testigo presencial de la satisfacción desorbitada de la venganza. Un cuerno que los une, los ata, los marca, los persigue. Andonov plasma con vigor en este film las características de sus personajes, y resulta muy loable la labor interpretativa de los protagonistas: un Anton Gorchev que logra que el dolor de su personaje traspase la pantalla, y una Katya Paskaleva que da energía a su papel y le da un tono de rencor purificado, casi sublime. Aunque hay ciertas falencias (en el desarrollo, básicamente) que no hacen a la obra redonda del todo, Cuerno de cabra resulta una experiencia amarga y vívida a la vez.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Una película feroz que dejó en los jóvenes cinéfilos de entonces la impresión acre de ver hasta dónde podía llegar la crueldad humana. Era, pues, cine de arte y ensayo en aquella España que se desperezaba. Redacción ABC

No sólo la vi yo, sino toda España. La razón: aparecía un desnudo femenino. Lo inexplicable de ese morbo es que es que el desnudo se debía a una violación. Fíjese lo salido que andaba el personal. No me fascinó. Carlos Boyero, El País

Sus diez primeros minutos son increíbles. Con más de 200.000 espectadores únicamente en Madrid capital tras 86 semanas de su estreno. Cartelera Rosales

Cine rudo, sincero y primitivo. Me produjo profunda impresión. Su lenguaje es voluntariamente elemental, directo, sin refinamientos caligráficos. L. López Sancho, ABC

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'1 / IMDB: 8'6

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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a
5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor director: METODI ANDONOV

Mejor actriz protagonista: KATYA PASKALEVA

Mejor actor secundario: ANTON GORCHEV

Mejor fotografía: DIMO KOLAROV

Mejor maquillaje y peluquería: VV. AA.

NOTA DEL JURADO

EL CAZADOR (THE DEER HUNTER), de Michael Cimino

Largometraje nº 08: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Álvaro Úbeda

EE. UU., 1978. Dirección: Michael Cimino Guión: Deric Washburn Duración: 180 min. Género: Drama. Bélico Tráiler:LinkReparto: Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Savage, John Cazale, George Dzundza, Chuck Aspegren, Amy Wright, Joe Grifasi, Rutanya Alda

¿De qué va?: Tres amigos se enrolan en la Guerra de Vietnam. Atrás dejan sus mañanas de trabajo en una fábrica de fundición de hierros, sus tardes de caza y sus noches de fiesta. Tras la guerra, nada volverá a ser igual.

Palmarés: Globo de oro al mejor director y 5 Óscars, incluyendo el premio a la mejor película.

RESEÑA MAYRA: Robert De Niro protagoniza este film que nos narra la crudeza de la guerra y los efectos que ésta deja en la vida de los personajes implicados. Tres horas de una historia que nos presenta a estos tres personajes principales, sus amores, sus vidas, sus anhelos, sus miedos, y la valiente decisión de estos amigos por ir de voluntarios a la guerra de Vietnam. Creo que le sobra algo de metraje a la cinta, especialmente en su tramo inicial, pero fuera de eso creo que es una película desarrollada con mucha agilidad, a ratos sumamente agradable, a ratos impactante y desgarradora, y en algunos otros momentos la tensión sube al máximo y nos mantiene en zozobra. Una cinta dirigida con sobriedad, y con unas interpretaciones muy destacables, tanto Savage, como De Niro y Walken (especialmente estos dos últimos) ofrecen al espectador un trabajo interpretativo digno de aplaudir. Y por supuesto, no podemos dejar de mencionar también el interesante aporte de la siempre encantadora Meryl Streep. Película muy recomendable.

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RESEÑA MIGUEL:The Birth of a Nation de D.W. Griffith de 1915 fue una revolución cinéfila, una epopeya sobre la historia americana relatada de forma sorprendente, y sobre todo, un avance artístico y técnico de órdago. Pero era racista. Soberanamente racista. Y yo particularmente no pude saltar ese escollo para cogerle el gusto. ¿Hay algún nivel en el que la calidad artística de un film se imponga a lo controvertido de su moral? Mi respuesta es El cazador. Fui capaz de alejarme de su visión patriótica en la que los vietnamitas no son más que inhumanos que maltratan a los pobres americanos, siendo éstos los que ocuparon su país. Conseguí empatizar con la visión de un director treintañero que nos contó más que una historia bélica -la guerra ocupa un lugar muy pequeño en el metraje del film-. El cazador trata fundamentalmente sobre la amistad de dos hombres, Mike y Nick, y sobre la crueldad humana en su estado puro. Mike, Nick y Steven cambian física y psicológicamente; y nosotros como espectadores atendemos a ese proceso atroz de tres horas que se antoja cortísimo. Michael Cimino aporta a esta obra maestra una épica cotidiana que afila los nervios. Desde la primera parte de la película (el bar, la boda, la caza… la amistad) se siente una sensación de abandono, de congoja y desasosiego que no te abandona hasta la última nota de esa melodía al piano. El dolor de estómago llega con la brutal guerra, su crueldad y lo rápido que nuestras mentes abandonan su cordura. Finalmente, en el tercer acto, llega la rabia, la rabia de las secuelas de la guerra; no sólo las que sufren Mike, Nick y Steven, sino las secuelas que han azotado a toda esa comunidad proletaria de Pennsylvania. El cazador te revuelve las emociones de una forma verdaderamente poderosa. Lo mejor: su ambicioso sentido grandilocuente, un De Niro magnético, y el resto del elenco que vuela a su misma altura. Lo peor: las escenas de caza las llevo muy mal, quiero pensar que el maltrato animal es simulado, pero algo me dice que no es así.

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RESEÑA XAVIER: Confieso que antes de ver El cazador estaba preparado para enfrentarme a la enésima revisión de la Guerra de Vietnam por parte del todopoderoso Hollywood. Craso error. Sorpresa enorme. Tras el visionado me di cuenta que El cazador es una película que toma la guerra como telón de fondo para contar cuestiones más complejas. Dividida en tres partes, la película narra la relación de amistad, fidelidad y dependencia que se crea entre un grupo de jóvenes norteamericanos. En primera instancia, el film describe una arcadia que se intuye en sus postrimerías; en su segundo tramo, la experiencia bélica apela a espacios anímicos antes que a las trincheras del 'cine espectáculo'; y en último lugar, el personaje de Robert de Niro se encarga de recomponer las piezas, de comprobar qué quedó de lo que se intuía eterno. El cazador expone las causas y consecuencias del círculo vicioso del dolor, de la insatisfacción, de la felicidad nunca alcanzada; y lo hace con unos personajes que se intuyen reales y cercanos, que se parecen a nuestros vecinos o amigos, incluso a nosotros mismos. Han pasado más de treinta años de su estreno y su éxito en los Óscar, pero El cazador sigue resultando un film de gran actualidad, formalmente moderno y con dilemas morales la mar de complejos. De Niro, Walken y Streep bordan sus papeles, todos los apartados técnicos se alían para crear una atmosfera hipnótica y algunas escenas se quedan grabadas a fuego en la memoria. Peliculón.

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RESEÑA DANIEL:¿Cuánto vale una Amistad? Esa pregunta me hago tras el visionado de El cazador, la excelsa obra de Michael Cimino, que presenta de una manera distinta los sentimientos de hermandad que existen entre tres jóvenes que participan del terror de la guerra. Tras una introducción llena de felicidad, pues se extiende una suntuosa boda, nos trasladamos al corazón del estallido, donde el fuego se presenta, el sonido de las balas aturde nuestra mente y el fango se convierte en un aliado más. La terrible situación de estos tres amigos llega a cosas inimaginables. La barbarie ocurre. Se desangra la amistad. Termina. Se esparcen como abejas a la caída de un panal. Pero nada es igual. El film indaga en esa sensación de impotencia al conocer que persiste en latir del corazón del hermano allá donde todo es oscuro. Y retornamos al infierno, pero ya no es lo mismo. El cazador es un film antibélico y un inmenso canto a la amistad, alejada de los cánones perversos que Hollywood impone a lo sensible y estereotipado. Se eleva y conquista nuestras emociones, tan reales como la destrucción que las guerras han ocasionado a lo largo de la historia.

