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CRÍTICA | MIFUNE, de Søren Kragh-Jacobsen

April 13, 2015, 11:14 am
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El arribista, el retrasado y la prostituta
MIFUNE, de Søren Kragh-Jacobsen
Dinamarca, 1999. Dirección: Søren Kragh-Jacobsen Guión: Søren Kragh-Jacobsen y Anders Thomas Jensen Fotografía: Anthony Dod Mantle Reparto: Iben Hjejle, Anders W. Berthelsen, Jesper Asholt, Emil Tarding, Sofie Gråbøl, Anders Hove, Paprika Steen, Sidse Babett Knudsen, Ellen Hillingso, Mette Bratlann, Susanne Storm Género: Drama Duración: 95 min. Tráiler:LinkFecha de estreno en España: 05/11/1999
¿De qué va?: Kresten tiene la vida más que encarrilada: un trabajo perfecto, un brillante futuro por delante y una esposa y unos suegros bien posicionados entre las élites de Copenhague. El día después de su boda, una llamada telefónica rompe en pedazos la ordenada existencia de Kresten: su padre ha muerto y debe regresar de inmediato a su casa para cuidar de Rud, su hermano discapacitado. Claire, su esposa, no sale de su asombro, ya que desconocía el pasado de su marido, pero nada puede detener a Kresten en un viaje que es un regreso y también una huida.
Palmarés: Premio Especial de Jurado del Festival de Berlín 1999. Bodil y Robert a Jesper Asholt al mejor actor secundario. 3 candidaturas a los Premios del Cine Europeo, incluyendo mención en mejor película.


¿Qué ha quedado del Dogma 95? Seguramente mucho más de lo que muchos analistas y críticos serían capaces de reconocer. La etiqueta caducó hace mucho tiempo, y a pesar de sus bases, resumidas en un decálogo tan cacareado como cuestionado, sigue siendo el movimiento cinematográfico más relevante de los últimos años. Nadie niega su importancia, su capacidad de transgresión y polémica (más o menos gratuíta según el espectador), y pese a todo es de justicia reconocer que parte de las bondades del Dogma no fueron méritos del sello 'dogmático': al fin y al cabo, Von Trier y compañía abanderaron un cambio latente, evidenciaron una moda silenciosa, una tendencia al cine social y un apego al nuevo formato digital que ejemplifican otras obras de finales de los 90, paralelas pero desvinculadas de la órbita Dogma.


Mifune, amparada bajo el subtítulo de Dogma 3, fue una de las grandes beneficiadas de la eclosión que tuvo el Dogma en los festivales y en las carteleras europeas. Søren Kragh-Jacobsen, a diferencia de otros cineastas del movimiento, ya contaban por aquel entonces con una carrera consolidada, más que dilatada y con repercusión internacional, pero no fue hasta Mifune cuando su nombre resonó con fuerza en los cines españoles (y, por extensión, en los de medio mundo). Debido precisamente a la difusa vinculación de Kragh-Jacobsen con los fundamentos del Dogma, Mifune fue recibida como una película más amable que Celebración y Los idiotas, los mascarones de proa de las ideas y las formas del Dogma 95, a pesar de compartir con éstas cierta tendencia al humor negro y al dibujo de una burguesía danesa asentada sobre la mentira.


El arranque de Mifune está repleto de escenas montadas con efectos anticlimáticos. Una plácida estampa nupcial queda bruscamente interrumpida por una escena de sexo salvaje (en apenas dos minutos se resume la falsedad de la clase pudiente de la Dinamarca urbana); tras ésta, sigue una llamada telefónica que dará un nuevo quiebro al relato (descubrimos que el protagonista es un arribista de origen humilde); y finalmente el personaje inicia un inesperado viaje de la ciudad al campo para reencontrarse con esa parte salvaje e instintiva que había reprimido (encarnada en el personaje del hermano, un niño grande con una discapacidad mental). El encuentro con una prostituta en busca de redención y la (otra vez) imprevista huida de la esposa mancillada (su marcha de la granja familiar es un ejemplo de comedia esperpéntica, con un pie en la provocación y otro en el ridículo) completan una historia que avanza titubeante, en consonancia con la fuerza y las contradicciones de sus personajes.


En conjunto, una película curiosísima, tal vez más accesible que sus hermanas dogmáticas, pero punzante, libre de cualquier convencionalismo. Vale la pena recuperarla: no llega a sobrepasar los límites de lo incorrecto (Los idiotas, en cambio, era un film 'de trinchera cinematográfica e incluso política'), y tal vez por eso es más fácil empatizar con sus personajes y conectar con su historia (aunque se evidencian ciertas citas a la sociedad danesa, su mensaje llega transparente y directo a todo tipo de audiencias). Pero que nadie se lleve a engaño: Mifune, pese a todo, es 'puro Dogma'. También puro cine.

