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CRÍTICAS | CAUTIVOS (THE CAPTIVE) y CONDENADOS (DEVIL'S KNOT), de Atom Egoyan

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A vueltas con Atom Egoyan
CONDENADOS (DEVIL'S KNOT), de Atom Egoyan. EE. UU., 2013. Reparto:  Reese Witherspoon, Colin Firth, Mireille Enos, Kevin Durand, Alessandro Nivola, Amy Ryan, Kris Polaha, Collette Wolfe, Dane DeHaan, Kristopher Higgins, Judd Lormand, Bruce Greenwood, Stephen Moyer, Elias Koteas Género: Drama, thriller Duración: 110 min. Tráiler: LinkPendiente de estreno en España
CAUTIVOS (THE CAPTIVE), de Atom Egoyan. Canadá, 2014. Reparto: Ryan Reynolds, Scott Speedman, Mireille Enos, Rosario Dawson, Bruce Greenwood, Kevin Durand, Alexia Fast, Peyton Kennedy, Brendan Gall, Aaron Poole, Jason Blicker Género: Drama Duración: 110 min. Tráiler:LinkFecha de estreno en España: 15/05/2015

En Condenados, Colin Firth interpreta un abogado con muchas dudas.

Condenados, estreno largamente postergado en España que recibió reseñas sangrantes tras su pase donostiarra, y Cautivos, que llega a los cines españoles un año después de su exhibición en Cannes, vuelve a poner al director canadiense Atom Egoyan en el centro de la atención artística. No somos los primeros ni seremos los últimos en escribir que las últimas propuestas de Egoyan distan de tener la carga dramática, la redondez narrativa y la frescura de sus títulos de los años 90, pero no es menos cierto el hecho de que cierto sector de la crítica, por injustificada costumbre, desdeña el cine de Egoyan aun cuando éste presenta algunos apuntes de interés, pequeños destellos de maestría de ese cineasta que no hace tanto contaba con el beneplácito de toda la comunidad cinematográfica. De ahí que sea necesario apuntar ciertos matices en torno a las últimas producciones de Egoyan, aceptando que, a pesar del predominio de sombras, sus obras siguen presentando espontáneas luces que justifican largamente su visionado y estudio.

Los jóvenes acusados de Condenados: ¿culpables o inocentes?

Condenados es un compendio de la peor cara del cine de Egoyan. A partir del caso real del asesinato de unos niños en la Norteamérica profunda, el director recrea una tibia crónica criminal que apenas conserva la silueta de ficciones como El dulce porvenir. Egoyan resuelve la película de forma formularia, con una personalidad nula y un ritmo desganado más propio de una trama de sobremesa que de una creación del firmante de, por ejemplo, El viaje de Felicia. Condenados cae en el patetismo más peligroso con una Reese Whiterspoon exageradísima y un Colin Firth incapaz de remontar el vuelo de la historia, dato incomprensible en un director especialmente brillante en la dirección de sus intérpretes. Influye, obviamente, el hecho de que Egoyan vacíe de trascendencia y complejidad psicológica todas las pesquisas del crimen, pero sobre todo Condenados carece de todo interés debido a la existencia previa de distintos documentales sobre el mismo caso, todos ellos de factura y narración más que notable: nos referimos a West of Memphis (Amy Berg, 2012) y a la trilogía Paradise Lost (Joe Berlinger y Bruce Sinofsky, 1996, 2000 y 2011), con el añadido de que esta última, en sus tres entregas, desmenuza la evolución del caso a lo largo de dos décadas de litigios, confusiones y escarnios mediáticos sobre los acusados.

En Cautivos, Ryan Reynolds da vida a un padre dispuesto a todo por recuperar a su hija.

Cautivos, en cambio, sí entronca con el Egoyan más reconocible, no sólo por el escenario helado que enmarca la historia, sino por su descripción de las alas más ocultas del ser humano. Egoyan se permite algunas licencias que deslucen el conjunto como la arbitrariedad de sus excesivos saltos en el tiempo, pero el film conserva la atmósfera del Egoyan más atinado. Su historia presenta algunos vacíos poco creíbles y pueden cuestionársele las reacciones poco matizadas de sus protagonistas, pero también es innegable que el film inquieta incluso en los momentos en los que el espectador cree que el director le está llevando a un callejón sin salida. Con todo, el ritmo viciado de la trama resta potencia y verdad a la historia, más interesante por lo que deja intuir que por lo que realmente muestra. Sea como sea, la película no se merecía los escritos negativos que coleccionó tras su presentación en la sección competitiva de Cannes, un escaparate en el que sí merecía figurar, aunque fuera sólamente por contener pequeñas reminiscencias de las grandes obras de Egoyan. Pero no vamos a culpar a los cronistas que se concentraron en La Croisette: lo sucedido en el certamen galo no deja de ser la reacción lógica ante un director que, incapaz de igualar o superar sus mejores logros, se convierte en 'cautivo' de su propia filmografía. Lástima que Ryan Reynolds no figurara ni tan siquiera en las quinielas de la palma interpretativa, porque estamos sin lugar a dudas ante la composición más esforzada de su carrera.

Cautivos, un thriller con la pedofilia como telón de fondo.

En resumen, Egoyan sigue interesado en explorar los mecanismos del mal, aunque sus nuevas creaciones carezcan del halo fatalista y místico de sus inicios. Egoyan no ha perdido sus señas como autor, pero su cine sí se intuye menos auténtico, seguramente porque las imposiciones de la industria, unidas a cierto desgaste creativo, le han obligado a atenuar la cadencia pausada, los silencios desasosegantes y las historias oscuras que le hicieron célebre a finales de siglo. En breve conoceremos Remember, el nuevo largometraje de Egoyan con actores del peso de Christopher Plummer, Martin Landau y Bruno Ganz: ¿qué rumbo tomará la errática trayectoria de Egoyan? Estaremos muy atentos.


Valoración Condenados:


Valoración Cautivos:

CRÍTICA | NO TODO ES VIGILIA, de Hermes Paralluelo

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En duermevela
NO TODO ES VIGILIA, de Hermes Paralluelo
Festival de San Sebastián 2014: Sección Nuevos Realizadores
España, 2014. Dirección y guión: Hermes Paralluelo Fotografía: Julián Alizalde Reparto: Felisa Lou y Antonio Paralluelo Género: Documental, drama Duración: 95 min. Tráiler:Link Fecha de estreno en España: 15/05/2015
¿De qué va?: Antonio y Felisa son dos ancianos aragoneses que llevan toda la vida casados. Viven en un pequeño pueblo, los hijos ya hace mucho que abandonaron el nido y ahora su delicada salud les impide cuidarse mútuamente. Después de una estancia en el hospital, el matrimonio regresa a su casa. El sonido del timbre, el ruido del teléfono y las estancias ya conocidas vuelven a ser las constantes y los escenarios de su día a día.


El cine suele dar la espalda a la vejez: de ahí que una película como No todo es vigilia sea una apuesta fresca y diferente. Hermes Paralluelo filma a Antonio y Felisa, sus abuelos, pero en los fotogramas de esta delicada y deliciosa cinta no hay espacio para el sentimentalismo. Paralluelo captura los movimientos ralentizados de sus protagonistas, sus momentos de intimidad, sus dudas y sentimientos. Y lo hace a partir de planos fijos, cercanos a sus criaturas, y al mismo tiempo lo suficientemente distanciados como para crear efectos humorísticos y de tensión propios, o por lo menos cercanos, al cine de Michael Haneke. 


A medio camino entre la realidad y la ficción, No todo es vigilia retrata los achaques de la edad, pero también el amor y la entrega de dos personajes que no conciben la vida el uno sin el otro. Paralluelo divide inteligentemente el film en dos escenarios (el hospital de la capital, donde Antonio es sometido a una operación; y la casa familiar, con mobiliario antiguo, las paredes desconchadas y una atmósfera de constante semioscuridad), de forma que el espectador puede comparar las relaciones y las reacciones de los personajes en dos contextos diferentes: el primero, hostil, extraño, frío, ligeramente deshumanizado; y el segundo, íntimo a la vez que vacío. Escenarios a priori contradictorios que a la postre se revelan complementarios, ya que en ambos se puede intuir la desazón y la soledad, el paso de un tiempo implacable. 


Por momentos el film juega a crear expectativas y a seguir derroteros que finalmente no culmina (su tramo final no está libre de cierto efectismo), pero en todo momento se impone la sensibilidad, lo cotidiano. No todo es vigilia es una película que invita a distintas reflexiones (el papel de la tercera edad en una sociedad tan superficial como la nuestra, la eterna contraposición entre la España rural y la urbana), y aún así su gran virtud es su capacidad por apelar a las interioridades de cada espectador (todos, en mayor o menor medida, reconocemos palabras, gestos, anécdotas, acciones y realidades de nuestros abuelos). No todo es vigilia, en definitiva, es un homenaje a la vida, y a la vez una expresión de la inquietante espera de quien intuye su ocaso cercano.

Para empaparse de cine y de vida.
Lo mejor: Felisa y Antonio, de una verdad y una naturalidad desarmante.
Lo peor: Muchos espectadores no entrarán en su universo.


CRÍTICA | SWEET HOME, de Rafa Martínez

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Allanamiento de morada
SWEET HOME, de Rafa Martínez
España, 2015. Dirección: Rafa Martínez Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo y Ángel Agudo Fotografía: Antonio J. García Música: Ginés Carrión Espí Reparto: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla, Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, José María Blanco, Mariona Perrier Género: Terror, slasher Duración: 80 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 08/05/2015
¿De qué va?: Se avecina una noche lluviosa en Barcelona. Tras revisar las instalaciones de un edificio casi en ruinas, una joven decide pasar la noche con su novio en la planta baja del bloque. En mitad de la velada, unos hombres vestidos con capucha y provistos de hachas entran violentamente en el edificio y asesinan al único inquilino que restaba con vida. Pronto los extraños se percatan de la presencia de la pareja. La carrera contrarreloj para pedir ayuda, escapar y sobrevivir no ha hecho nada más que empezar.



Sweet Home es un claro ejemplo de que el mejor terror no precisa de los efectos especiales más sofisticados, de la música más ruidosa, de los giros más sorprendentes o del guión más elaborado: basta con que sus responsables sientan auténtico amor por el género y que sus fotogramas sepan traspasar esa pasión al espectador. Sweet Home podría pasar por una serie B de bajo presupuesto (en esencia lo es), pero a su favor cuenta con un sentido del ritmo notabilísimo. El director se cree su historia y consigue que nosotros también lo hagamos, a pesar de que los referentes son más que evidentes: volvemos a los interiores de un bloque de pisos barcelonés de la mano de una heroína de armas tomar, un esquema que remite directamente a las dos primeras partes de Rec. Sweet Home tiene carreras, sangre, hachas, mecheros, gritos, sudor y lágrimas en primerísimos planos, un despiporre y un disfrute para todos los que amen el terror. Lo justo y necesario, en definitiva, para conseguir un sólido ejercicio de terror doméstico.


El film, con la vocación internacional característica del horror y la ciencia ficción 'made in Spain', arranca con un prólogo anodino que aporta más bien poco al conjunto que sigue a continuación. Afortunadamente, la película pronto toma otros derroteros y ofrece todo lo que un aficionado al género puede desear. Ingrid García Jonsson, heredera de Manuela Velasco y Leticia Dolera, da vida a una asesora de inmuebles que, tras percatarse que el edificio semiabandonado en el que ha decidido pasar la noche junto a su novio ha sido ocupado por unos asesinos encapuchados, inicia una huida claustrofóbica por todos los recovecos del bloque. La España de la crisis, la especulación y los deshaucios aparece como telón de fondo, pero al final lo que importa y lo que divierte es el clásico toma y daca entre 'los malos' y la damisela en apuros, el juego festivo por aniquilar al otro y sobrevivir. Nada nuevo, pero la fórmula funciona. Sweet Home es consciente de sus limitaciones y nunca traiciona su bagaje de horrores previos: por eso resulta tan fresca y sincera. Uno de los debuts que destilan más cinefilia y oficio de este 2015.



Para okupas con remordimientos.
Lo mejor: La fisicidad del personaje de García Jonsson.
Lo peor: El inicio de las cucarachas.


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 8

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Completamos los 42 films a concurso del Cinoscar Summer Festival con este post, que incluye un podcast especial con toda la información del certamen: todas las obras, secciones, canciones, normativa y calendario del festival. ¡No dudéis en darle al play! Como siempre, os dejamos con la lista de categorías en las que compiten las últimas 7 películas a concurso. ¡Faltan 12 días para que arranque el festival! ¡Os esperamos!