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RESEÑA ISIDRO:El cazador es posiblemente el film bélico con menos escenas de guerra que he visto nunca. De hecho creo que nada más tenía una y no era precisamente una batalla. Quizá se explica porque el punto principal de la película sea la exploración psicológica de sus personajes (sobre todo de su protagonista, el 'cazabambis'), y para ello Cimino opta por narrar el antes, el durante y el después de la guerra con largas secuencias muy cercanas en el tiempo separadas por unas elipsis muy marcadas (la primera es casi tan vasta como la del hueso-satélite de 2001). Y funciona bien: la primera hora es una presentación de los personajes lenta y minuciosa con una boda como excusa, donde los personajes se muestran dispuestos y animados a ir a Vietnam a luchar por su país (angelicos), y en la siguiente toma los encontramos completamente derrotados en una cabaña flotante obligados a jugar a la ruleta rusa: el contraste es brutal. Y el desgaste psicológico de los personajes tras su participación en el conflicto, también. Quizás le sobre media horilla de allí y de allá y siento a algún secundario poco definido (básicamente a Streep), pero es una bonita historia sobre la amistad y un poderoso alegato antibelicista de los que dejan huella.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

No es una película sobre el Vietnam, ni siquiera una película sobre la guerra: es una historia sobre la metafórica pérdida de la inocencia, no sólo de unos personajes. sino de una nación entera. José Antonio Jiménez De las Heras, Dirigido por, Nº 288

No es una película sobre la guerra, sino sobre la amistad. Sobre cómo la vida puede joder las cosas más hermosas que hemos tenido, la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba. También es un canto a la supervivencia. A mí me sigue haciendo llorar. Carlos Boyero, El Mundo

Crónica del desencanto. Pese a ser una de las primeras películas en reflejar una de las consecuencias más oscuras del conflicto del Vietnam, la de la gran decepción del pueblo americano ante una guerra absurda e inexplicable, fue duramente criticada por algunos por la imagen desdibujada y partidista que ofrecía de los nordvietnamitas, retratados como salvajes sin cerebro que disfrutaban con el sufrimiento y aniquilación de sus prisioneros. Susanna Farré, Miradas de cine

Discutible en algunos aspectos, pero perfectamente dirigida e interpretada. Imprescindible. Fernando Morales, El País

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 8'0 / IMDB: 8'2 / Metacritics: 9'0 / Sensacine: 7'3 / Rottentomatoes: 9'25

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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a
13 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: MICHAEL CIMINO
Mejor actor protagonista: ROBERT DE NIRO
Mejor actor secundario: CHRISTOPHER WALKEN
Mejor actriz secundaria: MERYL STREEP
Mejor reparto
Mejor guión original: DERIC WASHBURN y MICHAEL CIMINO
Mejor fotografía: VILMOS ZSIGMOND
Mejor montaje: PETER ZINNER
Mejor maquillaje y peluquería: VV. AA.
Mejores efectos especiales: VV. AA.
Mejor diseño de producción: VV. AA.
Mejor canción: Can't Take My Eyes Of You

NOTA DEL JURADO

Trabajo novel Nº 4. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.

Entrevista a Miguel Martín Maturana, director de No hay lugar y A Place Called Home

1. ¡Saludos, Miguel! Bienvenido un año más al Cinoscar Summer Festival. En esta ocasión, nos presentas dos trabajos en uno: No hay lugar y A place called home. Pregunta obligada: ¿los cortometrajes nacieron como dos partes integradas o autónomas? ¿Son dos caras de una misma moneda o dos obras complementarias?

Gracias a ti por darme la oportunidad de participar de nuevo. Lo cierto es que el primer corto nació como idea independiente y más tarde surgió la idea de hacer una segunda parte. Tanto No hay lugar como A place called home son metáforas de los estados emocionales que experimenté en el momento en que cada corto fue rodado: No hay lugar habla del deseo de huir hacia algo mejor mientras que A place called home habla de luchar por seguir adelante aceptando las partes oscuras de uno mismo, dos ideas contrapuestas pero que se complementan al mismo tiempo, por lo que pueden verse igualmente como obras independientes o piezas de un mismo puzzle.

2. La música es muy importante en los dos trabajos: en el primero, optas por una pieza instrumental del grupo español Amaral; y en el segundo, por un tema de PJ Harvey. ¿Hasta qué punto podríamos considerar los cortometrajes una exploración cercana al videoclip?En el caso de A place called home, además, la letra de la canción resulta especialmente recurrente…

Ambos cortos fueron planificados a través de la música primero. En el caso de No hay lugar, visualicé a un chico corriendo por las vías del tren mientras escuchaba la canción No hay lugar de Ainhoa, de donde surgió el título. Posteriormente redacté un guión pero seguía sin tener claro qué música iba a poner. U boat de Kasabian fue una opción que tuvo muchas posibilidades debido a la melancolía de la melodía cantada, pero finalmente un mes antes de rodar hallé con la música perfecta: Dragón Rojo de Amaral, que otorgó al corto el “menos es más” que requería como modesto ejercicio de escuela. Para A place called home me inspiré en un principio en la canción Citizen of the planet de Alanis Morissette, y tras darle varias vueltas me di cuenta de que la canción de PJ Harvey era la más adecuada debido a su letra positiva y de esperanza tal y como me comentas. Realmente la música ha sido indispensable para su creación, por lo cual diría que más que cortometrajes se pueden considerar video-clips experimentales

3. Los cortos no serían lo mismo sin la entrega de la actriz protagonista. ¿Qué indicaciones diste a tu actriz? ¿Le resultó difícil expresar distintos sentimientos sin recurrir a la palabra? ¿Hasta qué punto le pautaste la evolución emocional de su personaje?

Me reuní con la actriz antes de rodar cada corto para explicarle qué quería transmitir en cada historia. Para No hay lugar hablamos muy poco, pero para A place called home le entregué un dossier que escribí como ejercicio para la escuela de cine, donde exponía con mayor profundidad la intención de la historia, y además hicimos juntos el storyboard fotográfico con lo cual ya pudo ver más o menos cómo iba a suceder el rodaje. Ciertamente, la dirección de actores es un campo que considero muy complicado y al que hay que tener mucho respeto, pues me parece un pilar básico para que una obra audiovisual funcione, a parte del guión y la dirección por supuesto, pero he de decir que en ese sentido me considero bastante inexperto, y cuando rodé los cortos aún lo era mucho más. Hay que conseguir que el actor se sienta cómodo y al mismo tiempo que logre expresar lo que quieres que transmita, y eso sólo se consigue a través de la experiencia personal y bagaje vital, por lo cual admito que no trabajé demasiado en ese aspecto al rodar los cortos, en parte porque su simplicidad tampoco lo requería y por otro lado debido a esa inexperiencia vital que te comento.

4. Los últimos segundos de No hay lugar hacen pensar en un final abierto, mientras que A place called home aboga por una clausura más cerrada, por no decir circular. ¿Hasta qué punto estaba previsto este detalle? ¿Has pensado en completar la obra con una tercera entrega?

El último plano de No hay lugar lo tuve muy claro desde el principio (alguien que se aleja hacia el horizonte) y para A place called home recuerdo que fue más complicado, pero sí te puedo decir que a la hora de redactar el guión final de A place called home tenía claro que iba a ser estructura circular antes de redactar lo que sucedía en medio. No creo que haya tercera parte pero nunca se sabe, tal vez algún guiño en proyectos en los que estoy trabajando actualmente.