Para buscadores de películas que equilibran la caricia con la bofetada.
Lo mejor: La interpretación de sus tres actores principales.
Lo peor: Algunos pasajes resultan demasiado exagerados.


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CRÍTICA | UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD (EN CHANCE TIL), de Susanne Bier

April 14, 2015, 11:31 am
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De (in)justicias y oportunidades
UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD (EN CHANCE TIL, A SECOND CHANGE), de Susanne Bier
Dinamarca, 2014. Dirección: Susanne Bier GuiÓn: Anders Thomas Jensen Fotografía: Johan Söderqvist Reparto: Nikolaj Coster-Waldau, Nikolaj Lie Kaas, Ulrich Thomsen, Maria Bonnevie, Lykke May Andersen Género: Thriller dramático Duración: 105 min. Tráiler: Link 
¿De qué va?: La vida de dos amigos policías es casi antitética. Andreas acaba de ser padre, le gusta su trabajo y tiene una mujer que le quiere. Por el contrario, Simon se acaba de divorciar de su esposa y ahoga sus penas en el alcohol. Un día, ambos compañeros deben mediar en un conflicto entre una pareja de yonquis. Al comprobar que el bebé de los jóvenes está desatendido, desnutrido y rodeado de basura, los policías reconducen el caso a servicios sociales. Con todo, un suceso inesperado hará que Simon tome una decisión inesperada. Andreas dejará de ser el policía bueno, mientras que Simon deberá esclarecer el misterio con la mayor discreción y profesionalidad posible.


El de Susanne Bier es más un cine de contrastes que de matices. En sus películas siempre colisionan dos modelos de vida, dos personajes con un bagaje muy diferente, dos cosmovisiones que, al chocar, derivan en conflicto. Podría decirse que a Bier le gusta narrar a partir de antónimos, cuanto menos de complementos, como si la cineasta danesa siempre necesitase de un elemento externo para contraponer sus premisas. De ahí que la filmografía de Bier también pueda definirse como una obra 'de tesis', empeñada en mostrarnos las desigualdades social que existen en la Europa de nuestros días. Un discurso que ya conocemos, pero que Bier defiende con una eficacia y vehemencia admirables. El nuevo resultado de esa militancia social es Una segunda oportunidad, película que pudimos disfrutar (o mejor: sufrir) en el último Festival de San Sebastián y que el pasado enero llegó a los cines daneses.


Una segunda oportunidad se acoge a la estructura habitual de las ficciones de Bier. Una pareja de drogadictos descuida a su bebé de pocas semanas. En paralelo, un policía pierde a su hijo recién nacido de forma accidental. La respuesta es extrema: el personaje rapta al pequeño de la familia contraria, dando pie a una investigación y a una doble tragedia que tomará derroteros inesperados. Bier narra su particular cuento sobre las ironías de la justicia y los constantes lazos entre el bien y el mal sirviéndose de sus constantes habituales: especial delectación por los planos descarnados (las tomas con el bebé rodeado de inmundicia logran que la platea responda con un quejido), los diálogos incómodos (todos los personaje rozan la histeria en algún momento del relato) y los azarosos mecanismos del destino (los seres del film se unen y se separan, se juntan y se repelen, según principios que el espectador nunca puede prever).


De nuevo, el conjunto vuelve a funcionar, pone contra las cuerdas el aguante y los revestimientos morales del espectador (Bier consigue que nos preguntemos qué harías nosotros en una situación como la que vemos en pantalla), y se resuelve con un sentido de la acción realmente admirable. Con todo, es imposible no tener la sensación de que Bier no sólo está filmando una cinta que ya ha rodado, sino que lo hace de una forma que, al intentar ser excesivamente naturalista, puede resultar simple y llanamente desagradable. Pero Bier nunca ha sido comedida, y a estas alturas no se le pueden pedir peras al olmo. Bier repite fórmula, pero lo hace con una notable capacidad de lucha: se nota que Bier cree en lo que hace y en lo que está contando, y los fotogramas del film, inevitablemente, se contagian de esa furia artística. Por nuestra parte, merece una segunda oportunidad en forma de nuevos visionados. Esperamos su estreno en las salas españolas.