FILM 36: LOS TRAMPOSOS, de Pedro Lazaga
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Pedro Lazaga 3. ACTOR PROTAGONISTA: Tony Leblanc 4. ACTOR PROTAGONISTA: Antonio Ozores 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Laura Valenzuela 6. ACTRIZ PROTAGONISTA: Concha Velasco 7. ACTOR SECUNDARIO: Venancio Muro 8. ACTOR SECUNDARIO: José María Rodero 9. REPARTO 10. BANDA SONORA ORIGINAL: Antón García Abril 11. GUION ORIGINAL: José Luis Dibildos 12. FOTOGRAFÍA: Manuel Merino 13. VESTUARIO: Goya García 14. MONTAJE: Alfonso Santacana 15. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Fernando Florido, Lolita de Florido, Vicenta Palmero 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Eduardo Torre de la Fuente


FILM 37: LA ESTRATEGIA DEL CARACOL, de Sergio Cabrera
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Sergio Cabrera 3. ACTOR PROTAGONISTA: Fran Ramírez 4. REPARTO 5. BANDA SONORA ORIGINAL: Germán Arrieta 6. GUION ORIGINAL: Humberto Dorado, Jorge Goldenberg, Frank Ramírez, Ramón Jimeno 7. FOTOGRAFÍA: Carlos Congote 8. VESTUARIO: Laura Valencia 9. MONTAJE: Manuel Navia 10. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Martha Martínez 11. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Enrique Linero, Luis Alfonso Triana


FILM 38: DIAMOND FLASH, de Carlos Vermut
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Carlos Vermut 3. REPARTO 4. GUION ORIGINAL: Carlos Vermut 5. BANDA SONORA ADAPTADA 6. FOTOGRAFÍA: Carlos Vermut 7. MONTAJE: Carlos Vermut 8. VESTUARIO: Carlos Vermut 9. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 10. EFECTOS ESPECIALES: Carlos Vermut 11. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Carlos Vermut y Silvestre López


FILM 39: EL FUEGO FATUO, de Louis Malle
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Louis Malle 3. ACTOR PROTAGONISTA: Maurice Ronet 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Léna Skerla 5. ACTRIZ SECUNDARIA: Jeanne Moreau 6. REPARTO 7. GUION ADAPTADO: Louis Malle 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Erik Satie 9. FOTOGRAFÍA: Ghislain Cloquet 10. MONTAJE: Suzanne Baron 11. VESTUARIO: Gitt Magrini 12. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Claude Helffer, Erik Satie 13. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Bernard Evein


FILM 40: NUNCA JUEGUES CON EXTRAÑOS, de John Dahl
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: John Dahl 3. ACTOR PROTAGONISTA: Steve Zahn 4. ACTOR PROTAGONISTA: Paul Walker 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Leelee Sobieski 6. REPARTO 7. GUION ORIGINAL: Clay Tarver & J.J. Abrams 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Marco Beltrami 9. FOTOGRAFÍA: Jeffrey Jur 10. MONTAJE: VV. AA. 11. VESTUARIO: Terry Dresbach 12. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 13. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 14. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Robert Pearson


FILM 41: MAMÁ CUMPLE 100 AÑOS, de Carlos Saura
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Carlos Saura 3. ACTOR PROTAGONISTA: Norman Brinsky 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Geraldine Chaplin 5. ACTOR SECUNDARIO: Fernando Fernán Gómez 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Rafaela Aparicio 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Charo Soriano 8. REPARTO 9. GUION ORIGINAL: Carlos Saura 10. BANDA SONORA ADAPTADA 11. FOTOGRAFÍA: Teo Escamilla 12. MONTAJE: Pablo G. del Amo 13. VESTUARIO: Maiki Marín 14. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: Ramón de Diego, Josefa Rubio 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Tony Molière, Claude Pierson, Elías Querejeta 17. CANCIÓN: Sevillanas de colores


FILM 42: ON THE SILVER GLOBE, de Andrzej Zulawski
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Andrzej Zulawski 3. REPARTO 4. GUION ADAPTADO: Andrzej Zulawski 5. BANDA SONORA ORIGINAL: Andrzej Korzynski 6. FOTOGRAFÍA: Andrzej Jaroszewicz 7. MONTAJE: Krzysztof Osiecki 8. VESTUARIO: VV. AA. 9. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 10. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 11. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Tadeusz Kosarewicz y Jerzy Sniezawski 


SEMANARIO 86: LOS POSTS DE LA SEMANA

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¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


Estreno: Reseña de CAUTIVOS (THE CAPTIVE), de Atom Egoyan
Estreno: Reseña de CONDENADOS (DEVIL'S KNOT), de Atom Egoyan 
 Estreno: Reseña de LA FAMILIA BÉLIER, de Eric Lartigau 
Estreno: Reseña de LA OVEJA SHAUN, LA PELÍCULA, de R. Starzak y M. Burton 
Estreno: Reseña de MINÚSCULOS, de T. Szabo y H. Giraud 
Estreno: Reseña de NO TODO ES VIGILIA, de Hermes Paralluelo 
 Estreno: Reseña de SWEET HOME, de Rafa Martínez 
Estreno: Reseña de TIEMPO SIN AIRE, de S. Martín Mateos y A. Luque Pérez


El podcast de Cinoscar & Rarities: Reseña de FELICES 140, de Gracia Querejeta
El podcast de Cinoscar & Rarities: Presentación CINOSCAR SUMMER FESTIVAL


 Cinoscar Summer Festival 2015:Sección oficial, Parte 7
 Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial, Parte 8

CRÍTICA | SCUSATE SE ESISTO!, de Riccardo Milani

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El rendimiento del tópico
SCUSATE SE ESISTO!, de Riccardo Milani
Italia, 2014. Dirección: Riccardo Milani Guión: Giulia Calenda, Paola Cortellesi, Furio Andreotti y Riccardo Milani Música: Andrea Guerra Fotografía: Saverio Guarna Reparto: Paola Cortellesi, Raoul Bova, Lunetta Savino, Marco Bocci, Ennio Fantastichini, Corrado Fortuna Duración: 105 min. Género: Comedia Fecha de estreno en Italia: 20/11/2014
¿De que va?: Serena es una arquitecta con una carrera impecable. Aunque cuenta con un buen empleo en Londres, decide volver a Roma para estar más cerca de su particular familia. Allí, tendrá que trabajar como camarera para poder tirar adelante, hasta que encuentra la posibilidad de participar en la remodelación de un gran edificio del extrarradio romano. Mientras, su amistad con Francesco, su antiguo jefe, crece día a día. Serena sueña con enamorarse y sentar la cabeza, pero hay un elemento con el que no contaba: Francesco es gay.


El cine italiano lleva facturando desde tiempos inmemoriales comedias blancas que, apelando a regionalismos y chanzas propias, consiguen una gran aceptación popular y unos resultados en taquilla nada desdeñables. Scusate se esisto!, uno de los éxitos de la pasada temporada en el país vecino, sigue la fórmula a rajatabla, hasta tal punto que la película bien podría definirse como una concentración de todos los tics y formulismos del humor paneuropeo que han extendido obras como Bienvenidos al norte. Así, las confusiones lingüísticas, los juegos de palabras, los malos entendidos, líos amorosos propios del vodevil, la clásica lucha de sexos, la cita de referentes culturales más o menos reduccionistas (esa imagen de Italia como un país de pasta y áreas suburbanas empobrecidas) y las tensiones entre el norte y el sur vuelven a ser los protagonistas de la función, con el objetivo de involucrar al espectador en una trama amena que apele, aunque de forma descafeinada, a realidades culturales 'cuestionables' (el film se define como una crítica amena al culto a las apariencias, así como a las conductas sexistas, clasistas u homófobas propias del mediterráneo). Dicho de otra manera: se trata de apelar al tópico para, paradójicamente, derrivar ciertos lugares comunes (si es que esa operación es posible), tal y como ha hecho recientemente el cine español con Ocho apellidos vascos y Perdiendo el norte. Cambia la cultura, se repite la fórmula. Y por el camino, el cine como puente cultural y arte en toda su expresión acaba sucumbiendo a la 'marca blanca' del mercado tanto nacional como internacional. 


Con todo, Scusate se esisto! se beneficia de la tradición cómica italiana. Tantos años produciendo la misma tipología de comedia se nota, y el film de Milani cuenta con un ritmo y una frescura cómica que pocas veces consigue nuestra cinematografía. Paola Cortellesi, cual Sara Forestier romana, aporta el punto naif, torpón y atractivo de toda comedia familiar, mientras que Raoul Bova, uno de los dandis del cine italiano, encauza toda su masculinidad en un personaje homosexual 'de manual', cachas y frívolo como demandan los cánones (nada que ver, por ejemplo, con el cine de Ozpetek). Con estas directrices, es evidente que los que busquen un mensaje mínimamente elaborado deberán desertar a los pocos minutos de metraje, pero hay que reconocer que la película cumple su función como entretenimiento de mediatarde para una audiencia considerable, sin importar su procedencia. Llevando al extremo el título de la película, se diría que la comedia amable de vocación comercial reivindica su existencia... y si es con títulos tan frescos como Scusate se esisto!, bienvenida sea.


Para evadirse con una escapada cinematográfica a Roma.
Lo mejor: La comicidad de Paola Cortellesi
Lo peor: Su tendencia al arquetipo.

CRÍTICA | SUE, PERDIDA EN MANHATTAN, de Amos Kollek

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La errante Sue
SUE, PERDIDA EN MANHATTAN, de Amos Kollek
Festival de Deauville 1998: Sección oficial
EE. UU., 1997. Dirección y guión: Amos Kollek Fotografía: Ed Talavera Música: Chico Freeman Reparto: Anna Thomson (Anna Levine), Matthew Powers, Tahnee Welch, Tracee Ellis Ross, Austin Pendleton, John Ventimiglia, Edoardo Ballerini, Matthew Faber Género: Drama Duración: 85 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 16/07/1999
¿De qué va?: Cuando era joven, tras licenciarse en Psicología, Sue abandonó su casa para trasladarse a Nueva York. Ahora, Sue se encuentra sin trabajo y totalmente desamparada. Su único pasatiempo es pasear por la ciudad, viajar en metro, asistir a distintas entrevistas de empleo, mantener conversaciones intrascendentes y relaciones sexuales con extraños, beber café, comer fideos chinos y fumar cigarrillos en los parques.


El cineasta israelí Amos Kollek inició su trilogía neoyorquina con Sue, perdida en Manhattan, film que compitió en el Festival de Deauville. Aunque fue el primer film de Kollek que se estrenó en el mercado francés, hasta el punto de merecer un puesto en la sección oficial de Cannes años después con Comida rápida, mujeres activas (EE. UU., 2000), su paso por los cines españoles fue tan fugaz que apenas existen recortes de prensa de la época informando de su lanzamiento. Sin copia en VHS o DVD a la que podamos apelar, y sin posibilidad de acceder a las partes siguientes de esa trilogía, las inéditas Fiona (EE. UU., 1998) y Bridget (Francia, 2002), Sue, perdida en Manhattan ha vencido al paso del tiempo como rareza cien por cien reivindicable sobre la soledad y la debacle emocional que sufre una mujer de físico atractivo e interioridades más que difusas en plena Gran Manzana.


Anna Thompson, una actriz poco conocida que tuvo un rol secundario en la oscarizada Sin perdón, interpreta a una mujer en los albores de sus cuarenta años que, al perder su trabajo, es incapaz de hacer frente al pago de su apartamento en Nueva York. La cámara de Kollek sigue a Sue en su particular travesía urbana, convertida en las últimas escenas en una estremecedora bajada a los infiernos. Aunque Kollek por momentos parece ceder a un realismo descarnado, más propio de cierto cine francés de la segunda mitad de los 90 que del cine indie estadounidense, la película consigue equilibrar las luces y las sombras tanto de sus paisajes como de sus personajes: de ahí que la cinta tenga el poso del Allen más 'bergmaniano', y al mismo tiempo la crítica social encubierta de títulos a priori alejados en resultados e intenciones como La vida soñada de los ángeles (Francia, 1998).


El espectador acompaña a la protagonista en su errante devenir, y, pese a sentir la pérdida de referentes que sufre el personaje, el film está contado con la suficiente objetividad como para que veamos a Sue 'desde fuera', cual espectro cargado de matices y contradicciones, tocado por un misterio de diva caída en desgracia. De esta forma, la espiral de desdicha que asola a Sue se intuye inevitable, aunque en un sentido estricto la película ofrezca a la protagonista diferentes asideros para revertir su suerte: su novio Ben, un reportero itinerante que ama a Sue con una intensidad que ella no corresponde; su amiga Lola, que la introduce en un mundo de prostitución y onanismo que potencia sus tendencias ninfómanas; y una joven estudiante que está dispuesta a darle a Sue los 1.200 dólares que debe a su casero. Pese a estos detalles, Kollek nunca pierde su mirada incisiva, cual narrador naturalista empeñado en demostrar que los desórdenes vitales no sólo no tienen solución sino que se heredan: ahí está la referencia a la madre con Alzheimer y a un conflicto familiar que Sue nunca verbaliza.