5. Ambos rodajes se realizaron al aire libre, en espacios y ciudades diferentes. ¿Cuál fue el aspecto técnico más difícil al que tuvisteis que enfrentaros tú y tu equipo? ¿Resultó más complejo rodar en espacios urbanos o en escenarios rurales?

Fue mucho más sencillo que con Horror Night. No necesitábamos permisos, lo más complicado fue tal vez el plano inicial y final de A place called home que está rodado al borde de una altura considerable y sin protección de por medio, por lo que la cámara y el operador estaban un poco inseguros. Por lo demás, se puede decir que no hubo apenas complicaciones a la hora de rodar.

6. ¿Crees que tus cortos pueden interpretarse como una metáfora de la imposibilidad de huir (de un espacio, de uno mismo, etc.)? Los conceptos ‘lugar’ y ‘home’ que propones en los títulos se prestan a lecturas muy variadas e interesantes.

Es cierto que se puede extraer esa lectura, pues ambos cortos reflejan tristeza y sentimientos negativos que suelen relacionarse con ese concepto de imposibilidad, pero en el fondo, yo diría que más que sobre la imposibilidad, son una metáfora del DESEO de huir y como se suele decir: querer es poder. No hay lugar refleja el deseo de huir de un estado de depresión y A place called home muestra el deseo de huir del miedo a uno mismo, pero en ambos casos el sentimiento que quise transmitir era opuesto al de la imposibilidad.

7. En Horror Night, título del CSF2, nos proponías una historia de terror con influencias del slasher norteamericano. A place called home da un giro a la ciencia ficción, e incluso la ropa de la protagonista hace pensar en algunos films vinculados a cierta estética cyberpunk. ¿Querías proponer una historia cercana a los viajes en el tiempo? ¿Te inspiraste en algún título concreto de ese género?

Donnie Darko fue una influencia muy importante y lo sigue siendo en mi vida. Es una película con universo propio y el plano cenital de la chica levantándose en A place called home es un guiño al comienzo de la película, que también tuve muy claro desde el principio. La estética de la ropa negra fue también algo que tuve claro como metáfora de los sentimientos oscuros. Quería cierto misterio para A place called home, el campo representaba un paraíso imperfecto y solitario, pero no tenía muy claro hacia dónde tirar la historia. Con el tiempo me doy cuenta de los errores y ahora veo que se podría haber jugado mucho más con la historia, pero de todo se aprende.

8. En los cortos no aparecen monólogos, diálogos o intervenciones directas de los personajes. ¿Redactaste un guion para cada obra o el proceso de rodaje y montaje fue un proceso más intuitivo?

Para No hay lugar fue más intuitivo y para A place called home más planificado, pero en ambos casos antes de rodar tenía muy claro el storyboard en mi cabeza y los cambios de encuadre, pues es fundamental respecto a continuidad a la hora del montaje.

9. ¿Tienes alguna anécdota del rodaje que te gustaría compartir con nosotros?

En el rodaje de No hay lugar el foquista se durmió y tuvimos que ir a buscarlo a su casa porque no contestaba al móvil. Mi compañera de clase había estado en su casa pero no recordaba exactamente dónde estaba. Llamamos a varios pisos y finalmente dimos con él casi de milagro. No podíamos empezar sin él, pues yo me sentía muy pez en tema de fotografía y necesitaba ayuda al respecto. Sin embargo, ese suceso posibilitó que de manera espontánea se aplazara la segunda parte del rodaje, que sucedía en el campo en lugar de la ciudad, lo cual permitió que se produjera ese cambio de luz solar que sucede al pasar de la ciudad al campo. Algo que no estaba previsto y que gracias a este imprevisto hizo que la imagen se conjugara con la música de mejor manera. De todo se puede sacar algo bueno.

10. ¡Muchas gracias por atendernos una vez más! Para terminar, tienes la posibilidad de dirigir unas palabras a los espectadores-lectores del festival. ¿Por qué deben visionar tus trabajos? ¿Cómo les convencerías para que votaran por tus propuestas? ¡Mucha suerte!

Pues como siempre les diría que lo vean sin pretensiones y si les gusta que lo voten. No pretendo convencer a nadie, que cada uno decida según su criterio, solo puedo decir que espero que les guste. Gracias de nuevo por esta oportunidad, nos vemos a ser posible en futuros festivales.

Corto: NO HAY LUGAR, de Miguel Martín

Corto:A PLACE CALLED HOME, de Miguel Martín

Trabajo novel Nº 05. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.
Entrevista a Jaime Zaragoza, director de Superpoderes.

1. ¡Saludos, Jaime! Muchas gracias por presentar Superpoderes al Cinoscar Summer Festival. Antes de indagar en los detalles de tu cortometraje, queremos conocerte a ti. ¿Puedes contar a nuestros lectores cuál es tu vinculación con el mundo del cine?

Un saludo, a Xavier y al festival, por dar la oportunidad de conocer mi trabajo. Mi vinculación al mundo del cine es de aficionado, ya que no me dedico a ello. Pero desde los 10 años no he parado de ver cine. Con treinta años me apunté a una escuela de cine y a partir de ahí quise hacer mis propios trabajos. Así que veinte años después he empezado a hacer mis propios proyectos.

2. Superpoderes mezcla realismo, romance y ciencia ficción en apenas 7 minutos. ¿Tuviste alguna influencia o inspiración confesable, cinematográfica o no, en la génesis y durante la creación del corto?

La verdad es que no he tenido influencias precisas para este corto. Lo que me interesaba era contar una historia y lo he hecho lo mejor que he podido.

3. Viendo el cortometraje, se intuye un gran trabajo con la pareja de actores y con los diferentes intérpretes que aparecen en ese parque tan fantástico. ¿Podrías contarnos algún detalle de la dirección de actores? ¿Diste a tu reparto algún tipo de indicación especial?

Tuve mucha suerte con los actores, ya que Alberto Díaz tiene una compañía de teatro y en seguida se supo el papel y la intención del personaje. Con ella pasó lo mismo: le puso muchas ganas y con solo dos ensayos ya tenían los personajes, intenciones y los movimientos a seguir según la planificación. Fue perfecto.

4. Como espectadores, al finalizar el cortometraje nos quedamos con las ganas de saber qué sucedió y qué ocurrirá entre los personajes. ¿Siempre concebiste Superpoderes tal y como vemos en la versión final o hubo en algún momento un guión más extenso? ¿Hay posibilidad de una segunda parte de Superpoderes?

La historia del corto es así, tal como la habéis visto, Quería hacer una historia corta pero con gancho. Me encantó la idea de que la historia fuese sobre un amor imposible y que además su personaje reflejara esa parte egoísta que todos tenemos dentro para nuestro propio beneficio sin importarnos nada más. ¿Superpoderes 2? Ya he escrito otro guión de corto con otro personaje que también tiene superpoderes. Pero esta vez el superpoder sirve para resaltar la eterna lucha de sexos entre los hombres y las mujeres. En esta ocasión ninguno de los dos caerán simpáticos a los espectadores.

5. ¿Qué aspecto técnico resultó más complicado? Visualmente, el cortometraje es impecable, ¡felicidades!

¡Muchas gracias por tu felicitación! Tuve la gran suerte de contar con Marc Andrés, que es un gran profesional del audiovisual y que me ayudó a darle ese envoltorio tan profesional a todo el corto. Él se encargó de los sencillos pero efectivos efectos especiales y de look, así que mis “dificultades” solo fueron de producción, organización y dirección (que en este caso fueron pocas, ya que todo el equipo se portó de maravilla).

6. El protagonista de tu trabajo tiene un poder, pero ese don no le permite cambiar aquello que realmente desea. Podríamos hablar de un poder ‘envenenado’ que humaniza al personaje y logra que simpaticemos con él. Tu premisa, en resumen, es muy diferente de las que nos ofrece Hollywood en sus superproducciones de superhéroes. ¿Qué opinión te merecen todas esas películas? ¿Hay alguna especialmente que te guste o que te apetezca destacar?