Para amantes de las películas con encrucijada moral.
Lo mejor: Coster-Waldau y Lie Kaas, que perfectamente hubieran podido 
compartir la Concha de oro a la mejor interpretación masculina del certamen.
Lo peor: Su tendencia al tremendismo.

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Reseña de AMOR ES LO QUE NECESITAS, de Susanne Bier
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Reseña de TE QUIERO PARA SIEMPRE, de Susanne Bier


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CRÍTICA | ACCIÓN CIVIL (A CIVIL ACTION), de Steven Zaillian

April 16, 2015, 10:58 am
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El precio de la justicia
2 nominaciones a los Óscar 
ACCIÓN CIVIL (A CIVIL ACTION), de Steven Zaillian
EE. UU., 1998. Dirección: Steven Zaillian Guión: Steven Zaillian, a partir de la novela de Jonathan Harr Fotografía: Conrad L. Hall Música: Danny Elfman Reparto: John Travolta, Robert Duvall, Tony Shalhoub, William H. Macy, Zeljko Ivanek, Bruce Norris, James Gandolfini, John Lithgow, Kathleen Quinlan, Peter Jacobson, Sydney Pollack, Stephen Fry, Dan Hedaya, Paul Hewitt, Edward Herrmann, Kathy Bates Duración: 115 min. Género: Drama judicial Tráiler:LinkFecha de estreno en España: 1999
¿De qué va?: Jan Schlichtmann preside un bufete de abogados de éxito. Tras una entrevista en la radio, Schlichtmann se ve en la obligación de defender a ocho familias que alegan sufrir problemas de salud por culpa de los residuos tóxicos que dos empresas de la zona han vertido en las aguas públicas. El equipo de Schlichtmann se pone manos a la obra con la investigación, pero los estudios geológicos, el proceso de entrevistas y las complicadas relaciones con los abogados de las compañías denunciadas alargan el proceso más de lo esperado. Schlichtmann, acostumbrado a pactar con las partes implicadas antes del juicio, deberá reformular su ética y sus rutinas de trabajo. Mientras, la capacidad adquisitiva de su sello va descendiendo día a día hasta sumar una deuda imposible de afrontar.


El drama judicial es uno de los subgéneros que más ha explotado el cine estadounidense. Hollywood recurre siempre que puede a la liturgia propia del estamento judicial, seguramente porque en sus espacios y personajes queda implícita la moral de un país al que le encanta defender y cuestionar el 'american dream'. Acción civil (A Civil Action), como buena representante de su corriente cinematográfica, se inspira en un caso real y tiene su razón de ser en la contraposición de dos polos opuestos: Jan Schlichtmann (John Travolta), un abogado especializado en lesiones que se enfrenta al caso más complejo de su carrera, y Jerome Facher (Robert Duvall), un letrado que reúne toda su experiencia y malas artes para vencer a su oponente. Schlichtmann nos explica al inicio de la historia que en todo proceso judicial lo que menos importa es la víctima, y el film, en su particular lógica 'yanki-comercial', sigue el principio a rajatabla: las víctimas del caso acaban teniendo poco peso en la ficción en favor de los vericuetos juficiales de siempre (aunque, viéndolo desde otra perspectiva, esta estrategia también hace que el film rebaje sus índices de sensiblería, detalle que se agradece). La película no prescinde de ningún lugar común y nos acerca las estrategias y las penurias del 'pez pequeño' ante la misión de destapar a dos grandes corporaciones de Massachusetts acusadas de vertir residuos tóxicos en las aguas de su localidad, premisa que guarda cierto parecido con la de Erin Brockovich, estrenada un año después.  


A pesar de que el texto y el contexto resultan familiares, Acción civil (A Civil Action) se defiende con una narración eficaz, un reparto en estado de gracia (Duvall, sensacional, mereció la nominación al Óscar) y una lúcida reflexión sobre cómo la capacidad adquisitiva de unos y de otros cincela cruelmente, a golpe de talonario, un 'sense of justice' escandalosamente voluble. Aunque al principio promete una historia más cínica, y pese a desvelar sus cartas de forma más formularia que apasionada, Acción civil (A Civil Action) resulta una película inteligente, serena y creible. Un digno entretenimiento que en su día conquistó el disputado número 1 del Box Office norteamericano. Confesémoslo: nos declaramos culpables por amar la parafernalia del mal llamado 'cine de juicios'.


Para los que frecuentan films basados en hechos reales, pero con enjundia.
Lo mejor: Duvall y la escena del dólar.
Lo peor: Que no explote un personaje tan interesante como el de James Gandolfini.