En resumen, Sue, perdida en Manhattan es una película extraña, tan fascinante como incómoda. Kollek hace gala de un estilo frío a la par que humano, hasta el punto de poner sobre la mesa una cuestión que la crisis económica del S. XXI ha actualizado y endurecido: todos, incluso aquellos que presumen de una vida afianzada y feliz, están expuestos a convertirse en víctimas del sistema. Por ello, Sue, perdida en Manhattan hay que interpretarla como una crítica a ese capitalismo feroz que ha dado la espalda a los sectores más débiles de la población, hasta el punto de convertirlos en marginados que sobreviven en los lugares más incógnitos de urbes tan idealizadas por el cine como Nueva York. En el último plano dejamos a Sue sin aliento, tal vez sin vida, en un banco de la ciudad: un final que podría haber filmado el De Sica neorrealista o el Truffaut más contestatario. Ahí resta Sue, tiritando de frío pero sin perder un ápice de su belleza, a la espera de que la cinefilia más atenta la rescate del ostracismo.

Si te gusta esta reseña, vótala en Filmaffinity

Para visitar los rincones menos amables de Nueva York.
Lo mejor: La fragilidad de Anna Thompson.
Lo peor: Su tristeza espantará a muchos espectadores.

QUINIELA | XXX EDICIÓN PREMIOS GOYA 2016

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En Cinoscar & Rarities damos el pistoletazo de salida a uno de los clásicos del blog: las quinielas de las candidaturas a los premios Goya. En el momento de escribir este post (22 de mayo), la mayoría de películas todavía no se habían estrenado, por lo que es difícil establecer una apuesta sobre seguro. Desconocemos si muchos films lograrán o no llegar a tiempo para concurrir en los Goya, y más allá de los títulos del Festival de Málaga y algunos estrenos primaverales como Felices 140 cuesta intuir cómo será el cómputo total de la producción cinematográfica local de este 2015.

¿Qué derroteros pueden tomar las preferencias académicas? Coixet, Uribe, Gay, Aranoa, Amenábar y Medem entre otros tienen película de estreno a punto de ver la luz (Aranoa, con presencia en Cannes; Coixet, en Berlín; y, previsiblemente, Medem en Venecia). Obras como La novia y Vulcania pueden dar la sorpresa y convertirse en la Magical Girl de la temporada. Los debuts en la dirección de Guzmán y Dolera, ambos intérpretes, están muy bien situados en el apartado de dirección novel. Eldesconocido y Cien años de perdón pueden seguir la fórmula de thriller intenso que tantos réditos le reportó a Celda 211. Techo y comida, aplaudida en Málaga, podría representar una victoria de cine social, pequeña en recursos pero grandes en resultados, tal y como sucedió 15 años atrás con El bola. Y aunque es bastante difícil que Perdiendo el norte logre la repercusión goyesca de Ocho apellidos vascos, no podemos descartar un nuevo éxito de taquilla y premios para comedias con gran tirón comercial como Anacleto, agente secreto, Rey gitano y Ahora o nunca.

Pero la quiniela nos obliga a mojarnos... Y puestos a designar un título que pueda copar las preferencias de los votantes, elegimos Palmeras en la nieve, un melodrama histórico que puede figurar en categorías tanto técnicas como interpretativas, sin olvidar los rubros considerados 'gordos'. Regression de Amenábar puede arrasar y seguir la estela de Los otros: ¿tendremos nominados en categorías actorales a Emma Watson y a Ethan Hawke? Y como deseo personal, sería bonito ver en la terna a  El tiempo de los monstruos, que promete ser la mejor película de Félix Sabroso y la excusa perfecta para homenajear a la gran Dúnia Ayaso. Después del verano, actualizaremos nuestra quiniela. Mientras, ¡no dejéis de ver el cine español de estreno!


PELÍCULA
Palmeras en la nieve
La novia
Ma ma
Lejos del mar
Regresión

Posibles candidatas:Un día perfecto, Felices 140, A cambio de nada, Techo y comida, Truman, La playa de los ahogados, Nadie quiere la noche, El tiempo de los monstruos, Vulcania, El desconocido


DIRECCIÓN
Julio Medem, por Ma ma
Paula Ortiz, por La novia
Alejandro Amenábar, por Regresión
Fernando González Molina, por Palmeras en la nieve

Posibles candidatos: Imanol Uribe, por Lejos del mar; Gracia Querejeta, por Felices 140; Cesc Gay, por Truman; Isabel Coixet, por Nadie quiere la noche; Félix Sabroso, por El tiempo de los monstruos; Dani de la Torre, por El desconocido; Gerardo Herrero, por La playa de los ahogados; Fernando León de Aranoa, por Un día perfecto


DIRECCIÓN NOVEL
Daniel Guzmán, por A cambio de nada
Juan Miguel del Castillo, por Techo y comida
Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal
José Skarf, por Vulcania

Posibles candidatos: David Cánovas, por La punta del iceberg; Peris Romano, por Los miércoles no existen; Simón Casal, por Lobos sucios; Alejo Flah, por Sexo fácil, películas tristes; Zoe Berriatúa, por Los héroes del mal; Javier Muñoz, por Sicarius: La noche y el silencio; Manuela Moreno, por Cómo sobrevivir a una despedida; Rafa Martínez, por Sweet Home


ACTOR PROTAGONISTA
Luis Tosar, por El desconocido
Eduard Fernández, por Lejos del mar
Javier Cámara, por El tiempo de los monstruos
Carmelo Gómez, por La playa de los ahogados

Posibles candidatos: Ricardo Darín, por Truman; Mario Casas, por Palmeras en la nieve; Javier Cámara, por Truman; Ernesto Alterio, por Sexo fácil, películas tristes; Tim Robbins, por Un día perfecto; Benicio del Toro, por Un día perfecto; Ethan Hawke, por Regresión; Quim Gutiérrez, por Anacleto: Agente secreto; Carmelo Gómez, por Tiempo sin aire; Víctor Clavijo, por Sicarivs: La noche y el silencio; Karra Elejalde, por Rey Gitano; Manuel Manquilla, por Rey Gitano; Dani Rovira, por Ahora o nunca


ACTRIZ PROTAGONISTA
Natalia de Molina, por Techo y comida
Penélope Cruz, por Ma ma
Inma Cuesta, por La novia
Elena Anaya, por Lejos del mar

Posibles candidatas: Aura Garrido, por Vulcania; Adriana Ugarte, por Palmeras en la nieve; Maribel Verdú, por La punta del iceberg; Maribel Verdú, por Felices 140; Juliette Binoche, por Nadie quiere la noche; Emma Watson, por Regresión; Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal; Juana Acosta, por Tiempo sin aire; Mélanie Thierry, por Un día perfecto; María Valverde, por Ahora o nunca


ACTOR SECUNDARIO
Antonio de la Torre, por Felices 140
Eduard Fernández, por Felices 140
Imanol Arias, por Anacleto: Agente secreto
Luis Tosar, por Ma ma

ACTRIZ SECUNDARIA
Marián Álvarez, por Felices 140
Nora Navas, por Felices 140
Candela Peña, por El tiempo de los monstruos
Rosa Maria Sardà, por Rey Gitano

Posibles candidatas: Macarena García, por Palmeras en la nieve; Pilar Castro, por El tiempo de los monstruos; Manuela Vellés, por La novia; Rinko Kikuchi, por Nadie quiere la noche; Mariana Cordero, por Techo y comida; María León, por Rey Gitano


ACTOR REVELACIÓN
Miguel Herrán, por A cambio de nada
Antonio Bachiller, por A cambio de nada
Rodrigo de la Serna, por Cien años de perdón
Emilio Palacios, por Los héroes del mal

ACTRIZ REVELACIÓN
Berta Vázquez, por Palmeras en la nieve
Paula Cancio, por Felices 140
Antonia Guzmán, por A cambio de nada
Nidia Bermejo, por La deuda (Oliver's Deal)

Posibles candidatas: Laia Costa, por Palmeras en la nieve; Celia Molina, por Cómo sobrevivir a una despedida


GUIÓN ORIGINAL
Julio Medem, por Ma ma
Imanol Uribe y Daniel Cebrián, por Lejos del mar
Alejandro Amenábar, por Regresión
Cesc Gay, por Truman

Posibles candidatos: Daniel Guzmán, por A cambio de nada; Juan Miguel del Castillo, por Techo y comida; Miguel Barros, por Nadie quiere la noche; Dunia Ayaso y Félix Sabroso, por El tiempo de los monstruos; Alberto Marini, por El desconocido; Joaquín Oristrell, por Hablar; Leticia Dolera, por Requisitos para ser una persona normal; Jordi Gasull, por Atrapa la bandera


GUIÓN ADAPTADO
Sergio G. Sánchez, por Palmeras en la nieve
Paula Ortiz, por La novia
Fernando León de Aranoa, por Un día perfecto 
Domingo Villar y Felipe Vega, por La playa de los ahogados

Posibles candidatos: Fernando Navarro, Pablo Alén y Breixo Corral, por Anacleto: Agente secreto; David Cánovas, José Amaro Carrillo y Alberto García Martín, por La punta del iceberg; Peris Romano, por Los miércoles no existen


MÚSICA ORIGINAL
Alberto Iglesias, por Ma ma
Roque Baños, por Regresión
Lucas Vidal, por Nadie quiere la noche
Lucas Vidal, por Palmeras en la nieve

Posibles candidatos: Arnau Bataller, por Un día perfecto; Javier Rodero, por Anacleto: Agente secreto; Lucío Godoy, por La playa de los ahogados; Tulsa, por Los exiliados románticos


FOTOGRAFÍA
Jean-Claude Larrieu, por Nadie quiere la noche
Xavi Giménez, por Palmeras en la nieve
Daniel Aranyó, por Regresión
Kiko de la Rica, por Ma ma

Posibles candidatos: Álex Catalán, por Un día perfecto; Arnau Valls, por Anacleto: Agente secreto; Marc Gómez del Moral, por Requisitos para ser una persona normal; Teo Delgado, por Hablar; Pau Esteve Birba, por Ahora o nunca; Alfredo Mayo, por La playa de los ahogados


ANIMACIÓN
Atrapa la bandera
Pos Eso
Meñique y el espejo mágico

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 9

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Historias de pocos minutos, pero de gran valor. Un año más, la sección Cortometrajes a concurso acoge algunos de los trabajos más interesantes en formato corto de los últimos años. En la lista, la animación comparte espacio con el drama histórico, el terror aparece junto a apuestas experimentales, y trabajos españoles e hispanoamericanos coinciden con obras de culto, ganadoras del Óscar y algunas de las candidatas de los principales premios cinematográficos. Una oportunidad para conocer las predilecciones de la comunidad bloguera. ¡Este viernes 29, empieza el Cinoscar Summer Festival!

1. LUMINARIS, de Juan Pablo Zaramella
2. INHABITANTS, de Artavazd Pelechian
3. VINCENT, de Tim Burton
4. EL CORAZÓN DELATOR, de Ted Parmelee
5. ALMA, de Rodrigo Blaas
6. 7:35 DE LA MAÑANA, de Nacho Vigalondo
7. THE FANTASTIC FLYING BOOKS OF MR. MORRIS LESSMORE, de W. Joyce y B. Oldenburg
8. CONTRAFÁBULA DE UNA NIÑA DISECADA, de Alejandro Iglesias Mendizábal
9. MAMÁ, de Andrés Muschietti
10. POR SER COMO ERES, de Álvaro Fernández Armero
11. EL CIRCO DE LA MARIPOSA, de Josua Weigel
12. JUGUETELANDIA, de Jochen Alexander Freydank
13. ELEFANTE, de Pablo Larcuen
14. MORE, de Mark Osborne
15. EUTANAS S.A., de Víctor Nores
16. CUANDO COMIENZA EL DÍA, de Wendy Tilby y Amanda Forbis

Y para conocer todas las obras de todas las secciones del festival, ¡no dejéis de darle al play al PODCAST del CSF3!

CRÍTICA | FÉHER ISTEN (WHITE GOD), de Kornél Mundruczo

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Amores perros
FÉHER ISTEN (WHITE GOD), de Kornél Mundruczo
Festival de Cannes 2014: Mejor película, sección Un Certain Regard
Hungría, 2014. Dirección: Kornél Mundruczo Guión: Kornél Mundruczo, Viktória Petrányi y Kata Wéber Fotografía: Marcell Rév Música: Asher Goldschmidt Reparto: Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth, Szabolcs Thuróczy, Lili Monori, Gergely Bánki, Tamás Polgár, Károly Ascher, Erika Bodnár, Bence Csepeli, János Derzsi Duración: 115 min. Género: Drama. Terror Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 19/06/2015
¿De qué va?: La madre de Lili viaja a Sidney durante tres meses por motivos laborales. La niña es obligada a vivir con su padre, un hombre de vida gris que trabaja en un matadero. El padre suelta en un descampado a Hagen, el perro de la niña, sin ser consciente que eso será el inicio de un caos que pronto se extenderá por toda la ciudad. Una historia sobre la violencia y el abandono en la que los verdaderos animales son, paradójicamente, los humanos.