Las películas de superhéroes me encantan, por la sencilla razón de que pueden hablar de cualquier tema: racismo o miedo a lo diferente (X-Men), de nuestra dualidad como personas (Hulk), del poder de la amistad (Los Guardianes de la Galaxia), etc. Además, son muy entretenidas. Amo todo tipo de películas, pero en estos tiempos que corren estamos muy necesitados de héroes, ya que en la vida real hay pocos: el cine nos compensa dándonos esos personajes maravillosos venidos de los comics.

7. Uno de los aspectos más interesantes de Superpoderes es la banda sonora: consigue dotar a la historia de una atmósfera de tensión, misterio e intimidad. ¿Puedes contarnos algún detalle de la concepción y la creación de la banda musical del cortometraje?

Como comentaba antes, tuve mucha suerte con el equipo. La hermana de Marc Andrés y su pareja son músicos. Ya habían hecho antes música para algún corto y algún documental de prestigio sobre la Obsolescencia programada. Así que me propusieron hacer la música, y yo accedí encantado, no pude rechazar tal invitación. ¡Ah, se me olvidaba! Les hice la fotos de su boda, que les gustaron mucho y creo que este fue otro tanto a favor para que me hicieran la música, jajaja. Muy profesionales y muy buenos músicos.

8. ¿Te gustaría comentar con nosotros alguna anécdota del rodaje? ¡Estamos seguros que el rodaje tuvo que ser toda una experiencia!

La verdad es que hay pocas anécdotas. Todo salió muy fluido. La única anécdota es que, como no había mucho presupuesto, rodamos sin permiso en el metro, en este caso los ferrocarriles catalanes. Le comenté a la actriz que me sabía mal tener que rodar de esta forma en ese lugar, y ante mi asombro ella me dijo que le encantaba la aventura y el riesgo de rodar de esta forma, rápida y con el temor a que nos pillaran. Además, tuvimos la suerte que nadie miró a cámara mientras rodábamos las escenas. Lo demás lo hicimos todo muy profesional .En el parque tuvimos el permiso para todo el día.

9. No podemos terminar la entrevista sin saber cuáles son tus próximos proyectos. ¿Tienes algún trabajo entre manos que podamos conocer? ¿Guarda algún tipo de relación con Superpoderes?

Estoy preparando dos cortos y escribiendo un largo de terror. Como te he comentado uno de los cortos es como una segunda parte de Superpoderes. Y con respecto al largo, espero poderlo realizar y así dar el salto a la pantalla grande. Debido a mi trabajo tengo poco tiempo, pero todo el que dispongo es para cumplir mi sueño de hacer una película.

10. Muchas gracias por responder a nuestras preguntas, Jaime. Estamos convencidos que Superpoderes gustará mucho a los participantes del festival. Para terminar, te damos la posibilidad de dirigir unas palabras a los lectores del post para animarles a votar por tu trabajo. ¿Cómo describirías Superpoderes en un par de líneas? ¿Qué nos podemos encontrar en el corto? ¿Por qué debemos verlo? ¡Mucha suerte!

Superpoderes es la historia de un joven que es capaz de hacer cualquier cosa por conseguir a la chica de sus sueños, hasta desvelar el gran Superpoder que posee. A los lectores del post, lo único que les voy a decir es que disfruten del corto, y que si les gusta que lo voten. Creo que merece la pena verlo porque es una historia diferente en la temática de superhéroes.

SUPERPODERES from Jaime Zaragoza on Vimeo.

De luchas y pérdidas

MIA MADRE (MI MADRE, MY MOTHER), de Nanni Moretti

Festival de Cannes 2015: Sección oficial a concurso. David de Donatello 2015: Premio a la mejor actriz protagonista y mejor actriz de reparto

Italia, 2015. Dirección: Nanni Moretti Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Valia Santella Fotografía: Arnaldo Catinari Reparto: Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice Mancini, Stefano Abbati, Enrico Ianniello, Anna Bellato, Tony Laudadio, Lorenzo Gioielli, Pietro Ragusa, Tatiana Lepore, Monica Samassa, Vanessa Scalera Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en Italia: 16/04/2015
¿De qué va?: Margherita atraviesa una etapa complicada. El rodaje de su nueva película, la separación de su compañero sentimental, la enfermedad de su madre y los problemas con su hija adolescente ponen a Margherita contra las cuerdas. Cuando el estado de salud de su madre empeora, su hermano Giovanni deja su trabajo para atender a la mujer a tiempo completo. Mientras, su trabajo en el set de rodaje y sus estancias en el hospital harán que Margherita reflexione sobre su vida.

Las historias de Moretti son ejemplos de lucha e integridad. En todas las películas del director italiano, los personajes protagonistas inician una odisea moderna en busca del respeto y la comprensión, reivindicando su espacio y su voz sin importar las convenciones sociales, familiares y políticas (o, en el caso del errante desertor de Habemus Papam, eclesiásticas). Mia madre no es una excepción, pero sí abre nuevos frentes en la carrera de su artífice. Si en el pasado ese espíritu reivindicativo tomaba las formas de un cine militante, Mia madre es un ejemplo de la serenidad que Moretti ha alcanzado como director, escritor y actor con el paso de los años. En el cine del responsable de Caro diario siguen habiendo pancartas, pero éstas se enarbolan ahora desde la madurez, aunque con la misma convicción del primer día.

Moretti ha logrado filmar la magia de lo cotidiano sin prescindir de sus sinsabores: en Mia madre, comedia y drama se unen y confunden, como si la vida fuera necesariamente una sucesión de momentos graves y livianos, de estampas trascendentes y patéticas. En el imaginario de Moretti se dan cita Margherita, una directora de cine, su hermano, su hija y su madre, esta última gravemente enferma: existencias al borde del abismo que se saben en un momento de transición. Por ello, y aunque pueda parecer que Moretti centra toda su atención en la desaparición del referente materno, Mia madre no es tanto una historia sobre la pérdida como un cuento moderno sobre la resistencia y la persistencia: así, la lucha proletaria que defienden los personajes de la película que está rodando Margherita confluye con la actitud hacendosa del hermano por mantener el equilibrio familiar, al mismo tiempo que la propia Margherita no cesa en su empeño por evitar que sus problemas personales y laborales afecten a su estabilidad emocional.

En un momento clave del film, Livia, la hija adolescente de Margherita, pregunta a su madre qué utilidad tiene estudiar latín en la actualidad, y ésta no sabe responderle. En una escena posterior, Margherita observa el escritorio de su madre y sus interminables estanterías de vocabularios, diccionarios, gramáticas latinas y libros viejos. Eso es Mia madre: la crónica de un imperio (romano) de vivencias y de valores que se niega a caer, y que, como demuestra su preciosa escena final, incluso en su hundimiento encuentra su coherencia, su razón de ser, la forma de eternizarse mediante el recuerdo.

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Para almas luchadoras que a veces no encuentran fuerzas para seguir adelante.

Lo mejor: La serenidad de su tempo narrativo y
las distensiones cómicas que protagoniza John Turturro.

Lo peor: Algunos recursos fáciles por parte de Moretti como los episodios oníricos.

JUNEBUG, de Phil Morrison

Largometraje nº 09: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Eduardo Adams

EE. UU., 2005. Dirección: Phil Morrison Guión: Angus MacLachlan Duración: 105 min. Género: Tragicomedia Tráiler: LinkReparto: Embeth Davidtz, Amy Adams, Alessandro Nivola, Celia Weston, Ben McKenzie, Frank Hoyt Taylor, Scott Wilson

¿De qué va?: Madeleine es una marchante de arte británica que se casa con un joven de Carolina del Norte. Aprovechando que uno de sus posibles clientes vive cerca de la casa familiar de su marido, Madeleine decide conocer las raíces de su pareja, hasta el punto de entablar una relación muy especial con su cuñada embarazada.