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LISTA | LAS MEJORES BIZNAGAS DE ORO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

April 17, 2015, 11:34 am
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Hoy arranca la edición número 18 del Festival de Málaga, un certamen que el blog no había tenido ocasión de citar en sus casi 7 años de actividad. Saldamos la deuda con el siguiente post, un repaso a las Biznagas de oro más importantes que han desfilado por el festival, pero también una opinión personal y crítica de las luces y sobre todo de las sombras de un festival que esta primavera alcanza la mayoría de edad.
El festival nació a finales de los 90, con un panorama muy diferente al actual: el éxito del cine español de esos años, tanto en aceptación popular y taquilla como en proyección internacional, hacía pensar en Málaga como un importante escaparate de nuestras producciones (no había crisis económica, en Cannes se colaban un par de producciones propias, teníamos la nominación al Óscar casi asegurada, contábamos con una nueva generación de autores que estaba dando mucha guerra, etc.). Con todo, el certamen ha sufrido distintos problemas de indefinición: en sus primeras ediciones, el festival quiso especializarse en cine cómico, compitiendo contra el desaparecido Festival de Peñíscola, y finalmente se ha convertido en un gran 'stock' de óperas primas. En este sentido, cabe apuntar que el festival, si bien ha crecido como referente mediático, no ha hecho lo propio a nivel artístico: sus secciones, oficiales y paralelas, distan de ser coherentes, de tener una mínima definición, seguramente porque están demasiado supeditadas a la producción anual de un cine, el nuestro, que a veces no puede o no quiere tocar todos los palos (temáticos, estilísticos, etc.). Pensémoslo bien: ¿cómo puede una 'mostra' cinematográfica ofrecer apartados especializados para el cine de animación o el documental español o hispano si en muchísimas ocasiones a duras penas se llega a tener en cartera a un par o tres de films que puedan amoldarse a dicha tipología?

La primera noche de mi vida, la ganadora del primer Festival de Málaga.
Ahora bien: parte de ese problema no es sólo responsabilidad directa del equipo malagueño. En el mercado primaveral, el cine español suele vivir momentos de cierta inactividad. Tradicionalmente, en España se ha rodado en verano y se ha estrenado en otoño-invierno, coincidiendo con la llegada a las salas de los títulos extranjeros de éxito (no norteamericanos, casi siempre venidos de algún gran festival). El esquema está tan marcado y viene de tan lejos que Málaga, por una cuestión lógica de calendario, difícilmente puede amoldarse a esa convención: las películas españolas potentes no pueden cursar en el festival porque todavía no están terminadas, y la abultada oferta de festivales locales y foráneos resulta demasiado tentadora para distribuidores, directores y productores (con Sevilla pisándole los talones como referente andaluz, y con San Sebastián convertido en gran bastión del cine 'made in Spain'). El éxito reciente durante el primer trimestre de Ocho apellidos vascoso Perdiendo el norte, así como el recuerdo de otros bombazos no tan pretéritos (el primer Torrente se estrenó en fechas primaverales), debería ayudar a reorganizar las piezas del tablero, pero somos animales de costumbres: si en dieciocho años no se ha producido el cambio, parece imposible lograrlo a estas alturas.
Málaga sí ha conseguido imponerse como punto de encuentro: de hecho, es uno de los certámenes en los que se produce mayor conexión entre público y actores, con las obvias repercusiones económicas que tiene el festival para la ciudad. Lástima que esa reunión no congregue a todos los sectores de la industria: da la sensación de que Málaga simplemente proyecta films, pero no trabaja para convertirse en trampolín comercial de dichos títulos (año a año, la lista de películas con presencia en el festival que posteriormente desaparecen por el camino, sin apenas contar con un estreno mínimamente digno, debería encender todas las alarmas). Tampoco ayuda la escasa repercusión del festival, ya no a nivel internacional (cuyo peso es, directamente, inexistente), sino a nivel local: el ente público emite y promociona los principales actos de certámenes como los de Donosti, Valladolid o Gijón, pero Málaga siempre ha ido por libre, de forma que los que no son cinéfilos, a pesar de seguir día a día la crónica cultural del país, a duras penas conocerán las películas a concurso, sus responsables y sus fechas de lanzamiento.