En España nos llegan muy pocas manifestaciones de la cinematografía húngara. Kornél Mundruczo, uno de los niños mimados de Cannes, es uno de los nombres más conocidos del cine húngaro en todo el mundo, aunque White God (Féher Isten) es la primera película de su filmografía que se estrenará en nuestro país. El film da la vuelta a la premisa de que 'el perro es el mejor amigo del hombre' y se pregunta si 'el hombre es el mejor amigo del perro' en una Europa convulsa, radicalizada, empobrecida y sujeta a políticas restrictivas que Mundruczo retrata con vocación social y también con licencias propias de la ficción apocalíptica. Mundruczo cuenta el devenir de Hagen, un perro abandonado a su suerte que conoce la peor cara de los humanos; y Lili, la joven dueña que no cesa en su empeño por encontrar al animal. La película, a pesar de sus buenas intenciones, se resuelve con una estética desagradable, se muestra incapaz de elaborar un discurso más o menos complejo y el espectador nunca empatiza con su historia. Con estas directrices, uno nunca termina de entender por qué Lili se autoproclama salvadora del mal grotesco que se propaga en el segundo tramo de metraje, a la vez que la venganza canina que orquestra Hagen aparece en pantalla con todos los efectismos propios del horror de bajo presupuesto (planos subjetivos, sangre a granel y una música falsaria). Buenas intenciones, resultados más que discutibles. Terror de autor a medio gas. Si sois sensibles al maltrato animal, mejor que salgáis despavoridos de la sala. Otro film que nos recuerda que en Occidente algo huele a podrido, enésima estampa mortuoria del cine centroeuropeo, si bien en este caso sus formas no resultan ni reveladoras ni mucho menos constructivas.



Para amantes del cine apocalíptico alternativo.
Lo mejor: Su sugerente arranque.
Lo peor: Desvela todas sus cartas a la media hora de metraje.


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 10

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El Cinoscar Summer Festival consolida la sección Trabajos noveles, dedicada a dar a conocer y a visionar las obras de distintos realizadores noveles. El certamen pone en contacto a directores y a espectadores, a la vez que nos permite conocer las constantes de los que en un futuro serán los referentes del cine local e hispanoamericano. Este 2015, 19 cortometrajes y 2 largometrajes aspiran al premio del público al mejor trabajo novel, así como a los distintos premios que concede de forma interna la administración del festival. Semana a semana, en el blog os acercaremos ficciones de naturaleza heterogénea y de gran valor: os animamos a comentar cada post y a dialogar con los realizadores y los seguidores del certamen en el grupo oficial del CSF3. Desde el CSF3, queremos agradecer a todos los realizadores por presentar sus trabajos y permitirnos sumar un nuevo récord de participación. A continuación os dejamos con la lista completa de obras en orden alfabético:


Trabajos noveles a concurso:
1. A PLACE CALLED HOME y NO HAY LUGAR, de Miguel Martín
2. CRAFT CAFÉ, EL REGALO, de Óscar Gómez
3. DESPERTAR, de Esteban Mata
4. EL SOL DE MOMBASA, de Pablo More
5. ELVIRA, de Manu Ochoa
6. FURIA, de Juan Martín Peña
7. GRAN RESERVA EN DÍAS DE AZUL RADIANTE, de J. L. Salgado
8. INF..., de Gabriel Fojar
9. LA BREVE HISTORIA: LA NADA, de Inés Pintor y Pablo Santidrián
10. LA VENGANZA DE MICHELLE, de David Borrego
11. LOS REFLEJOS DE LOLA, de David Hidalgo
12. MÁS ALLÁ DE LA NOCHE, de Rafael Hernández de Dios
13. MASACRE, de Andoni Garrido
14. NO SABES NADA, JUAN PÉREZ, de J. L. Serrano
15. PROYECTO: AQUILES, de Francisco Nebot
16. SKETCHES-BOCETOS, de Anaís Medina
17. SOMOS NIÑOS, de Daniel Andrés
18. SUPERPODERES, de Jaime Zaragoza
19. VACUITY, de Toni Morejón
20. VAMPIRE: HOUNDS OF HORROR, de José Miguel Portugués
21. VEN, de Rafael Montaño

Trabajos noveles fuera de concurso:
22. SUBLIMINAL, de Anaís Medina
23. TRES DÍAS EN PEDRO BERNARDO, de Daniel Andrés

¡Este viernes 29, arranca el Cinoscar Summer Festival! ¡Os esperamos! Y si queréis conocer todos los detalles de todas las secciones, no dudéis en darle al play al PODCAST del festival!

CRÍTICA | CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA, de Manuela Moreno

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Resacón en Maspalomas
CÓMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA, de Manuela Moreno
Festival de Málaga: Sección oficial
España, 2015. Dirección: Manuela Moreno Guión: Susana López, Manuela Moreno y Núria Valls Fotografía: Bet Rourich Música: VV. AA. Reparto: Natalia de Molina, Úrsula Corberó, José Lamuño, Celia de Molina, Roger Berruezo, María Hervás, Jim Arnold Género: Comedia Duración: 95 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 24/04/2015
¿De qué va?: Un grupo de amigas se pone manos a la obra para sorprender a la única de la pandilla que ha decidido casarse. Aunque son mileuristas, deciden tirar la casa por la ventana, coger un vuelo de bajo coste y plantarse en las playas y los chiringuitos de Gran Canaria. Pero la fiesta les llevará a protagonizar momentos más que embarazosos que pondrán en peligro su regreso a Barcelona.


La nueva comedia ya no conoce límites a lo que sexos y sexualidades se refiere. Mujeres y hombres protagonizan por igual películas dirigidas al gran público, con chistes cortados por el mismo patrón. Ahora bien: ¿ese es el camino hacia la normalización de géneros? ¿Es esa la vía que deben tomar las nuevas autoras, preocupadas, al menos en teoría, por contar historias afines a las mujeres de su generación? Mucho nos tememos que no. De la misma manera que la norteamericana La boda de mi mejor amiga ponía en bocas femeninas las incorrecciones y las frases soeces típicas y tópicas del macho, la española Cómo sobrevivir a una despedida repite la fórmula, si bien su abanico de influencias van de la risa yanki (Resacón en Las Vegas) a productos más cercanos (sobrevuelan las constantes de la nueva comedia española, con Ruiz Caldera y Sánchez Arévalo como máximos exponentes).


En su narrativa, Cómo sobrevivir a una despedida apela a la broma rápida, con un ritmo bastante ágil propio de la televisión. Se nota la experiencia de Moreno en el formato cortometraje, porque algunos de los mejores momentos de la película son, en esencia, microrrelatos que se insertan con más o menos suerte en una historia excesivamente chabacana: véase el gag del cura en el avión, la actuación musical de las Spice Girls o la presentación inicial de personajes al más puro estilo 'Amélie bloguera'. Con todo, Cómo sobrevivir a una despedida resulta simpática y sincera, sin más pretensiones que divertir a la platea y con el objetivo de atraer a públicos que no suelen apostar por el cine español. Se aprecia el intento, pero para la próxima se agradecerían menos referencias sexuales, una exposición menos frívola de la homosexualidad (sí: somos modernos y desinhibidos... pero tampoco demasiado) y una apuesta cómica más refinada. Será el retrato de una generación, como dice Moreno en su dedicatoria al término de la película, pero no todo vale. Es, eminentemente, un producto palomitero, pero con eso no basta. Quien escribe se niega a pensar que la juventud de nuestros días se reduce al eslogan de 'sexo, drogas y rock & roll': tal vez esté equivocado, pero se agradecería que nuestro cine apostara más por la moderación que por el botellón de litrona barata.


Para fiesteras poco exigentes.
Lo mejor: El momento post resaca.
Lo peor: Su ordinariez.


CRÍTICA | POSTALES DESDE EL FILO, de Mike Nichols

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Estampas familiares
POSTALES DESDE EL FILO (POSTCARDS FROM THE EDGE), de Mike Nichols
Óscars 1990: Nominaciones a la mejor actriz protagonista (Streep) y mejor canción original
EE. UU., 1990. Dirección: Mike Nichols Guión: Carrie Fisher, a partir de su novela homónima Fotografía: Michael Ballhaus Música: Carly Simon Reparto: Meryl Streep, Shirley MacLaine, Simon Callow, Gene Hackman, Dennis Quaid, Richard Dreyfuss, Oliver Platt, Rob Reiner, CCH Pounder, Annette Bening, Gary Morton, Mary Wickes Género: Comedia dramática Duración: 100 min. Tráiler:LinkFecha de estreno en España: 15/02/1991
¿De qué va?: Suzanne es atendida en un hospital tras una sobredosis de pastillas. Tras una larga estancia en un centro de rehabilitación, la mujer quiere volver a emprender con su carrera como actriz, pero se encontrará con una cláusula contractual inesperada: si quiere participar en el rodaje de una película, deberá vivir en casa de su madre y presentar pruebas que certifiquen su estado de salud a cada momento. Resignada, Suzanne vuelve a la mansión familiar, consciente de que la convivencia con su madre, una intérprete ya retirada que esconde su adicción al alcohol, no será fácil.


Carrie Fisher, famosa por dar vida a la princesa Leia de la saga de La guerra de las galaxias, expuso su lado más personal en Postales desde el filo, un libro autobiográfico en el que hablaba abiertamente de su adicción a las drogas y de la influencia que su familia, vinculada a la industria cinematográfica, había tenido tanto en su esfera privada como en su carrera profesional. Posteriormente, Mike Nichols llevó a la gran pantalla la novela con guión de la propia Fisher, matizando algunos pasajes del libro para adaptarse al correctismo de Hollywood. La película, si bien apunta el problema de la protagonista con ciertas sustancias y con una opción de vida suicida, limita su endamiaje dramático al retrato de las desavenencias maternofiliales entre una actriz desequilibrada (Streep, en uno de sus incontables papeles que coquetearon con el Óscar) y su madre, una diva en horas bajas que eclipsa a su retoño a la mínima que tiene ocasión (MacLaine, espectacular). Por ello, el aspecto más interesante de Postales desde el filo es, paradójicamente, un elemento externo a su conflicto familiar: la propuesta de cine dentro del cine, el juego entre realidad y ficción, simulación y verdad, que establece la película al combinar escenas cotidianas con otras en pleno set de rodaje (al fin y al cabo, la existencia de la protagonista es, metafóricamente, un plató en constante cambio de libreto y de decorado). Con todo, Nichols quiere apelar a cierto cine femenino con buen corazón, y en ningún momento consigue que el conflicto entre madre e hija tenga un mínimo interés, a la vez que descuida a todos sus personajes masculinos: de ahí que Postales desde el filo, revisada 25 años después, resulte poco más que un telefilm ligeramente mejor escrito e interpretado. Por fortuna, el film contiene una escena tan gloriosa que justifica con creces su visionado: el momento en que Streep canta una canción para congraciar a su madre, y ésta última contraataca acto seguido con un espectáculo de cabaret trasnochado, superando todos los méritos que minutos atrás había conseguido la hija. Una tensión entre dos generaciones de excelentes actrices que, a pesar de los pesares, atesora cierta gracia cinéfila.


Para desmitificar las interioridades de Hollywood.
Lo mejor: MacLaine, incomprensiblemente ninguneada en los Óscar de su año.
Lo peor: Benning, Hackman, Quaid y Dreyfuss, por desgracia, no tienen personaje.

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2015 | PRESENTACIÓN

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Como no hay dos sin tres, el Cinoscar Summer Festival llega a su tercera edición con más obras y participantes que nunca. Por delante nos esperan tres meses de enormes títulos, votaciones y diálogo cinéfilo. El certamen, una vez más, ha superado todas sus expectativas y espera consolidar la fórmula que ahora inauguramos. Un jurado compuesto por cinco blogueros serán los encargados de elaborar las nominaciones, y los premios finales restan en votación abierta para todo el que quiera aportar sus puntos de vista. Pero no nos avanzamos a los acontecimientos: ahora toca presentaros las principales obras que formarán parte de la familia del CSF3. 

La selección de largometrajes a concurso es un fiel reflejo de la variedad y el eclecticismo de la comunidad cinéfila. Grandes clásicos conviven con títulos modernos, nombres muy conocidos coinciden con otros de naturaleza indie, y películas a priori 'festivaleras' aparecen junto a films arriesgados que pueden dar la sorpresa. Productos tan queridos y palomiteros como Nunca juegues con extraños y Aliens: el regreso se las verán con Ciudadano Bob Roberts y Junebug, diametralmente apuestos tanto a nivel artístico como industrial. El crepúsculo de los dioses y Lo que el viento se llevó nos permitirán recordar el Hollywood dorado, en paralelo al neorrealismo italiano (La strada), la nouvelle vague francesa (El fuego fatuo), la picaresca y el noir español (Los tramposos, Los peces rojos), y representantes del mejor cine nipón (Vivir). Muchas de las películas seleccionadas aspiraron al Óscar (La última película, La calumnia, El león en invierno, Teléfono rojo, ¿Vencedores o vencidos?), otras lo ganaron (El padrino: Parte 2, El cazador), y muchas no precisaron de la estatuilla para dejar su impronta (Érase una vez en América, Smoke), gran parte de ellas en calidad de títulos de culto (The Rocky Horror Picture Show, La vida de Brian, Studio 54, Réquiem por un sueño, Diamond Flash, Rompenieves, Cube, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, El castillo ambulante). El cine en lengua inglesa es mayoría, pero hay espacio para propuestas de cinematografías exóticas y temáticas y estilos que discurren en los márgenes de las convenciones del momento: Julio comienza en julio y La estrategia del caracol reivindican el talento hispanoamericano, La bicicleta verde nos abre las puertas del desconocido cine saudí, Caída libre e Il gioiellino demuestran que hay muchas joyas en la lista de películas que nunca llegaron a ver la luz en España, y Cuerno de cabra y On the silver globe nos descubren el gran talento de la ficción centroeuropea. Además, Tierras de penumbra nos invitará a repasar la carrera del recientemente fallecido Attenborough, Mamá cumple 100 años nos ayudará a revisitar al último Feroz de Honor, y el recuerdo de Solas y Underground nos permitirá tomar la temperatura a nombres que en el momento de su estreno fueron muy queridos por crítica y público.