Palmarés: Independent Spirit Award y candidatura al Óscar, SAG y Satellite a la mejor actriz secundaria (Adams).

RESEÑA MIGUEL: El cine independiente es una de esas pequeñas delicias que de vez en cuando, a menudo de hecho, nos regala una joyita que nos hace creer en el talento y no en el dinero. Junebug no es un ejemplo. Está lejos de ser una mala película; sin embargo, forma parte de las cintas menores estadounidenses de corte independiente. Su trama es bastante manida: mujer de ciudad y de nivel sociocultural alto conoce a la familia de su marido en un pueblo de la América profunda. Todas las artimañas de este tipo de historias se encuentran en su metraje: desafortunados encuentros, malentendidos, extrañas empatías, redención y aprendizaje de clases. Todas ellas llevadas a cabo con mejor o peor suerte, pero salvadas en gran parte por su esmerado reparto, capitaneados por una emergente y estupenda Amy Adams, y un no menos genial Ben McKenzie. Junebug no molesta, pero tampoco perdura.

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RESEÑA XAVIER:Junebug es una de las películas más curiosas de la pasada década. Phil Morrison consigue una película inusual que ama y respeta a sus personajes, un detalle poco habitual en la esfera ‘alternativa’ (demasiado dada a tramas abruptas y herméticas). En Junebug habita el humor negro de Solondz, las excentricidades de Anderson y la voluntad por dar luz a la Norteamérica oculta. El personaje de Amy Adams es una clara demostración de la enorme dirección de actores y el minucioso trabajo de guión que atesora el film: el personaje de Ashley, encarnación de la bondad y la candidez en grado superlativo, resulta cercana, plausible, tremendamente influenciable y humana. En manos de Morrison, la famosa trama de ‘chica conoce a chico’ y ‘chica conoce la familia de chico’, y la confrontación a distintos niveles que surge de esa premisa, alcanza tintes inusitados. Porque la premisa resulta tan cercana que los efectos de Junebug salen a la superficie horas después del visionado. Porque estamos ante una película que crece en la memoria, que despliega toda su influencia cuando el espectador digiere la historia y analiza todas las escenas, las relaciones de los personajes y los diálogos del film. No figura en ningún ranking de las mejores obras de los últimos años, tal vez no ha gozado de la popularidad que en su momento se merecía, y aun así es una de las experiencias cinematográficas más agradables del festival. Se recuerda con el corazón compungido, pero también con una sonrisa. Un pequeño milagro.

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RESEÑA DANIEL: Envuelta en un tono pesimista y aturdido, Junebug nos revela el desacertado encuentro familiar entre Madelaine, una galerista de arte independiente, y la familia de su esposo, George. De dicho encuentro llegarán a sucederse un sinfín de sinsabores que eclipsarán a unos y amargarán a otros. La película desarrolla el entorno familiar como si se tratase de una obra de orfebrería, dándole matices y detalles distintos a cada pieza, que en conjunto termina convenciendo. Desde la intratable madre hasta la chispeante cuñada (una Adams irritablemente grandiosa), la película podría definirse como el choque frontal de varias personalidades en una misma casa que convergen entre situaciones cotidianas, sacadas del mayor realismo y que definen el estilo central de la película (ese tono gélido y rústico); y aunque al film le cuesta arrancar, una vez transcurridos los primeros instantes consigue un interés conveniente. Posiblemente el desarrollo de las acciones demandaba de una mayor profundidad y un tratamiento menos sombrío hubiese logrado mucha más empatía, pero aun así la película se sostiene y termina convenciendo entre las tertulias que los cartografiados personajes realizan en sus escenas.

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RESEÑA ISIDRO:Junebug es una película de personajes, de esas en las que no interesa saber tanto el qué pasa como el a quién le pasa y cómo reaccionan ante ello. El argumento es mínimo: una pareja de urbanitas aprovechan para visitar a la familia pueblerina de él con motivo de un viaje profesional de ella. Y ya está, convivencia y más convivencia. Es más, el acontecimiento que podría dar paso al conflicto dramático de la pareja en cualquier otra película aquí sucede casi al final, y queda bien, porque lo que interesa es el contraste de personajes, con sus diferentes actitudes y singularidades, todos distintos y muy bien perfilados, desde el esquivo hermano menor a la cuñada embarazadísima necesitada de cariño, interpretada por una encantadora Amy Adams. Y Morrison decide plasmar al puñado 'friquis' este con una realización 'friqui' (algo que sabe hacer muy bien Wes Anderson) con encuadres personales y modernuras indies varias que no desentonan demasiado. La película funciona y todos los personajes se ganan nuestra simpatía. Ya solo falta que venga Embeth Davitz a mi pueblo a descubrir mi faceta de artista perturbado: en mis años mozos dibujaba robots despechados, ratas muertas y cerdos preocupados, merezco estar en el MOMA cuanto menos, ¿no?

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RESEÑA MAYRA: Esta es una comedia cuyo estilo me ha recordado un poco a Sweet Home Alabama, por eso de que el protagonista lleva a su novia a conocer a su familia, y de ahí somos testigos de un contraste entre personajes y surgen situaciones que pueden resultar extrañas y cómicas a la par. Junebug resulta interesante debido a lo singular de varios de sus personajes y la curiosa interpretación de cada uno de ellos, ya sea por una Amy Adams demasiado inocente y graciosa, o por un Ben McKenzie de lo más amargado y grosero (curioso ver otra faceta del que ahora interpreta a James Gordon en la serie Gotham); de hecho, a mi parecer es principalmente gracias a las interpretaciones tanto de Adams como de McKenzie. La historia inicia y se desarrolla mayoritariamente como una comedia, pero termina convirtiéndose en un sutil drama que deja una sensación agridulce. En cierto modo el visionado de esta cinta me fue muy agradable, pero debo reconocer que me pareció una historia algo plana.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Logra algo muy difícil: proponer una historia de emociones dentro de un microcosmos familiar susceptible de ser acentuado por la idealización y/o el tremendismo, y conmover a la platea sin recurrir a ningún golpe bajo. Describe el viaje a un lugar donde la palabra 'impostura' aún espera a ser incluida en el diccionario. Jordi Costa, Fotogramas, Nº 1953

Morrison no se ríe de sus personajes, aunque haya momentos en que los muestre en situaciones risibles. Visión nada complaciente de la familia, respetuosa y austera. 'Junebug' es como un doloroso viaje panorámico por el mapa del corazón humano. Tomás Fernández Valentí, Dirigido por, Nº 358

Un retrato de las relaciones familiares y de la forma de vivir del Sur estadounidense, donde, además, se plantean los vínculos de poder del mecenazgo y los conflictos éticos del arte. La Gran Ilusión, Nº 109

Sutil y libre de clichés. Sus interpretaciones tienen el peso de las vidas vividas y de las decisiones tomadas. Nos recuerda que volver a casa nunca es fácil. Stephen Holden, The New York Times

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 6'2 / IMDB: 7'0 / Sensacine: 5'6 / Metacritics: 8'0 / Rottentomatoes: 7'5

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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a
6 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor actor secundario: BEN McKENZIE
Mejor actriz secundaria: AMY ADAMS
Mejor reparto
Mejor banda sonora adaptada
Mejor guión original: ANGUS MACHLACHLAN
Mejor canción: Harmour Love

NOTA DEL JURADO

CONTENIDOS DEL BLOG: ESPECIAL CINOSCAR SUMMER FESTIVAL

Sección oficial 05:CAÍDA LIBRE, de Stephan Lacant
Sección oficial 06:SOLAS, de Benito Zambrano
Sección oficial 07: CUERNO DE CABRA, de Metodi Andonov
Sección oficial 08:EL CAZADOR, de Michael Cimino
Corto 03:JUGUETELANDIA, de Jochen Alexander Freydank
Trabajos noveles 04:NO HAY LUGAR y A PLACE CALLED HOME, de Miguel Martín
Trabajos noveles 05: SUPERPODERES, de Jaime Zaragoza
Reseña:MIA MADRE, de Nanni Moretti

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (SUNSET BOULEVARD), de Billy Wilder

Largometraje nº 10: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Jesús Mejía

EE. UU., 1950. Dirección: Billy Wilder Guión: Charles Brackett, Billy Wilder y D.M. Marshman Jr. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller Tráiler: LinkReparto: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Lloyd Gough, Jack Webb, Fred Clark, Cecil B. DeMille, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, Hedda Hopper

¿De qué va?: Joe, a la deriva en un Hollywood que no acepta sus guiones, acaba por casualidad en la mansión de Norma Desmond, una diva del cine mudo que vive evocando su pasado de estrella. Entre ambos surgirá una unión que permita a Joe saldar sus deudas y a Norma volver a ser el centro de los focos.