Los León, habituales en Málaga.
Porque, al final, cuando hablamos de festivales, podría decirse aquello de 'por sus palmarés los conoceréis'. Y en ese aspecto, Málaga tiene muchas asignaturas pendientes. Los errores en las premiaciones son varios y obedecen a criterios enteramente personales (aprovecho para citar cuatro ejemplos): en el año 2000, Sexo por compasión se impuso inexplicablemente a Leoy Krámpack; en el 2006, Los aires difíciles ganó injustamente a Azul oscuro casi negro; en 2010, la olvidada Rabia encontró espacio en el podio en detrimento de Planes para mañana, Heroiso Bon Appétit; y recientemente, en 2013, la segunda biznaga para Querejeta con motivo de sus 15 años y un díadejó sin el principal reconocimiento a Stockholm, la sensación de su edición). Con todo, los errores 'malagueños' van más allá: el más grave, la entrega de premios a los mejores actores secundarios con una sección de films a concurso tan reducida (¿alguien ha ido al cine porque el film en cuestión ganó en Málaga? Mejor no contestar). Además, si pensamos en los escasísimos títulos venidos del festival mediterráneo que luego tienen presencia en los Goya nos daremos cuenta que el festival dista de tener el peso deseable incluso entre los sectores académicos.
Pero que todo lo anterior no suene a mera concatenación de errores... Indudablemente, queremos que Málaga brille año tras año por el bien de nuestro cine. El festival tuvo un momento dulce hace una década, y en la actualidad, el surgimiento de nuevos autores y la democratización artística producida por el crowdfunding y paralelos hace pensar en Málaga como el epicentro perfecto para que muchos nombres puedan afianzarse en el competido panorama cinematográfico. Los descubrimientos recientes de Stockholm o Todos están muertos hacen pensar en esa nueva vía. Pero... ¿se atreverán a ir a Málaga esos mismos directores cuando ya estén mínimamente consolidados? La respuesta, dentro de 18 años. De momento, celebramos el arranque de una nueva edición y deseamos toda la suerte del mundo a sus responsables. Estaremos atentos a todo lo que dé de sí la sección oficial.

18 AÑOS DEL FESTIVAL DE MÁLAGA:
LAS BIZNAGAS DE ORO MÁS DESTACADAS


8. LA VERGÜENZA, de David Planell (2009)
Planell, hasta ese momento un gran cortometrajista, sorprendió a todos con un drama descarnado que puso sobre la mesa los aspectos menos amables de la paternidad y el sistema de adopciones. La vergüenzatuvo poquísima repercusión en salas, pero merece figurar en la lista de las ganadoras más destacadas. Ese año, Fuga de cerebros se puso al público en el bolsillo, Pagafantasse convirtió de inmediato en título de culto y Tres dies amb la famíliafue la mejor obra en liza (acaparó casi todo el palmarés).


7. ELS NENS SALVATGES, de Patricia Ferreira (2012)
Ferreira ofreció en Els nens salvatgesuna estimable acercación a los conflictos y a las pulsiones de la adolescencia. Film con grandes interpretaciones y un pulso narrativo notable que en seguida se convirtió en el favorito de los presentes en Málaga. Carmina o revientafue el boom del 2012, A puerta fríatambién destacó y El apóstolse convirtió en una de las apuestas más arriesgadas de la historia del festival.


6. TORREMOLINOS 73, de Pablo Berger (2003)
Antes de que Berger pasara a la historia como el firmante de la rotunda Blancanieves, el director defendió Torremolinos 73 en un certamen que aplaudió el medido ejercicio de comedia ligera y revival estético. Cámara y Peña fueron los protagonistas de ese año, y la taquilla no fue del todo mala. Curiosamente, Planta cuarta, bombazo posterior en la cartelera otoñal, pasó desapercibida. Lo mismo ocurrió con La vida mancha, una gran película que no nos cansamos de reivindicar.


5. 10.000 KM., de Carlos Marqués-Marcet (2014)
Victoria indiscutible para Marqués-Marcet con su (des)amor informático. 10.000 Km.fue y sigue siendo una de las películas más carismáticas de los últimos años. Carmina y amény Kamikaze gustaron al público (luego, en su lanzamiento en salas, tuvieron éxitos moderados), y Todos están muertoslogró sobrevivir a la disputada temporada de premios. El posible patrón de las 'biznagas pequeñas, arriesgadas y originales' que nos puede deparar el futuro.


4. BAJO LAS ESTRELLAS, de Félix Viscarret (2007)
Otra ópera prima en la lista. Bajo las estrellas nos encanta, y fue con diferencia la mejor propuesta de su año. Tras ella, Ladrones, Concursante y Pudordibujaron una sección más interesante de lo habitual. La chispa de San Juan fue la reina absoluta del 2007. ¿No merecía figurar en el Un certain regard de Cannes? De largo...