Trabajos noveles a concurso

En el apartado de largometrajes fuera de concurso, la selección se ha dividido en dos tónicas: contamos con films de corte cómico y romántico, y en paralelo también se han sumado obras que por su género o procedencia no han contado con la visibilidad que se merecen. Todos ellos son films que nuestros concursantes, de forma muy acertada, han decidido reivindicar sin la presión de participar en la sección competitiva. El jardín de la alegría, Sobran las palabras y Un funeral de muerte son obras accesibles al gran público, pero no por ello menos interesantes. Moulin Rouge! merece la banda de clásico moderno por su riesgo y por la impronta que ha dejado en títulos posteriores, un mérito del que sí puede presumir una obra como Bajo los techos de París, la más antigua de todo el festival. El documental Guadalquivir, la animada Orejas largas, las desconocidas Coronación, La mujer del sendero y Estupor y temblores, la ganadora del Goya La buena estrella, las inéditas en nuestro país Norte: the End of the History y Eyes Wide Open, dos obras clave del último cine fantástico como Tú eres el siguiente y Cronos, e incluso nombres marcados por la mala suerte, bien por haberse estrenado directamente en dvd (El asesinato de John Lenon) o por pasar a la historia como una 'ganadora' del razzie (Queridísima mamá), se sumarán en el mes de agosto al abultado escaparate cinematográfico del festival.

Largometrajes a concurso

La sección que antes llamábamos 'cortometrajes amateurs' ahora cambia su nombre a 'trabajos amateurs'. Con ello, damos la posibilidad de que distintos artistas noveles, sin importar su procedencia, así como la duración y el género de sus trabajos, encuentren en el festival una ventana desde la que dar a conocer su obra. 2 largometrajes y 19 cortometrajes, así como 2 obras fuera de concurso, formarán parte de esta sección en la que de nuevo predomina el thriller, el terror y la comedia negra. Nombres a los que no hay que perder de vista, ya que en ellos descansa el futuro más prometedor de la ficción en habla castellana. Si tenemos en cuenta que muchos festivales de cine novel que se pueden encontrar online no registran tales datos de participación, desde el Cinoscar Summer Festival sólo nos queda dar las gracias a los más de 20 cineastas noveles que han confiado en el certamen: esperamos que la experiencia sea gratificante.


La selección de cortometrajes, una retrospectiva a la obra de Krzysztof Kieslowski y distintos posts especiales completarán la oferta cinematográfica del certamen. Además, los cinco miembros del jurado presentan una de sus películas favoritas en el apartado 'películas del jurado': Daniel Bermeo ha seleccionado Cuando pasan las cigüeñas, Miguel Calvo ha escogido El desprecio, Mayra Meza se ha decantado por Nostalgia, Isidro Molina ha querido reivindicar It's Such a Beautiful Day y Xavier Vidal ha elegido Arrebato.

Nada más. Cortamos la banda inaugural, expandimos la alfombra roja, encendemos las cámaras para dar paso a los primeros flashes... y, cómo no, damos las gracias a todos los que formáis y formaréis parte del certamen, como realizador, como concursante o como lector: sin vosotros, el festival no existiría. Tampoco sin el jurado, que este año ha visto muchas obras en muy poco tiempo: ¡gracias, chicos! También queremos mandar un saludo afectuoso a todos los que habéis escuchado el podcast del festival y nos habéis comunicado vuestras impresiones. Que comience el espectáculo... ¡disfrutad del Cinoscar Summer Festival 2015!

TRABAJOS NOVELES | SOMOS NIÑOS y TRES DÍAS EN PEDRO BERNARDO, de Daniel Andrés

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Trabajo novel Nº 01. Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso.
Entrevista a Daniel Andrés Sánchez, director de Somos niños (corto a concurso) y Tres días en Pedro Bernardo (largo fuera de concurso).

1. ¡Saludos, Daniel! Eres el participante más veterano de nuestro certamen: ¡muchas gracias por formar parte de nuevo del Cinoscar Summer Festival! En esta ocasión, nos presentas a concurso Somos niños y tenemos ocasión de hablar de Tres días en Pedro Bernardo, tu primer largo. Para los que siguen el festival por primera vez: ¿te gustaría hacer una breve presentación sobre tu filmografía a los lectores? ¿Quién es, o qué debemos saber, de Daniel Andrés? 
Encantado de participar por tercera vez ya en el Cinoscar Summer Festival. Un honor y un placer para mi formar parte de este Festival que se consolida cada edición, cada año. Bueno... mi filmografía se compone de 38 cortometrajes desde 1996 hasta 2014, varios spots y videoclips, trabajo como ayudante de cámara en programas de humor (La hora chanante y Muchachada Nui) y el que ha sido mi primer largometraje, estrenado en cines y que ha permanecido más de un mes en cartel, Tres días en Pedro Bernardo, protagonizada por Nancho Novo, Diana Peñalver, Juan Carlos Martin y Pablo Pinedo entre otros, y rodada en junio de 2014, en sólo 6 dias y con 30.000 euros de presupuesto, con mucha humildad y dignidad y todo el amor del mundo por el cine y por el pueblo del título, un bellísimo lugar en el Valle del Tiétar, Ávila. 


2. Somos niños es un trabajo muy especial, ya que capturas instantes muy personales: cómo juegas con tu hijo. ¿Partiste de una premisa previa o el proceso de rodaje fue más espontáneo o intuitivo?
Nos imaginamos que, contando con un niño, difícilmente podía haber ensayos, planificaciones o guiones cerrados… Somos niños es una idea que me vino por una secuencia concreta de otro corto anterior, y que participó en el II Cinoscar Summer Festival, Un corto...y Madrid, y en esa secuencia despertaba a mi hijo como cada mañana, desayunaba y le vestía antes de llevarle al colegio. Era algo cotidiano, grabado sin que el niño lo supiera, muy natural y espontáneo. Imaginé cómo sería si en vez de algo tan simple, hiciese lo mismo (grabar sin que se diese cuenta) pero jugando a varias cosas en una sola tarde, resumiendo los mejores instantes de cada juego y acompañado de una música muy bonita de fondo y de una frase final preciosa que resume lo visto. 

3. Como realizador, ¿qué te atrajo de la idea de Somos niños para convertir la premisa en un cortometraje? ¿Qué potencial cinematográfico viste en esos instantes tan privados? ¡Incluso has rodado una segunda parte de Somos niños!
La naturalidad. A un niño tan pequeño (4 años) no le puedes pedir nada o muy poco guionizado, pero si sigues una estructura (los juegos) y él participa de ellos sin saber que se le está grabando y yo, claro está, me ciño a hacer un buen encuadre y una vez hecho, olvidarme también de la cámara y disfrutar con él como cualquier otro día, el resultado es eso: naturalidad. 


4. En el corto no sólo hablas de la inocencia de la infancia, sino de cómo los adultos necesitamos alimentar esa parte infantil para vivir a pleno pulmón. ¿Es una reflexión que vino en paralelo a la experiencia de ser padre? ¿Hasta qué punto apelas a referentes cinematográficos en el corto? 
Es curioso los paralelismos que tienen con este corto, Somos niños, otros trabajos míos y de otros que he escogido antes para participar en el Cinoscar Summer Festival, pero resulta que la idea de este corto me vino de esa secuencia con mi hijo en Un corto... y Madrid y el referente cinematográfico fundamental es El verano de Kikujiro, pelicula con la que participé en el II Cinoscar Summer Festival. La idea en esa pelicula tan bonita, de los adultos jugando con el niño, me encantó, y ahí queda plasmado de alguna forma. 

5. En Somos niños, al igual que en El buenazo, cuentas la historia de personas buenas… ¡pese a que los personajes malvados tienen más tirón popular y parecen ser, a priori, más cinematográficos o complejos! En Un corto… y Madrid homenajeas a tu profesión. Todo ello nos lleva a la siguiente cuestión: ¿hasta qué punto tu obra se conecta con aspectos vitales o personales? ¿Qué hay de autobiográfico en tu obra?
Es muy sencillo... cuando era un chaval adolescente o muy jovencito, tenía muchos pájaros en la cabeza, y mis cortos eran westerns con malvados muy retorcidos y buenos no tan buenos (un poco como el cine negro que también me gustan mucho) y otros de zombis muy entretenidos y también algo violentos. Mucho Romero, Peckimpah... pero, a raiz de enamorarme de la que es mi mujer y de tener a mi hijo, estoy en una etapa feliz de mi vida y me gusta contar historias sencillas, bonitas y con personajes de buen corazón, aunque sigan habiendo algunos malvados pero que luego no lo eran tanto, como el de El buenazo, precisamente. Pero vamos... el estado de ánimo es fundamental y eso se vé claramente en mis cortos, pues hasta 2007 son de una forma y a partir de 2011 son de otra. Eso sí, mi primer largo junta un poco de ambas etapas. Es bonito pero tienes claroscuros. 

6. Como decíamos, Tres días en Pedro Bernardo es tu primer proyecto. Nos consta que a día de hoy estás inmerso en pleno proceso de estreno y distribución de la cinta. ¿Cómo definirías en pocas palabras tu primera película? ¿Qué hay del Daniel cortometrajista en esta primera cinta? ¿En qué plataformas, formatos o espacios piensas proyectar y dar a conocer tu trabajo? 
La esencia de mis cortos está en ese primer largo: una selección musical y una elección de los planos que hacen que todo eso, la ambientación de la historia, sea muy importante y llamativa para el espectador, y unos personajes buenos en esencia pero con sus historias pasadas que les marcan en cierta forma. Fidel, el protagonista, quiere redimirse con sus amigos de su pueblo natal, pero al que hace diez años que no va y claro... espera que le reciban con los brazos abiertos y no... no es tan sencillo. Pasa de todo, contado de forma especial y con cariño hacia los personajes, pero ninguno es un santo, y menos Fidel. La forma en que tengo intención de darla a conocer después del cine, es la edición muy cuidada en dvd y bluray, y las plataformas digitales (filmin, o incluso en televisión: ono, imagenio...) ya veremos. 

7. Una cuestión imposible de eludir, y que seguro interesará al resto de lectores y de directores noveles, es la económica. ¿Cómo financiaste o con qué ayudas contaste para convertir Tres días en Pedro Bernardo en una realidad?
No corren tiempos demasiado fáciles para los creadores… Pensé que podía hacerla con 20.000 euros, y conseguí una base de 12.000 por crowdfunding. Pero las gestiones posteriores, unido al dichoso IVA y no pocos gastos imprevistos, elevaron el presupuesto a más de 30.000 euros. Aún así es muy poco para una película, pero para un servidor y quienes me han ayudado es un gran esfuerzo económico. 


8. En Tres días en Pedro Bernardo trabajaste con intérpretes profesionales de la talla de Nancho Novo. ¿Hasta qué punto difiere el proceso de rodaje, dirección de actores y ensayos con respecto a tu experiencia como cortometrajista? Da la sensación, seguramente equivocada, de que los intérpretes de mayor trayectoria y popularidad resultan más inaccesibles o exigentes: ¿fue así? 
En mi caso no. Fueron encantados y lo hicieron todo muy fácil. Acostumbrado a dirigir a amigos a quienes les encanta el cine o lo aman como yo pero que no son profesionales, aunque esos cortos quedasen muy dignos, el trabajar en esta película con profesionales como Nancho (y con su experiencia, además) hizo todo mucho más facil. Fue un orgullo y un placer trabajar con ellos. Debo decir, eso sí, que no me olvido de quienes me ayudaron a llegar a cabo el largo, y que alguno de mis amigos de los cortos salen en mi primer largo como figuración en la última secuencia y a otros les invité encantado de la vida a la première de la pelicula. Les aprecio mucho. 

9. Seguramente muchos no conocerán Pedro Bernardo. El pueblo no sólo da nombre al film sino que también es casi un personaje más de la propuesta. ¿Cuál es tu vinculación con ese lugar? ¿Qué te impulsó a convertirlo en el escenario principal de tu película? 
Es el pueblo natal de mi madre y mis abuelos maternos, pero es como si yo hubiese nacido allí: lo adoro. En Pedro Bernardo se hizo cine en los 60 y 70, y televisión (La casa de los Martinez, de Tve), y esas peliculas ganaron premios en Valladolid (corto La sangre) y San Sebastián (largo La boda). Un corto mío grabado allí (Mi querido amigo) fue seleccionado en un certamen en Madrid y mi primera película ha aguantado cinco semanas en cartel y aún le queda alguna más.... en resumen... tiene algo Pedro Bernardo para el cine y es un emplazamiento privilegiado, en medio de una montaña. Es muy cinematográfico, sin duda. 