Palmarés: 4 Globos de oro, incluyendo premio a la mejor película, y 3 Óscar, incluyendo premio al mejor guión original.

RESEÑA XAVIER: Hay películas tocadas por cierta magia y destinadas a crear escuela. El crepúsculo de los dioses, traducción no por libérrima menos acertada del título original Sunset Boulevard, es una de ellas. Con todo, no podemos acercarnos al film de Wilder desde una perspectiva diferente, predispuestos al aplauso o condicionados por su leyenda. Hablemos de ella como lo que es: una ficción de ficciones. Haciendo esta operación previa (artificial, difícil, pero necesaria), El crepúsculo de los dioses se impone como un thriller de alma literaria y espíritu de celuloide, cargada de una atmosfera incómoda y defendida por una Gloria Swanson que juega a reírse de sí misma y a autorreivindicarse. Este último aspecto es, a juicio personal, el motivo del éxito inmortal de El crepúsculo de los dioses: la capacidad de Wilder por revestir su obra de interesantes relaciones, con sus actores-personajes y con la industria (el Hollywood posterior a su edad de oro, con capacidad de fascinar y a la vez de aceptar sus partes menos amables). La fórmula se ha repetido (Birdman, sin ir más lejos, participa de esa constante), pero pocas veces alcanza la lucidez, la perfección dramática y la intensidad de El crepúsculo de los dioses. Dicho lo dicho, volvemos la estampita al altar: me faltan visionados para hablar de obra maestra, pero a día de hoy me parece una película solidísima que atrapa sobremanera. Sí me permito un atrevimiento: su escena final es uno de los mejores desenlaces de la historia del séptimo arte.

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RESEÑA DANIEL: En cierta ocasión dije que Orson Welles en Citizen Kane se graduaba como uno de los mejores directores que sabían cómo contar una historia sin perder el nivel técnico y artístico que demandaba. Wilder es otro que sabía lo que hacía. Y aunque nos destripa el final entrando a los primeros compases de este enigmático film, en ningún momento se siente una pérdida de interés a lo largo del metraje. El crepúsculo de los dioses funciona de maravilla. Una rotunda obra maestra, la mejor película sobre el poder mediático de Hollywood, el descenso de una estrella inmersa en su pantanoso pasado y la destrucción de un guionista sobornado por sus placeres y aires de triunfo. La película desnuda y humilla los cánones establecidos en un mundo de apariencias y fragilidad; desenmascara las élites sociales de aquel olimpo sagrado; muestra el incontestable contraste entre las conveniencias y la felicidad. Un film puro, de inmenso y supremo mensaje, de seres virtuosos y desgraciados mezclados en el mismo cóctel con sabor a gloria y penuria. Allá se acaba todo, Swanson baja las escaleras, se detiene el mundo. Va camino a su infierno. Wilder, lo has logrado.

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RESEÑA ISIDRO: Es curioso cómo la aspiración de mucha gente es la fama. No el hecho de realizar un trabajo de cara al público que conlleve una fama con la que hay que lidiar, sino realizar ese trabajo con la fama como motivación. Pero se trata de algo tan etéreo que se puede ir al garete tan pronto como ha llegado. Y eso es lo que le pasa a la desdichada Norma Desmond, reconocida años ha, y ahora reconvertida en la sombra de la sombra de lo que fue, desesperada por recuperar el prestigio que alguna vez tuvo. El crepúsculo de los dioses quizá sea la mejor película que trate el tema de la fama perdida y el autoengaño (y no tan auto). El caso es que conocemos a Norma desde el punto de vista de un personaje irreverente como el interpretado por William Holden, quien narra directamente al espectador lo sucedido, lo que le otorga a la película un halo de cine negro muy 'chulo' que agudiza la crítica a la vertiente más superficial de Hollywood y acrecienta el patetismo de la estrella caída en desgracia que, tengo que decirlo, está magistralmente interpretada por Gloria Swanson, con esa mirada altanera y exageradamente expresiva como si actuara en una de sus viejas películas mudas. Tremenda, una gran película de un genio sin igual.

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RESEÑA MAYRA:“Creo que las películas deben decir algo.” Este es uno de los diálogos de El crepúsculo de los dioses y uno con el cual estoy muy de acuerdo. Afortunadamente esta película dice y dice mucho. Wilder nos narra una historia de cine dentro del cine donde podemos ver una antigua actriz del cine mudo que no acepta el paso del tiempo, que vive de glorias pasadas y se ha dejado invadir por la vanidad y la egolatría ante el fantasma de una aparente fama: sin duda, Norma Desmond es un personaje interpretado brillantemente por Gloria Swanson. A la par, también conoceremos un guionista sin dinero que sucumbirá a una atractiva oferta que lo meterá en problemas. Una película de narrativa exquisita e interpretaciones no menos destacables. Un retrato de las transiciones técnicas de Hollywood, y de cómo muchas veces el cine también se concibe por vanidad y por dinero, pero otras tantas veces por pasión al arte. Una obra realmente destacable e imprescindible.

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RESEÑA MIGUEL: Sunset Boulevard es una obra magna de la historia del cine, y sin duda una fortísima competidora en este Cinoscar Summer Festival. Entre ese excepcional prólogo en la piscina, y su gigante, formidable y carismático final en las escaleras, Billy Wilder nos ofrece una despiadada visión del Hollywood de antaño. William Holden interpreta a Joe Gillis, personaje que se adentra en la vida de Norma Desmond, estrella del cine muda venida a menos, que ve como su vida descarrila por senderos de rentas, viejos recuerdos y un futuro nada prometedor. Joe Gillis ayuda al espectador a adentrarse en esa antigua mansión como si de un guía turístico se tratase (la voz en off funciona impecablemente), y nos muestra los recovecos de la loca nostalgia de Norma, de lo que fue, su desmedida necesidad de ser amada… y a Max, su fiel sirviente que guarda más de un secreto. La relación basada en engaños e intereses que se construye entre Norma y Joe es enfermiza desde sus cimientos, expandiéndose de forma sórdida y alejada de la realidad; es terrible pero no puedes despegar la mirada ni un ápice de la pantalla. La química entre William Holden y Gloria Swanson es épica y mítica. Norma Desmond es un personaje que permanecerá en los anales de la historia cinematográfica, básicamente porque es imperecedero. Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses es uno de los mayores aciertos en cambios de título por parte de España) es el ejemplo de una industria antigua, pero también de la industria de hoy en día, de las actrices que le dicen no al envejecimiento mediante diferentes artimañas. Norma Desmond con velos, rocambolescos productos de maquillaje y mucho autodesprecio… Las Zellweger, las Kidman, las Cox del presente Hollywood acuden al quirófano y al bottox, haciendo que Sunset Boulevard sea perpetua y sus magníficas habilidades artísticas no mueran en el pasado.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Plantea la tragedia de una antigua estrella que sueña ilusamente con regresar al cine, y sus extrañas relaciones con un guionista ambicioso y con pocos escrúpulos, bajo la inquietante mirada de un chófer que resultará ser un antiguo director. Narrada en un tono majestuoso y mortuorio, con inflexiones entre la ironía y la crueldad, propone una incisiva mirada sobre el cine en particular y la vida en general. Fotogramas, Redacción