3. EL OTRO LADO DE LA CAMA, de Emilio Martínez-Lázaro (2002)
El éxito de taquilla más destacado en toda la historia de Málaga. Tuvo que venir un clásico de la risa ibérica, Martínez-Lázaro, para dar al certamen andaluz su película más emblemática. Musical generacional y vodevilesco que tuvo una segunda parte y un genial 'spin off' (Días de fútbol). Smoking Room y El alquimista impaciente se proyectaron ese mismo año.


2. TAPAS, de José Corbacho y Juan Cruz (2005)
De Corbacho, hasta entonces un humorista muy querido, se podía esperar cualquier cosa. Tapas rompió todas las expectativas (para bien). Tragicomedia costumbrista, con un gran reparto y un medido sentido del humor. En los cines funcionó a las mil maravillas, ganó dos Goyas y sigue reuniendo a muchos fans con cada reposición televisiva. A mucha distancia, 20 cm., El calentitoy Heroína marcaron el pulso malagueño de ese 2005.


1. HÉCTOR, de Gracia Querejeta (2004)
Admite debate, pero para el que escribe sigue siendo la mejor película de Gracia Querejeta. Mar adentro, cual marea, no dejó espacio para nadie (14 Goyas de 15 nominaciones), pero ese 2004 se recordará como una de las cosechas más notables y variadas del cine español. Con Héctor, Málaga daba cobertura a uno de los mejores trabajos de la temporada. En la sección oficial también figuraron Incautos, Cosas que hacen que la vida valga la pena y León y olvido entre otras.

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CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 4

April 19, 2015, 10:38 am
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Ya llegamos al cuarto post especial con las películas que conformarán la Sección Oficial del certamen. La semana que viene llegaremos al ecuador del total. De momento, os ofrecemos la lista de categorías de cinco nuevos títulos. ¡Esperamos vuestras quinielas, For Your Consideration y comentarios! Y como siempre, la actualidad del Cinoscar Summer Festival la podréis encontrar en nuestro grupo oficial de Facebook.


FILM 16: RÉQUIEM POR UN SUEÑO, de Darren Aronofsky
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Darren Aronofsky 3. ACTRIZ PROTAGONISTA: Ellen Burstyn 4. ACTOR PROTAGONISTA: Jared Leto 5. ACTRIZ SECUNDARIA: Jennifer Connelly 6. ACTOR SECUNDARIO: Marlon Wayans 7. ACTOR SECUNDARIO: Keith David 8. REPARTO 9. GUION ADAPTADO: Darren Aronofsky y Hubert Selby Jr. 10. MÚSICA ORIGINAL: Clint Mansell 11. FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique 12. VESTUARIO: Laura Jean Shannon 13. MONTAJE: Jay Rabinowitz 14. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: James Chinlund


FILM 17: SNOWPIERCER (ROMPENIEVES), de Bong Joon-ho
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Bong Joon-ho 3. ACTOR PROTAGONISTA: Chris Evans 4. ACTOR SECUNDARIO: Jamie Bell 5. ACTOR SECUNDARIO: John Hurt 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Tilda Swinton 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Octavia Spencer 8. REPARTO 9. GUION ADAPTADO: Bong Joon-ho y Kelly Masterson 10. MÚSICA ORIGINAL: Marco Beltrami 11. FOTOGRAFÍA: Kyung-Pyo Hong 12. VESTUARIO: Catherine George 13. MONTAJE: Steve M. Choe y Changju Kim 14. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA. 17. CANCIÓN: Midnight, the Stars And You


FILM 18: THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW, de Jim Sharman
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Jim Sharman 3. ACTOR PROTAGONISTA: Tim Curry 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Susan Sarandon 5. ACTOR SECUNDARIO: Richard O’Brien 6. ACTOR SECUNDARIO: Barry Bostwick 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Patricia Quinn 8. ACTRIZ SECUNDARIA: Nell Campbell 9. REPARTO 10. BANDA SONORA ADAPTADA: Richard O'Brien 11. GUION ADAPTADO: Jim Sharman & Richard O'Brien 12. FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky 13. VESTUARIO: Sue Blane 14. MONTAJE: Graeme Clifford 15. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 16. EFECTOS ESPECIALES: Colin Chilvers, Wally Veevers & Roy Spencer 17. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: John Comfort 18. CANCIÓN: Sweet Transvestite