10. Como sabes, el Cinoscar Summer Festival es un espacio para cinéfilos y para directores emergentes. Para todos los que nos están leyendo y que les gustaría realizar como tú un proyecto tan complejo como un largometraje: ¿qué consejo les darías? ¿Cómo pueden convertir ‘esa idea’ o ‘ese guión’ en imágenes… y no morir en el intento? 
Perseverancia y no rendirse nunca ni perder la ilusión. En el dvd y bluray de la película irá un libro pequeñito pero revelador de todo el proceso: "Tres días en Pedro Bernardo, un sueño hecho realidad". Ahí está todo bien contado, por si alguno se anima...o no. 

11. Suponemos que lo más difícil para un cineasta novel es encontrar espacios para difundir su obra. Desde el Cinoscar Summer Festival queremos aportar nuestro granito de arena. ¿Qué te gustaría compartir con nosotros de Tres días en Pedro Bernardo? ¿Qué nos encontraremos en la película? ¿Por qué nuestros lectores deben verla?
Porque los amantes del cine valoran más que nadie trabajos como éste, que son puro amor por el cine, por encima de otras cosas. 

12. ¡Gracias por responder a nuestra entrevista, Daniel! Podemos considerarte el principal ‘motor’ de una sección (antes, ‘cortos amateurs’; este año, ‘trabajos noveles’) que este CSF3 ha conseguido nuevo récord de participación: ¡casi el doble de trabajos noveles con respecto a la edición anterior! Como concursado experimentado, y ahora que damos el pistoletazo de salida al certamen, ¿qué mensaje les darías a todos los participantes? Una vez más, te deseamos mucha suerte en todos tus proyectos. 
Que disfruten del Festival y se impliquen todo lo que puedan y más. Yo lo disfruto más cada año y ojo... se aprende mucho. Enhorabuena Xavier, a ti y a los que hacéis posible el Cinoscar Summer Festival. UN ABRAZO Y GRACIAS POR ÉSTA OPORTUNIDAD, UNA MÁS, DE DAR A CONOCER MIS HUMILDES Y HONESTOS TRABAJOS.


CRÍTICA | EL PADRINO: PARTE II, de Francis Ford Coppola

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EL PADRINO: PARTE 2, de Francis Ford Coppola
Largometraje nº 01: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de David Hidalgo Moreno
EE. UU., 1976. Dirección: Francis Ford Coppola Guión: Francis Ford Coppola y Mario Puzo, a partir de la novela de Puzo Duración: 200 min. Género: Drama. Thriller Tráiler: LinkReparto: Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire, Gastone Moschin, Michael V. Gazzo, Marianna Hill 
¿De qué va?: Nueva entrega de la historia de la familia Corleone. Mientras asistimos al mandato de Michael Corleone como nuevo capo, conocemos los orígenes de su padre Vito, su llegada a Nueva York y los hechos que le llevaron a construir un imperio que en la actualidad parece desmoronarse.
Palmarés: 6 premios Óscar, incluyendo mención en mejor película.


RESEÑA DANIEL: La compleja elaboración estructural en la que se desarrolla el guión de El padrino: Parte II requería de un compendio de personas comprometidas con llevar hacia lo más alto la continuación de una historia de honra y lealtad familiar. Coppola los tenía, y logró una (quizás la mejor) gran secuela de la historia del cine. El estilo que Coppola vierte sobre el film es de un gran refinamiento y de una distinción y exactitud en cada fotograma que consigue un acercamiento lúcido, franco e inteligente hacia las relaciones establecidas de la mafia italoamericana. Su retrato es de una pureza y sobriedad envidiable, en el que pasado y presente se fusionan equilibradamente, dotando de energía a un film que revela las desgracias internas/emocionales de esta familia entre odios, celos y venganza. Allí, en la cúspide, se halla un Michael Corleone desnudado psicológicamente, profundizado en los mínimos detalles y adiestrado como objeto de estudio para millares. La película no sólo es la continuación perfecta de otro clásico, sino la pieza de un rompecabezas que compagina a la perfección una historia hilvanada entre el inabarcable respeto familiar y la creación de un imperio interminable. Sublime creación artística, insuperable en muchos aspectos.

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RESEÑA ISIDRO: Llevaba ya unos cuatro años con esto del cine cuando vi por primera vez El padrino. Me resistía a enfrentarme a la considerada mejor película de la historia según muchos porque temía que me decepcionara. Ya me había pasado con alguna y sabía que cabía la posibilidad de que su fama hablara por ella. Pero la película me acosaba por todos lados, el padre de una amiga hasta me la grabó en dvd porque le parecía inconcebible que me considerase cinéfilo y no la hubiera visto. Finalmente la vi en un momento de debilidad tras un mes de sequía cinéfaga y conseguí sortear la decepción: era un pedazo de peliculón. Hace cuatro años de aquella tarde en la que me sentí más cinéfilo que nunca, y cuatro son los años que han pasado hasta que he conseguido ver El Padrino: Parte II. Manda huevos, ¿no? Es curioso cómo a veces podemos viciar tanto la percepción de una película por algo tan, en principio, externo a la obra como son las expectativas. Nos cuesta enfrentarnos a una película sin condicionantes, y más si su fama la precede, como es el caso. Pero la satisfacción es mayor cuando te das cuenta de que su reputación la tiene más que ganada. Y es que El Padrino: Parte II no es un peliculón, son dos, ambos soberbios, que contrastan las figuras de Vito y Michael como capos de la mafia: mientras que el primero consigue prosperar y garantizar la protección de su familia, el segundo, con la misma pretensión, provoca la destrucción gradual de la suya. Una película casi perfecta a todos los niveles. Ahora solo espero que no tengan que pasar otros cuatro años para ver la tercera.

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RESEÑA MAYRA: Sin duda una de las cosas que nos permite el Cinoscar Summer Festival es ponernos al día con nuestros deberes cinéfilos. El padrino es una de esas películas, o más bien de esas trilogías, que todo el mundo ha visto y que incluso ha leído el ibro, pero que sin embargo yo la había aparcado y no me había dado la oportunidad de verla hasta ahora. Tal vez porque en cierta forma sabía lo que me encontraría. Una historia dura y bien contada, con interpretaciones muy destacables (Brandon fue la estrella inolvidable en la primera parte, Al Pacino en esta segunda). Y aunque El Padrino: Parte II no logra ser tan impactante como su antecesora, sin duda estamos ante una obra merecidamente laureada en su día y que incluso hoy es un referente del cine. Pero como no siempre la perfección es lo que atrae, debo admitir que de alguna manera no termina de conectar con mis gustos.

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RESEÑA MIGUEL: Es ya típico y mítico usar El padrino: Parte II como la respuesta a la frase “Segundas partes nunca fueron buenas”. Pero es que esta obra de ingeniería cinéfila es el paradigma perfecto para desmitificar el hecho de que las secuelas son siempre peores. Cierto es que para el que escribe la primera parte es insuperable. El gigante inicio de la saga contaba con un Marlon Brando brillando en un personaje icónico, y fue la que comenzó con el engranaje de esta trilogía dando vida a La Familia, siendo imposible ya para sus sucesoras resultar novedosas. Sin embargo, Francis Ford Coppola consiguió en esta continuación asombrar a los espectadores confeccionando una narrativa paralela, convirtiendo parte del metraje en una precuela, y tratando de olvidarnos de Brando (tarea imposible) con un Robert de Niro pletórico que merecidamente se llevó el Oscar. Ver esta cinta significa consumir historia del cine en mayúsculas, es objetivamente una pieza maestra que no se presta a subjetividades. Aquí las opiniones no cuentan, El padrino: Parte II sucumbe ante unos requisitos de forma y estéticos que la convierten en una obra de arte emocionante, y plagada de talento. Funciona como un gran museo (el British de Londres me viene a la cabeza) al que te encanta volver, redescubrir rincones y maravillarte con sus detalles. Ninguno de los films aquí a concurso tendría nada que hacer si nos centráramos en sus calidades artísticas; pero siempre hay que contar con el factor emocional, la conexión que se genera con el que ve, la empatía… Y si bien El padrino: Parte II es una obra magna, esta es la segunda vez que accedo a ella, mientras que otras películas me piden a gritos que vuelva a ellas tres, cinco, siete veces. Por lo tanto, no está todo dicho.

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RESEÑA XAVIER: El padrino: Parte II bien podría ser la película de películas, la pieza central de la que surgen todas las historias, estrategias narrativas y temáticas del cine moderno. Coppola firma en un maestro paralelismo de tiempos y personajes una historia doble (el auge y la caída de un imperio), y con ello nos desvela las alas más oscuras del ser humano (a modo de los clásicos grecolatinos) y realiza el ejercicio de historiografía cinematográfica más complejo y apasionante que se recuerde (de la llegada de inmigrantes italianos a la isla de Ellis a principios del S. XX a la sofisticación de la picaresca gansteril, bajo un escandaloso amparo legislativo, de los años 60). El film también alcanza sus cotas más elevadas en sus constantes citas a la primera El padrino (posteriormente ampliada con la ligeramente infravalorada El padrino: Parte III): la más evidente, la celebración con la que arranca el film, con una descripción de personajes y una dicotomía de espacios (los exteriores, bulliciosos y opulentos; y los interiores, irrespirables y oscuros) con claras reminiscencias al arranque del film del 1972. Sus escenas memorables se cuentan por docenas y la contención dramática de Pacino y De Niro está al alcance de pocos intérpretes. Cuesta creer que Coppola pudiera rodar el mismo año ésta y La conversación, o que el film naciese como mero imperativo comercial de la Paramount. El padrino: Parte II es una obra maestra (o mejor: mayor, inmejorable e irrepetible).

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

En su intento por resolver todos los cabos sueltos de la familia Corleone, el film avanza y retrocede, y se provee de una estructura débil. Revela la simplicidad del estilo de Coppola, detalle que no sucedía en la primera parte, una elegante obra maestra. Rogert Ebert, Rogerebert.com

Una producción admirable, menos emocional que su predecesora. Una gran épica histórica que estudia la naturaleza del poder en la herencia norteamericana. John H. Door, Hollywood Reporter

Shakespeariana y con la mejor escena final de la historia del cine. Una precuela-secuela ambiciosa y rompedora. Supera con creces la primera parte. Peter Bradshaw, The Guardian

Se pueden contar con los dedos de una mano las secuelas que superan a su original. Pero de sólo una se puede decir legítimamente que es mejor que el film que la inspira. Esa es El padrino: Parte II, una metáfora sobre la Norteamérica inmigrante. Neil Smith, BBC

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 8'9 / IMDB: 9'1 / Sensacine: 9'1 / Metacritics: 8'6 / Rottentomatoes: 9'8
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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
13 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: FRANCIS FORD COPPOLA
Mejor actor protagonista: AL PACINO
Mejor actor secundario: ROBERT DE NIRO
Mejor reparto
Mejor banda sonora original: NINO ROTA y CARMINE COPPOLA
Mejor guión adaptado: FRANCIS FORD COPPOLA y MARIO PUZO
Mejor fotografía: GORDON WILLIS
Mejor vestuario: THEADORA VAN RUNKLE
Mejor montaje: PETER ZINNER, BARRY MALKIN y RICHARD MARKS
Mejor peluquería y maquillaje
Mejor diseño de producción: DEAN TAVOULARIS, 
ANGELO P. GRAHAM y GEORGE R. NELSON
Mejor canción: Senza Mama, Ciuri Ciuri, Napule Ve Salute

NOTA DEL JURADO

CRÍTICA | CIUDADANO BOB ROBERTS, de Tim Robbins

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CIUDADANO BOB ROBERTS, de Tim Robbins
Largometraje nº 02: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Álex Martín Estévez
EE. UU., 1992. Dirección y guión: Tim Robbins Duración: 105 min. Género: Sátira política, falso documental Tráiler: LinkReparto: Tim Robbins, Giancarlo Esposito, Ray Wise, Rebecca Jenkins, Alan Rickman, James Spader, Helen Hunt, Susan Sarandon, Fred Ward, David Strathairn, Peter Gallagher, Jack Black
¿De qué va?: Bob Roberts es un cantante folk que enfila su carrera al Senado de los Estados Unidos. La campaña política, rodada por un equipo que sigue a Roberts las 24 horas del día, dejará al descubierto la personalidad del candidato y el círco mediático que le rodea.
Palmarés: Nominación al Globo de oro al mejor actor protagonista (comedia / musical).