Billy Wilder nunca estuvo mejor en su labor como director, con soluciones de puesta en escena, que de haber sido más continuas y tan lúcidas en su carrera, hubieran echado por tierra esa máxima que le consideraba mejor guionista que director. La (re)visión de El crepúsculo de los dioses es la prueba palpable de que el cine no tiene edad. José David Cáceres, Miradas de cine

Todavía hoy, es la mejor película de Hollywood sobre Hollywood. Andrew Sarris, New York Observer

Hollywood amándose a sí mismo. Muestra las lágrimas que se esconden tras las cortinas. Un sólido ejercicio autorreferencial. Ryan Cracknell, MovieReviews

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 8'5 / IMDB: 8'6 / Sensacine: 8'8 / Metacritics: 9'2 / Rottentomatoes: 9'65

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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a

12 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película

Mejor director: BILLY WILDER

Mejor actor protagonista: WILLIAM HOLDEN

Mejor actriz protagonista: GLORIA SWANSON

Mejor actor secundario: ERICH VON STROHEIM

Mejor actriz secundaria: NANCY OLSON

Mejor guión original: BILLY WILDER, CHARLES BRACKETT y D. M. MARSHMAN JR.

Mejor música original: FRANZ WAXMAN

Mejor fotografía: JOHN F. SEITZ

Mejor vestuario: EDITH HEAD

Mejor montaje: ARTHUR P. SCHMIDT

Mejor diseño de producción: HUGH BROWN

NOTA DEL JURADO

EL CIRCO DE LA MARIPOSA (THE BUTTERFLY CIRCUS), de Joshua Weigel

Cortometraje nº 04: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Vanessa Seoane

EE. UU., 2009. Fantasía, 22 min.

RESEÑA XAVIER: ¿La mujer barbuda, el ‘hombre goma’, el forzudo, el trapecista, el domador de fieras? No. Seres humanos. Tan únicos como cualquier otro. El circo de la mariposa une a diferentes personajes del mundo circense para contarnos una historia de aceptación y compañerismo. En el corto, el protagonista descubre que todos tenemos una parte extraordinaria, detalle que le permitirá dejar de ser el hazmerreír de la audiencia para convertirse en el nuevo héroe de los más pequeños. Una historia de belleza bizarra. Abracadabrante. Nota: 6

RESEÑA ISIDRO: En El circo de la mariposa, un chaval sin extremidades actúa en un circo de fenómenos resignado a ser una atracción y a que se burlen de él. Pero gracias al poder de la mariposa descubre que tirándose a una cuba de agua y saliendo a flote los niños que antes se reían de él porque parecía un gusanito ahora lo admiran por tirarse de plancha. Y todo el mundo se siente feliz y realizado contemplando la puesta del sol con cara de anuncio de seguros. A ver, no quiero que me consideréis un cabrón sin corazón ni empatía, es posible que su mensaje de superación sea muy bonito e inspirador, pero también es descaradamente obvio y superficial. Como cine me parece pura bazofia, y es que este circo de corto es tan manipulador, sensiblero y tramposo que parece que lo haya dirigido el primo envidioso y sin talento de Juan Antonio Bayona. Horroroso. Nota: 1

RESEÑA MIGUEL: El circo de la mariposa es un canto a la diferencia. Es un canto a la diferencia nada sutil, que subraya las emociones que quiere transmitir con un rotulador permanente de color fosforito. Es bonita, ñorda y visualmente creada. Tiene cierto valor para remover las conciencias más adormecidas y recordar que no todos somos iguales. Nota: 6

RESEÑA MAYRA: El circo de la mariposa es una de esas historias que te conmueven profundamente, que te hacen plantearte muchas preguntas la mayoría de ellas puede que sin respuestas. Creo que cada historia cala más hondo en el espectador dependiendo en cierto modo de que tanto se esté familiarizado con el entorno, las emociones o los sentimientos que se dejen palpar en la obra planteada, por tal razón puede que para muchos este sea un corto sensiblero, manipulador, con moralina y sin demasiada relevancia, pero para muchos otros (entre los que me incluyo) seguro esta será una historia de aceptación de lucha y superación que merece el visionado. Nota: 7

RESEÑA DANIEL: En El circo de la mariposa quizá hay cosas que no funcionan del todo, pero hay esperanza. Quizás el talento interpretativo no es el más amplio y con los mayores registros, pero inyecta credibilidad. Quizá a algunos les parezca hortera o azucarada, pero cautiva su enseñanza. Un cortometraje que consigue en tan sólo veinte minutos transformar la más incipiente realidad en un mundo lleno de esperanza y vigor. Una sofisticada reflexión sobre la condición humana, una fuerte mirada a la tramposa sociedad; un cuento sobre las cadenas internas, que con suma elegancia y sin asaltos brinda una gota de fe a un mundo incrédulo. Un corto que a muchos les será necesario. Nota: 7

NOTA DEL JURADO:

EL CASTILLO AMBULANTE (HAURU NO UGOKU SHIRO, HOWL'S MOVNG CASTLE), de Hayao Miyasaki

Largometraje nº 11: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso

Elección de Vanessa Seoane

Japón, 2004. Dirección: Hayao Miyasaki Guión: Hayao Miyasaki, a partir de la novela de Diana Wynne Jones Duración: 115 min. Género: Fantasía. Animación Tráiler: LinkReparto: Animación

¿De qué va?: Sophie es una sombrerera que una noche es maldecida por la Bruja del Páramo. Convertida en una anciana, Sophie decide partir al encuentro del mago Howl para que éste deshaga la maldición que pesa sobre ella. Esa huida la llevará al castillo ambulante donde habita el hechicero: allí conocerá distintos seres fantásticos y dará comienza a una aventura apasionante.

Palmarés: Nominación al Óscar y al Annie a la mejor película de animación. Festival de Venecia y Sitges 2005.

RESEÑA DANIEL: Una vez más, por medio del fascinante mundo que Miyazaki nos presenta, somos llevados a regocijarnos a través de una historia tierna, vibrante y conmovedora. El castillo ambulante es un film lúcido que reúne lo mejor del buen anime característico del director y presenta la magia de los sueños, las realidades que están presenten detrás de cada puerta, las máscaras y disfraces que se usan para eludir lo inevitable. Sophie, la protagonista enamora por su sencillez, y más aun por su determinación, su entrega, su entereza. El castillo es el lugar preciso, la conexión con lo necesario, el refugio de las almas, de los incomprendidos. El último habitáculo. La historia tiene encanto, rebosa dulzura, habita en las esperanzas que deposita fervientemente la protagonista; gana por su inquebrantable deseo de batallar por lo suyo. Posiblemente no todos los momentos mantengan el pulso para ubicarla al nivel de otras joyas del director, pero el film tiene alma, y al fin y al cabo, eso es lo que se ve, la emoción y su rebosante entrega.