FILM 19: LOS PECES ROJOS, de José Antonio Nieves Conde
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: José Antonio Nieves Conde 3. ACTOR PROTAGONISTA: Arturo de Córdova 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Emma Penella 5. ACTRIZ SECUNDARIA: Pilar Soler 6. REPARTO 7. BANDA SONORA ORIGINAL: Miguel Asins Arbó 8. GUION ORIGINAL: Carlos Blanco 9. FOTOGRAFÍA: Francisco Sempere 10. VESTUARIO: VV. AA. 11. MONTAJE: Margarita de Ochoa 12. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Carmen Sánchez, Carmen Torres y José María Sánchez 13. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 14. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Rafael Carrillo


FILM 20: IL GIOIELLINO (THE JEWEL), de Andrea Molaioli
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Andrea Molaioli, Ludovica Rampoldi, Gabriele Romagnoli 3. ACTOR PROTAGONISTA: Toni Servillo 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Sarah Felberbaum 5. REPARTO 6. BANDA SONORA ORIGINAL: Teho Teardo 7. GUION ORIGINAL: Andrea Molaioli 8. FOTOGRAFÍA: Luca Bigazzi 9. VESTUARIO: Rossano Marchi y Gabriella Pescucci 10. MONTAJE: Giogiò Franchini 11. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 12. EFECTOS ESPECIALES: Luca Ricci 13. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Alessandra Mura

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2º FILM DEL JURADO


Esta semana, os desvelamos el film que ha elegido nuestro compañero y miembro del jurado Daniel Bermeo. La película tendrá un post especial y concurrirá fuera de concurso. Se trata de la Palma de oro Cuando pasan las cigüeñas, dirigida por Mikhail Kalatozov. Una visión de la Segunda Guerra Mundial que os sorprenderá. La semana que viene, ¡desvelaremos más títulos!
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SEMANARIO 84: LOS POSTS DE LA SEMANA

April 20, 2015, 12:06 pm
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¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


Estreno: Reseña de CITIZENFOUR, de Laura Poitras
Estreno: Reseña de EL CAPITAL HUMANO, de Paolo Virzì
Estreno: Reseña de HIPÓCRATES, de Thomas Lilti
Estreno: Reseña de UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD, de Susanne Bier

Cine español: Reseña de EL BESO DEL SUEÑO, de Rafael Moreno Alba
Cine español: Reseña de BÁILAME EL AGUA, de Josetxo San Mateo
Cine español: LAS MEJORES BIZNAGAS DE ORO DEL FESTIVAL DE MÁLAGA

Cine de los 90: Reseña de ACCIÓN CIVIL (A CIVIL ACTION), de Steven Zaillian
Cine de los 90: Reseña de FREEWAY (SIN SALIDA), de Matthew Bright
Cine de los 90: Reseña de MIFUNE, de Søren Kragh-Jacobsen

Cinoscar Summer Festival 3:Sección oficial, Parte 2
Cinoscar Summer Festival 3:Sección oficial, Parte 3
Cinoscar Summer Festival 3:Sección oficial, Parte 4
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CRÍTICA | HAEMOO (HAEMU, SEA FOG), de Shim Sung-bo

April 21, 2015, 11:16 am
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Locura en alta mar
HAEMOO (HAEMU, SEA FOG), de Shim Sung-Bo
Festival de San Sebastián 2014: Sección oficial a concurso
Corea del sur, 2014. Dirección: Shim Sung-Bo Guion: Shim Sung-Bo y Bong Joon-Ho Fotografía: Kyung-pyo Hong Reparto: Kim Yun-Seok, Park Yoo-Chun, Han Ye-Ri, Lee Hee-Joon, Moon Sung-Geun, Kim Sang-Ho, Yoo Seung-Mok, Jung In-Gi, Lee Suk, Jung Dae-Yong Fotografía: Drama. Thriller psicológico Duración: 110 min. Tráiler:Link
¿De qué va?: El Capitán Kang sale a navegar junto a su tripulación en busca de pescado. Cada día la pesca es menor, el precio en lonja también baja, y su barco se cae a trozos tras tantos años de actividad. La situación de Kang es extrema, por lo que decide recurrir a una medida igual de radical: a cambio de una cuantiosa suma de dinero, introducirá en el puerto a inmigrantes sin papeles. Los compañeros de Kang acatan la decisión del capitán, pero no son conscientes que el plan será el inicio de una catástrofe que afectará a todos.