RESEÑA ISIDRO: Some people will work, some simply will not, but they’ll complain and complain and complain and complain… Así se divide el mundo según Bob Roberts, el candidato republicano a senador por Pennsylvania con vena de cantante folk. Si ya de por sí puede ser esperpéntica una campaña electoral, lo es aún más si a uno de los candidatos le da por coger la guitarra para cantar a los cuatro vientos sus rancias ideas conservadoras, ¡las letras no tienen desperdicio!, de la talla de la coplilla aquella de Los Simpson: I could please Miss Barbra Streisand by spitting on the flag… But I love my country, to me she has no sins. If you don’t buy my record, then Al Qaeda wins! Y con perlas como “si eres pobre es porque eres vago” o “¡colguemos a los yonquis!”. Ver a Tim Robbins con cara de psicópata potencial cantando esto al lado de la rubita mojigata ante un público entregadísimo resulta tronchante. Y es que haber rodado esta historia como falso documental fue un auténtico éxito, un formato hecho a medida para la sátira, que hace que la cinta funcione tanto a nivel crítico como humorístico. Quizá la película pueda pecar de maniquea en el retrato de sus personajes (y de las masas), pero también es lo que le otorga tanta hilaridad, y al final la realidad supera a la ficción, y si no fijaos la que lió al poco Bush. Una gran ópera prima, ¡vota a Bob Roberts! ¡U.S.A. U.S.A.!

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RESEÑA MAYRA: En la edición anterior del Cinoscar Summer Festival tuve la oportunidad de descubrir Pena de muerte, la segunda película de la filmografía de Tim Robins. En esta ocasión es el turno de visionar y comentar la ópera prima de este director, al parecer empeñado en retratar los desatinos de la política americana (aunque bien puede ser la política en general). Tim Robbins interpreta el personaje de Bob Roberts, un político norteamericano conservador que planea ser senador por el estado de Pensilvania. Esta es una sátira política que revela la hipocresía de quienes pretenden en apariencia querer gobernar para el bienestar de sus electores, cuando en realidad sólo buscan sus propios intereses ocultando la realidad de sus hechos. Ciudadano Bob Roberts, a modo de falso documental, nos acerca de manera ágil e interesante una realidad que aún hoy es vigente en nuestra sociedad: la política embustera y manipuladora, ya sea de Norteamérica o de cualquier otro lugar.

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RESEÑA MIGUEL: Tim Robbins es un humano que me cae bastante mal. De hecho, sólo lo soporto como actor en Mystic River interpretando a un personaje bastante pesadillesco. Tener que ver una película dirigida por él fue un gran reto. Ciudadano Bob Roberts me dio lo que yo esperaba. Un film en el que Robbins presume de arrogancia, estando en casi todos los planos del film, dando hueco a una ristra de cameos para dejar constancia de cuántos amigos tiene (o tenía) en Hollywood. Si se es capaz de abstraerse del odio que emana Robbins, podemos observar las virtudes de esta sátira política que tiene puntos fuertes, como su sello de falso documental, generando situaciones hilarantes como sus cortas conversaciones con la plebe; y un guión agudo y ágil que resulta muy crítico con la política americana. Cuando te haces a su estilo, a Robbins y al mecanismo de la cinta, aún falta la segunda mitad del metraje para llegar al final, y el visionado del film se hace cuesta arriba.

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RESEÑA XAVIER: La ópera prima de Tim Robbins es un ejemplo de la actitud creativa y combativa de su artífice, una sátira y crítica todavía vigente sobre la manipulación de los medios de comunicación, el circo alrededor de las campañas electorales y los vericuetos oscuros del mundo del espectáculo. A partir de una estructura de falso documental, en un ejercicio interesante de distintas capas superpuestas de verdades y mentiras, Robbins nos presenta a Bob Roberts, un político con mucha geta y alma de cantante folk (con homenaje incluido a Bob Dylan). El desfile de barbaridades, bromas y citas de distinto calado apela a la inteligencia del público: Robbins nos insta a ser ciudadanos críticos, a ir más allá del sensacionalismo reinante y a relativizar todo lo que vemos por la televisión o leemos en los periódicos. Robbins también cincela la atractiva figura del ‘trepa’, detalle que convierte el film en una crónica casi avanzada a su tiempo (se adelanta, en otras palabras, a todos los ‘pequeños Nicolás’ de nuestro siglo). Tal vez la película lleva a extremos demasiado esperpénticos su vertiente irónica (cuando se consigue una caricatura, es lícito que por momentos el film acabe víctima de su propio mensaje, afectada por ciertos atisbos ideológicos), pero pese a sus puntos cuestionables Ciudadano Bob Roberts está por encima de la media del casi siempre timorato cine norteamericano. 

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RESEÑA DANIEL: Robbins se dirigió a sí mismo en este falso documental que busca satirizar el exagerado fanatismo que millares sostienen ante esa clase de ‘súper hombres’ llamados políticos. El film nos presenta la biografía de Bob Roberts, un cantante de country que se postula a senador; y en base a esta premisa, nos permite conocer cómo se realiza su campaña para obtener los votos necesarios, además de mostrar cómo sus más fieles devotos (amantes de su música sobre todo) lo siguen y persiguen incansablemente para estar enterados al mínimo de todas sus intervenciones. Robbins encarna con entereza la labor de personificación de este ser alineado a las mentes de las masas, haciendo crear el prototipo ideal de persona que esté velando por los derechos y necesidades de los demás. Y aunque se atiborran momentos un poco tediosos, el film de se sostiene al saber crear conflictos que incitan no sólo a la curiosidad sino al sensacionalismo y el morbo. Un film interesante lleno de buenos momentos. ¡Levántate América!

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Deslumbrante y audaz ópera prima de Tim Robbins. Sátira enérgica y feroz. Una obra maestra del cine contestatario, un contundente puñetazo al más hipócrita conservadurismo estadounidense. Daniel Monzón, Revista Fotogramas, Nº 1972

Robbins hizo el film para sí mismo. Él lo escribe, lo dirige y lo protagoniza, guardando ciertas reminiscencias con un joven Orson Welles. Todo un mérito. Mucho más que otra sátira de los esquemas políticos. Roger Ebert, Rogerebert.com

Bajo el influjo de Robert Altman. Una inyección cargada de malicia sobre los políticos de nuestros días y los iconos de la cultura pop. Rita Kempley, The Washington Post

Tras un verano de estrenos mediocres, es gratificante descubrir a un director entregado en 'joder' al personal. Una victoria en todos los aspectos. Bob Roberts, Rolling Stone

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 6'7 / IMDB: 7'1 / Sensacine: 7'0 / Rottentomatoes: 7'5
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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
6 PREMIOS DEL FESTIVAL:


Mejor actor protagonista: TIM ROBBINS
Mejor reparto
Mejor guión original: TIM ROBBINS
Mejor banda sonora adaptada
Mejor montaje: LISA ZENO CHURGIN
Mejor canción: Retake America

NOTA DEL JURADO

CRÍTICA | LA MUJER DEL CUADRO, de Fritz Lang

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LA MUJER DEL CUADRO (THE WOMAN IN THE WINDOW), de Fritz Lang
Largometraje nº 03: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de José Luis Ayala Ramírez
EE. UU., 1942. Dirección: Fritz Lang Guión: Nunnally Johnson, a partir de la novela de J. H. Wallis Duración: 95 min. Género: Thriller, cine negro Tráiler: LinkReparto: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea
¿De qué va?: El profesor Wanley coincide con unos compañeros durante la celebración de un curso universitario. El grupo se obsesiona con el retrato de una mujer que han visto en un escaparate cercano a su club de encuentro. Wanley, en la oscuridad de la noche, conocerá a la dama que se esconde detrás del cuadro, y ese encuentro será el inicio de su perdición.
Palmarés: Nominación al Óscar a la mejor banda sonora.


RESEÑA MAYRA: Fritz Lang, uno de los genios del cine de antaño, vuelve a estar presente en el Festival. Lo que nos espera con este visionado es una historia tan bien hilvanada que se disfruta escena a escena. Como es lógico, una buena historia no tendría el mismo resultado si no se escogieran a los actores correctos: por suerte La mujer del cuadro nos regala una de las mejores interpretaciones de dos grandes actores como lo fueron Robinson y Bennett. Lang dirige un guión con una historia policiaca y de misterio que resulta fascinante en todo momento. En un primer visionado sorprende mucho más porque el espectador no conoce los trucos escondidos que el director y el guionista nos tienen preparados, pero incluso en un revisionado del film uno puede hallarse disfrutando de esta película y preguntándose a sí mismo cómo es que Lang lograba siempre estar detrás de historias tan astutas.

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RESEÑA MIGUEL: Padre y esposo modelo se despide de sus dos hijos pequeños (parecen sus nietos) y de su amante esposa en la estación del tren. Se queda solo en la ciudad mientras su familia pasa un fin de semana alejados de la bulliciosa urbe. A partir de ese instante comienza la aventura, desatada por la mujer del cuadro. La mujer del cuadro es un thriller policíaco de la época dorada de Hollywood, firmado por el gran Fritz Lang. Pero, ¿aporta este film algo distintivo al carismático cine negro? ¿Consigue dejar huella? Lamentablemente, la respuesta a ambas preguntas es negativa. Con una premisa muy sencilla, basada en las tentaciones de la rutinaria clase media, se abre la puerta a una serie de circunstancias criminales que se antojan demasiado manidas y fáciles. De hecho, es la química entre los actores principales la que consigue que el film no naufrague al principio. Una vez que las cartas se han puesto sobre la mesa, y se conoce qué tipo de cinta nos espera, -una que no quiere trampear, al menos en cuanto a la resolución de la historia criminal-, sólo nos queda dejarnos llevar por las interpretaciones, y la mano correcta de Lang. La mujer del cuadro es de consumo fácil: no molesta y entretiene lo justo. Lo mejor: Edward G. Robinson y Joan Bennett. Lo peor: Todos aquellos momentos en G. Robinson y Bennett no están juntos, que sorprendentemente son muchos.

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RESEÑA XAVIER: La década de los 40 fue especialmente prolífica en cine negro. La mujer del cuadro, al igual que Perversidad, es una de sus producciones más notables. Lang firma una película concisa, depurada, sencilla en apariencia y poseedora de un universo propio. Robinson y Bennett, una vez más los rostros clave de los misterios del cineasta alemán, defienden una película que es pura matemática cinematográfica. La cinta puede entenderse como la exploración del subconsciente freudiano, un viaje a los recovecos de la culpa o un intento por vivir una realidad que, por ajena, resulta muy atractiva. Un film de hombres en constante diálogo, de salones, de cubatas y puros. También un ejercicio cargado de tensión que consigue activar nuestros sentidos con una economía de medios admirable. En un momento en que el cine aboga por la expansión, el barroquismo narrativo, los saltos temporales y el exceso tanto de metraje como de personajes, visionar La mujer del cuadro, una cinta tan metódica en todos sus apartados, tiene el poder de un bálsamo artístico, de una clase magistral de cine en estado puro. El público contemporáneo la acusará de reduccionista, e incluso tacharán su giro final de efectista… Nada más lejos de la realidad. La mujer del cuadro no es una película onírica, sino un constante choque entre lo abstracto y lo palpable, el impulso y la razón. Suena parecido, pero dista de ser lo mismo. Detalles que convierten el film de Lang en uno de los espectáculos más apasionantes del certamen.

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RESEÑA DANIEL: No hay crimen perfecto. Tampoco hay castigo perfecto. Dostoievski lo anunciaba ya en su célebre novela. La conciencia está allí aunque a algunos parezca habérsela extraviado. Fritz Lang (conocido por sus excelsas Metrópolis, M, el vampiro de Düsseldorf o Perversidad) trató también a su estilo de procurar enseñar esta cuestión en su película La mujer del cuadro, un film de intriga, desarrollado con astucia y envuelto en un paquete fibroso de inteligencia para deleitar a los cinéfilos más sesudos. La película presenta el calvario interno que sufren dos individuos que arruinan sus vidas al cometer un asesinato. La película, con mucha precisión, nos presenta cómo un ilustrado profesor se ve involucrado no sólo en el crimen sino en la investigación que un amigo suyo ejecuta sobre ese crimen. Lang somete al protagonista a los más intensos agotamientos mentales al sentirse la oveja en un cerco de lobos, y agota a su vez al espectador poniéndolo contra las cuerdas ante el dilema moral que se hace evidente. La obsesión hacia un cuadro, el chantaje de otro perverso humano y una atracción jamás consumida acompañan perfectamente la intensidad dramática que nos presenta este film. Grandioso.