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RESEÑA ISIDRO: Ay. Quiero dejar claro antes de exponerme a la defenestración popular que me gusta Miyazaki, en algunos casos muchísimo, como La princesa Mononoke, que me parece una obra maestra absoluta. Pero tengo que reconocer que la primera vez que vi El castillo ambulante me pareció un auténtico bodrio, y desde entonces la he puesto más verde que los mocos de Hulk. Era incapaz de conectar con una historia hermosa desde lo audiovisual, pero profundamente frustrante desde lo narrativo. Tras un segundo visionado mi percepción ha cambiado ligeramente, será que con los años me he vuelto más moderado, y ya no creo que sea tan mala, aunque me sigue costando conectar con ella. Y es que me parece un refrito de El viaje de Chihiro con ambientación europea que confunde fantasía con arbitrariedad. Empieza muy bien con la presentación de personajes y el entorno mágico, pero conforme avanza se va perdiendo a sí misma: los personajes van y vienen, cambian de parecer sin explicación y se enamoran y ni nos enteramos... Así que al final su poder emocional queda descafeinado y acabamos asistiendo a un festival de animación preciosa e imaginativa con una música de ensueño (Hisaishi merece culto), pero que no dice nada, o quizás quiere decir tanto que se queda en un quiero y no puedo... Y después de todo esto me da que sigo sin librarme de la quema... ¿Y si digo que me sé la canción de Ponyo enterita? Ah, que lo pongo peor... Bueno, pues de perdidos al río: Ponyo, Ponyo, Ponyo es una niña pez...

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RESEÑA MAYRA: Lo primero que vi de la filmografía de Hayao Miyazaki fue la serie Conan, el niño del futuro. De hecho, dicha serie se convirtió en una de mis favoritas durante mi niñez, pero admito que fue hasta hace poco que empecé a visionar las películas de este director; algunas no fueron mucho de mi agrado, así que, en ese camino del “ojalá la siguiente me guste más”, se situaba El castillo ambulante, film que el año pasado en un primer e incompleto visionado no atrajo demasiado mi atención. Sin embargo, ahora que la cinta forma parte de la sección oficial del CSF, he debido darle una segunda oportunidad, y por suerte en esta ocasión he logrado visionar la película completa y, para mi sorpresa, incluso me terminó gustando más de lo previsto. Sin duda estamos ante una aventura mística, de gran factura técnica y además entretenida. El castillo ambulante es una de esas aventuras de magia y amistad con el estilo que precede al genio nipón, pero al mismo tiempo tiene un aire un tanto singular que hace que la cinta diste de algunos otros trabajos del japonés, y por ende ha llegado a gustarme incluso un poco más que la ganadora del Óscar, El viaje de Chihiro, aunque mi película favorita de Miyazaki sigue siendo El viento se levanta.

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RESEÑA MIGUEL: Soy un gran admirador del Studio Ghibli. La gran capacidad imaginativa de sus cabezas pensantes me sobrepasa. El gusto refinado de sus dibujos me hipnotiza. Y su narrativa clásica la acepto. El castillo ambulante es lo anterior y multiplicado por dos. Es una película de confección lenta, algo que contrasta con la cantidad inmensa de detalles y personajes que asemejan ensoñaciones de grandes sueños o incluso pesadillas. Si bien es cierto que admiro las extrañezas del Studio Ghibli, en este film se pasan con lo laberíntico de su trama. Aunque todo es perdonable si te sumerges en ese mundo de creatividad y sorpresa durante dos horas. Lo mejor: el diseño de sus dibujos. Lo entrañable que es el personaje de Sophie. Lo peor: no consigue entrar en el pódium de las películas del Studio Ghibli.

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RESEÑA XAVIER: Hayao Miyasaki es uno de los maestros indiscutibles del cine de animación. El castillo ambulante, la película que nos ocupa, es una constatación de la creatividad desbordante del japonés: el film se despliega como un universo rico, con reglas propias, personajes marca de la casa y espacios personalísimos. Miyasaki no lo tenía fácil tras estrenar El viaje de Chihiro (para quien escribe, su mejor película), pero consiguió el milagro de confirmarse una vez más como un referente, una leyenda y un genio único, méritos que lo han acompañado hasta El viento se levanta, su cacareada despedida. El castillo ambulante es una obra de madurez, una de las historias técnicamente más complejas del estudio Ghibli y una de las historias más adultas de la filmografía de Miyasaki. Creada como un conjunto casi infinito de capas (tantas como los recovecos de la mansión itinerante de Howl), El castillo ambulante es un canto al amor y un poema humanista al más puro estilo Miyasaki (pacifista, ecologista y respetuoso con los mayores). Sophie es, además, una de las heroínas más interesantes de la factoría, tanto por su edad intermitente como por su revestimiento dramático (Miyasaki, ya achacoso, parece apelar con su protagonista al niño que anida en él, que se resiste a morir y que en aquel momento creaba con la pasión y la actividad del primer día). No es la obra más redonda de su creador, pero su belleza está fuera de toda duda. Una experiencia épica y entrañable.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Un país de maravillas lleno de personajes entrañables y lo suficientemente ambiguos para garantizar la magia. Fantasía, aventura, alegato pacifista e historia de amor se mezclan con gran sutileza. Las únicas reservas vienen de lo intrincado de su argumento: un leve despiste en el seguimiento de la trama puede dejarte totalmente perdido. Antonio C. Martínez, Cinemania, Nº 126

Un film disperso, ambicioso hasta la desmesura, derivativo en algunos trazos de su guión, menos redondo y pluscuamperfecto que sus obras predecesoras. No es la obra maestra que podríamos esperar, pero el universo del cine animado se haría un gran favor a sí mismo tomando nota de las inagotables virtudes de esta maravilla. David Broc, Fotogramas, Nº 1949

Una auténtica fiesta visual. La representación de las ciudades es detallada, cuidadosa en su realismo. Lamentablemente, a partir de la aparición de Sariman la historia se vuelve confusa y la trama se atropella, la resolución se embrolla y precipita, desequilibrando la relación entre aquélla y una estética que aún siendo progresivamente onírica en ningún momento deja de ser brillante. Antoni Peris, Miradas de cine

La película es prácticamente incomprensible. (...) Llega un momento en que se empieza a sentir interminable, y eso es algo que ninguna cantidad de bella imaginería puede compensar. René Rodríguez, Miami Herald

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'8 / IMDB: 8'2 / Sensacine: 8'5 / Metacritics: 8'4 / Rottentomatoes: 9'0

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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a

5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor director: HAYAO MIYASAKI

Mejor guión adaptado: HAYAO MIYASAKI

Mejor música original: JOE HISAISHI

Mejor montaje: TAKESHI SEYAMA

Mejores efectos especiales: VV. AA.

NOTA DEL JURADO

TRABAJOS NOVELES | ELVIRA, de Manu Ochoa

CORTO | MAMÁ, de Andrés Muschietti

TRABAJOS NOVELES | MÁS ALLÁ DE LA NOCHE, de Rafael Hernández de Dios

CRÍTICA | LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA, de Krzysztof Kieslowski

CRÍTICA | NOSTALGIA (NOSTALGHIA), de Andrei Tarkovsky

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES | ESPECIAL FRANÇOIS OZON

SEMANARIO 87: LOS POSTS DE LA SEMANA

CRÍTICA | CAÍDA LIBRE (FREIER FALL, FREE FALL), de Stephen Lacant

CRÍTICA | SOLAS, de Benito Zambrano

CORTO | JUGUETELANDIA (SPIELZEUGLAND, TOYLAND), de Jochen Alexander Freydank

CRÍTICA | CUERNO DE CABRA, de Metodi Andonov

CRÍTICA | EL CAZADOR (THE DEER HUNTER), de Michael Cimino

TRABAJOS NOVELES | NO HAY LUGAR y A PLACE CALLED HOME, de Miguel Martín Maturana

TRABAJOS NOVELES | SUPERPODERES, de Jaime Zaragoza

CRÍTICA | MIA MADRE, de Nanni Moretti

CRÍTICA | JUNEBUG, de Phil Morrison

SEMANARIO 88: LOS POSTS DE LA SEMANA

CRÍTICA | EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES, de Billy Wilder

CORTO | EL CIRCO DE LA MARIPOSA, de Joshua Weigel

CRÍTICA | EL CASTILLO AMBULANTE, de Hayao Miyasaki