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RESEÑA ISIDRO: Posiblemente sea la comparación más pillada por los pelos de la historia, pero al terminar La mujer del cuadro me acuerdo de No es país para viejos, quizá porque tienen un punto de partida parecido: que sus protagonistas, en los umbrales de la vejez, ya no están para muchos trotes. Esta “No crime for old men” comienza con un profesor de criminología que, tras comentar con unos colegas que ya no tienen el cuerpo para cantar bulerías, se ve envuelto en una trama de asesinato seducido por la femme fatale del cuadro. El inicio me parece potente y el desarrollo acertado, con esas escenas largas que sacan todo el jugo a los actores y sus diálogos, con la tensión a flor de piel y miles de posibilidades de que todo se vaya a la mierda. Es verdad que, como en muchas películas de este género, hay algunos detallitos incongruentes, casualidades demasiado forzadas o decisiones estúpidas que solo se justifican para avanzar la trama, pero se los perdonamos porque la película ya nos tiene agarrados de los ojos y parece dispuesta a seguir estrujándonoslos con alegría. Pero conforme se va acabando nos los suelta sin piedad ninguna con un doble final a cada cual más insatisfactorio: el primero por inverosímil y el segundo porque, aunque justifica su premisa, es un recurso 'meidinjólibub' que chirría demasiado con el tono de la propuesta. Y te quedas a cuadros, como te quedarías si la película de los Coen acabara con Antonio Resines. Una pena.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Admirable obra cinematográfica que domina el azar como fuente de imprevisibles consecuencias para su protagonista. Redacción Fotogramas

Clásico del cine negro, con un guión sobresaliente y un ritmo inquietante. Redacción ABC

Un film referencial, la traslación visual de una perturbadora pesadilla. Una de las mejores películas estadounidenses de Fritz Lang. Joaquín Vallet, Miradas de cine

No basa su interés dramático en averiguar la identidad del asesino, sino que lo fija en el conflicto que éste vive desde que comete el crimen hasta su posible captura. Drama, pues, visto desde dentro, que exige un planteamiento dramático basado en trucos inéditos. Diego Galán, El País

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 8'2 / IMDB: 7'8 / Sensacine: 9'0 / Rottentomatoes: 9'25
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VALORACIÓN DEL JURADO FESTIVAL

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
5 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: FRITZ LANG
Mejor actor protagonista: EDWARD G. ROBINSON
Mejor actriz protagonista: JOAN BENNETT
Mejor guión adaptado: NUNNALLY JOHNSON

NOTA DEL JURADO

CORTO | LUMINARIS, de Juan Pablo Zaramella

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LUMINARIS, de Juan Pablo Zaramella
Cortometraje nº 01: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Pablo Moure
Argentina, 2011. Animación, 6 min.

RESEÑA MAYRA: Cuando la creatividad aflora y el ser humano se inspira, el resultado puede ser este tipo de pequeñas grandes historias. No recuerdo haber visto algún cortometraje parecido a Luminaris (al menos hasta ahora): sin duda, es entretenido, original y atractivo, además de estar muy logrado. El trabajo de Zaramella brilla con luz propia. Nota: 7

RESEÑA XAVIER: Argentina ha parido los mejores escritores de microrrelatos. Luminaris traslada esa herencia de genios y formatos breves a una historia que podría firmarla Borges, Monterroso o Jeunet. Tras la descripción de una rutina (fascinante el momento en que el personaje camina por la calzada sin tocar el suelo, deslizándose por pura inercia y capricho del director) se esconde una delicada pieza artesanal con una visión crítica, socarrona y al final esperanzadora. Una golosina de regusto único. No se le parece a nada, ni falta que le hace. Brilla, como su sol-bombilla, a toda potencia. Nota: 7

RESEÑA DANIEL: Luminaris es un cuento fantástico rebosante de ingenio, gracia y una interesante reflexión sobre la búsqueda individual por crear un mundo mejor. El corto resulta un tónico original en su presentación, incluyendo el ritmo de tango que se escucha incesante en sus minutos, que resulta estimulante y como un aderezo a la propuesta. Y aunque resulta un producto muy original en su estética, su desarrollo es bastante simple, sin dar lugar a esa ‘chispa’ que la destaque entre otros productos de similar contenido. Interesante papel de regalo, cuyo contenido queda al debe. Nota: 6


RESEÑA ISIDRO: Me declaro adicto a los cortometrajes de animación. Me parece un formato de ilimitadas posibilidades para la experimentación, y me encanta descubrir cosas nuevas. Luminaris no inventa la rueda, pero es un corto mono, de esos que te ponen una sonrisa en la cara, a lo Paperman o Feast, por citar dos ejemplos recientes. Y a éste le añade encanto la técnica de animación empleada, cargada de detallitos que molan mucho: utiliza el stop-motion para animar a personas de carne y hueso, como Jan Svankmajer, pero con la carne y el hueso aún unidos, y eso le da un aura muy chula de mundo irreal con algunos destellos de la inocencia del cine mudo más amable. Un corto muy simpático. Nota: 7

RESEÑA MIGUEL:Luminaris se puede ver de varias formas, y ya es mucho decir viniendo de una pieza de cinco minutos: como una crítica a los mecanismos de una sociedad atontada en el capitalismo, o como un ejercicio de estilo original y creativo. No es sutil en ninguna de sus dos vertientes. Si bien es cierto que el formato de cortometraje no ayuda, la falta de ambigüedad al tratar lo bueno y lo malo se antoja demasiado infantil. De igual manera ocurre son su imaginario artístico: cuando transformas tanto la realidad terrenal de las cosas tienes que apostar por el carisma de tus cambios en la forma, y aquí se me antojaba demasiado sórdido para mis gustos. ¿Era necesario sacarse tantas veces ese papelito de la oreja? Crují los dientes cada vez que lo hacía. Nota: 6


NOTA DEL JURADO:

CRÍTICA | EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE, de Peter Greenaway

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EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE, de Peter Greenaway
Largometraje nº 04: Cinoscar Summer Festival 2015: Sección oficial a concurso
Elección de Jesús Onieva Palomar
Reino Unido, 1989. Dirección y guión: Peter Greenaway Duración: 115 min. Género: Drama Tráiler: LinkReparto: Richard Bohringer, Michael Gambon, Helen Mirren, Alan Howard, Tim Roth, Ciaran Hinds, Gary Olsen, Ron Cook, Ian Dury, Ewan Stewart, Diane Langton, Liz Smith
¿De qué va?: Albert, el propietario de un lujoso restaurante, tiraniza noche tras noche a sus empleados, a su esposa y a sus comensales. Su mujer Giorgina, empujada por los manjares del cocinero, se enamorará de un cliente habitual. La dictadura de Albert se tambaleará hasta dar paso a una fuga, un crimen y una venganza extrema.
Palmarés: 4 premios en el Festival de Sitges 1989, incluyendo mejor director y actor.



RESEÑA MIGUEL: Entiendo que Peter Greenaway está loco. Es fácilmente diagnosticable cuando ves alguna de sus películas y tratas de entender todo lo que quiere decir. A mí particularmente me aburre soberanamente su excesiva imaginación. Este film me produce rechazo. Todo el parque de atracciones que ha confeccionado alrededor de la historia se hunde como en un huracán cuando te das cuenta que la trama es del todo limitada. Entiendo que esta chuchería visual encandile a muchos, y por momentos se le consigue coger el punto; sin embargo, hay que ser corredor de fondo para aguantar este maratón de esperpento y borrachera de color. A todo esto, el título: horrible.

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RESEÑA XAVIER: El barroquismo de Greenaway consigue en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante una de sus películas más importantes. En la olla hay espacio para todo tipo de ingredientes (ópera, teatro, música, literatura, pintura, cocina, erotismo, etc.), y la combinación resultante es un cóctel explosivo, entre excelso y putrefacto. Pocas veces el espectador tiene ocasión de enfrentarse a propuestas tan subyugantes y desagradables como ésta. Greenaway siempre resulta un cineasta inspirador, pero no siempre se muestra tan inspirado como aquí: en este sentido, puede decirse que estamos ante la película más equilibrada de su autor, una obra que apasiona incluso a aquellos que no suelen transitar los bodegones emocionales e intelectuales de su artífice. El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante es una de las grandes obras de Greenaway porque sabe aunar el exceso con el minimalismo, la belleza con la suciedad, los sentidos más elevados con las pasiones más bajas. Una película que se huele, se saborea y se siente a flor de piel. La extraordinaria dirección de fotografía, el rotundo guión, la labia irónica de Greenaway y los cambios de luces y trajes hacen el resto. Tuve ocasión de visionarla con apenas 12 años, y el impacto fue indescriptible. Ahora, 12 años después, su capacidad de sorpresa sigue intacta. Mejora con el paso del tiempo, como los mejores vinos. ¡Y qué final! De lo más arriesgado y apasionante que veremos en el festival.

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RESEÑA DANIEL: Arte. Ese podría ser uno de los más robustos calificativos para designar a esta película. Arte. Desde la más austera pintura barroca, hasta el atuendo mejor confeccionado, en vivaces colores que juegan con las habitaciones. Arte. La mirada silenciosa de dos amantes anónimos, encandilados por la pasión, cegados por el deseo y aniquilados en el romance. Greenaway logra esta obra artística con destellos de maestría, combinando la feroz personalidad de un ser tiránico, la pasividad de una mujer sumergida en sus ocultos pensamientos, la incómoda observancia de un cocinero precavido y la plausible templanza de un peregrino bibliotecario. El fascinante mundo que nos entrega el film abarca desde los temas más amplios, como el estatus, la servidumbre o la arrogancia, hasta los más severos placeres humanos, como el buen paladar, o la sensualidad. La combinación resulta fascinante. La cámara desnuda a los personajes (literalmente) mientras se pasea de salón en salón, mostrando magníficos monólogos del despiadado Albert y adentrándose al más desapercibido rincón donde los amantes dan rienda suelta a sus apetitos. Fascinante e inclasificable, técnicamente impoluto y sobradamente inteligente. Un reparto estelar, comandado por un Gambon soberbio y una Mirren contenida, terminan por colocar en la cúspide una de las mejores obras que el cine británico firmó en los ochenta.

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RESEÑA ISIDRO: Lo primero que me vino a la cabeza cuando vi El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante es que la protagonizan los tarados de la Transilvania transexual de The Rocky Horror picture show cegados, en vez de por la diversión y la lujuria, por la pomposidad y Masterchef. Y es que estéticamente son parecidas, aunque el cuidado por los detalles de Greenaway resulta casi enfermizo. Porque 'El cocinero' (y el resto de la peña) es una película profundamente estética: con largos travelings horizontales, juegos de luces y colores que afectan incluso al vestuario, una fotografía casi plástica y decorados barrocos. Un ejercicio de estilo puro y duro que no tiene mucho que contar, pero mola, y mucho. La trama es una sucesión de humillaciones constantes, infidelidades protegidas y venganzas muy bestias cocinadas a fuego lento, y consigue con todo ello una atmósfera irrespirable alimentada por los arrebatos dictatoriales de un joven Dumbledore con muy, muy mala 'follá'. 'El cocinero' (y el resto de la peña) es una película que provoca reacciones muy opuestas, o se ama o se odia, y reconozco que mientras veía la película no sabía en qué bando me iba a situar. Hasta que llegó el final, uno de los más marcianos, truculentos y desagradables que he disfrutado en mucho tiempo. Una película tan exquisita como unas criadillas de ternero (y menos mal que me dio por el cine y no por la gastronomía).

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RESEÑA MAYRA: Cada director es un mundo y cada uno intenta imponer su particular huella y estilo a la hora de hacer cine. Sin duda, esta búsqueda de singularidad lleva a directores como Greenaway a narrar historias poco o nada convencionales que pueden agradar al espectador poco, mucho o nada. En mi caso, debo admitir que El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante me ha gustado poco, tal vez porque la historia no me termina de parecer lo suficientemente interesante y no conecta con mis gustos. Sin embargo, hay algunas cosas de este film que merecen la pena ser destacadas, como la singularidad de su guión, pero sobre todo su puesta en escena, que se desarrolla en un ambiente caricaturesco en el que la fotografía y la música tienen un papel importante, además de un tono muy teatral en el que la violencia, el engaño y la venganza estarán a la orden del día para sus excéntricos personajes, correctamente interpretados. Una cinta posiblemente no apta para todos los paladares, pero que se puede convertir en la exquisitez de alguno.

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VALORACIÓN DE LA CRÍTICA

Meditación sobre una crisis sentimental, con el influjo poderoso de la carne femenina como espoleta de toda tragedia. Un plato pesado, pero, en su atipicidad, plenamente digestivo. Jordi Batlle Caminal, Fotogramas, Nº 1759

De moralidad negra y deprimente. Da grima y abre el apetito a partes iguales. Greenaway demuestra cómo nuestra insaciable hambre de crueldad, violencia, racismo y poder nos convierte en bestias. Mary Ann Brussat, Spirituality Practice

Críptica y extravagante, con poder de fascinación y tedencia al exceso vacuo. Consigue irritar, pero no se le puede negar su capacidad para la sugestión visual. Redacción, Fotogramas

Empieza con un hombre cubierto de heces y acaba en canibalismo. En medio, un sencillo cuento de adulterio, celos y venganza. Todo, sin pasión y con palabras gruesas. Geoff Andrew, Time Out

NOTA DE LA CRÍTICA

Filmaffinity: 7'1 / IMDB: 7'5 / Sensacine: 7'8 / Rottentomatoes: 7'4
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VALORACIÓN DEL JURADO

El jurado del CSF ha decidido promover el film a  
10 PREMIOS DEL FESTIVAL:

Mejor película
Mejor director: PETER GREENAWAY
Mejor actor protagonista: MICHAEL GAMBON
Mejor actriz protagonista: HELEN MIRREN
Mejor música original: MICHAEL NYMAN
Mejor fotografía: SACHA VIERNY
Mejor vestuario: JEAN-PAUL GAULTIER
Mejor montaje: JOHN WILSON
Mejor maquillaje y peluquería: VV. AA.
Mejor diseño de producción: BEN VAS OS y JAN ROELFS

NOTA DEL JURADO

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