Haemoo fue una de las películas más polémicas de la sección oficial del pasado Festival de San Sebastián. El film registró todo tipo de comentarios, desde los que consideraban que el film era brutal y enérgico a aquellos que lo despachaban como mera violencia gratuita. La división de opiniones va en paralelo a una historia que también se escinde en dos partes muy diferentes. En su arranque, el film nos cuenta las vicisitudes del patrón de un barco pesquero que, acuciado por las deudas, accede a transportar inmigrantes ilegales en las bodegas de su desvencijada embarcación. El segundo tramo rompe con el tono social del inicio y vira el timón hacia el thriller exacerbado: un incidente rompe la estabilidad entre los recién llegados y los marinos, dando pie a un atrincheramiento extremo y a una histeria colectiva en alta mar que pronto acaba derivando en un reguero de sangre. Tanto en su tiempo comedido como en su tramo más 'gore', Sung-bo intenta radiografiar las consecuencias del capitalismo en una historia que incide en la diferencia de clases y la precariedad laboral. Las intenciones son evidentes y el mensaje se agradece, pero la película acaba descompensándose, como si quisiera ensamblar de forma torpona dos films de tonos, formas y públicos muy diferentes. Haemoo cae víctima de la afectación típicamente asiática por coreografiar hasta la extenuación las escenas más desagradables, dato que choca con los silencios y la economía de medios que preside la película en su primera hora. Singular, con un pie en el cine social y otro en el espectáculo típicamente'sitgense', a riesgo de no convencer ni a unos ni a otros. Eso es justamente lo que le ocurrió a este blog en Donostia: ni mucho ni muy poco, ni excelente ni enteramente desechable, ni fu ni fa. El jurado sancionó esa medianía e indecisión dejando al film fuera del palmarés, pero no descarten la posibilidad de que Haemoo, en su apuesta por recrudecer y retorceder minuto a minuto su premisa, pueda llevar a muchos a la catarsis.


Para amantes de las películas bipolares.
Lo mejor: Consigue que en muchos momentos 
el espectador no dé crédito a lo que está viendo.
Lo peor: Le sobra metraje por proa y por popa.


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CINE ESPAÑOL | ¿TÚ QUÉ HARÍAS POR AMOR?, de Saura Medrano

April 25, 2015, 11:30 am
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Amor de barriada
¿TÚ QUÉ HARÍAS POR AMOR?, de Saura Medrano
España, 2000. Dirección: Saura Medrano Guión: Antón Casariego, Martín Casariego, Nicolás Casariego y Saura Medrano Fotografía: José Luis López Linares Música: Carlo Siliotto Reparto: Fele Martínez, Silke, Patxi Freytez, Aitor Merino, Francisco Rabal, Geraldine Chaplin, Alberto Escobar Género: Romance, cine social Duración: 95 min.
¿De qué va?: Es verano en un barrio del extrarradio madrileño. Una noche, Santos muere en una reyerta. Luis conoce la verdad del suceso, pero decide no contar ningún detalle a Sira, hermana de Santos y su novia. Luis decide cambiar de vida y distanciarse de sus círculos de amistades. Pero todo ello será más difícil de lo que esperaba: Milo, su hermano pequeño, empieza a introducirse en la vorágine de destrucción que él mismo, años atrás, sufrió como adolescente. Una historia de amor, amistad, fraternidad y amor.


Reseña: En la misma barriada donde Carlos Saura situaba a los perdidos adolescentes de Deprisa, deprisa, su hijo, dieciocho años más tarde, y hasta ese momento ayudante de dirección de los largometrajes de su padre, escribió la acción de su ópera prima ¿Tú qué harías por amor?, protagonizada por los actores jóvenes del momento (Silke y Fele Martínez) y con intervenciones de veteranos 'marca de la casa Saura' (Geraldine Chaplin, Asunción Balaguer y Paco Rabal en uno de sus últimos papeles). ¿Tú qué harías por amor? traslada e incluso adapta el cine social de antaño a la juventud de finales de los 90: las pandillas, los problemas con las drogas, los amores adolescentes, la problemática vida en la calle, la inmigración, los bares y la poca atención de padres e instituciones siguen siendo el contexto de base (luego vendrían retratos más atinados como El bola). Con todo, el hijo dista de tener la mano firme del padre: ¿Tú qué harías por amor? tiene frescura y espontaneidad, aunque sus personajes obedecen a prototipos muy básicos. La película queda como una buena obra de juventud, con el ímpetu de la adolescencia pero sin la capacidad de profundización que requiere el cine social. La película tuvo un impacto muy escaso en su momento y hay muchísimos títulos de corte similar que están mejor resueltos, pero por sus buenas intenciones y por la energía que irradia vale la pena rescatarla. Lástima que la carrera de Saura Medrano como director no haya tenido continuidad, al igual que la carrera de Silke, en su momento un referente juvenil del cine español de los 90.


Para nostálgicos del cine español 'teen' de los 90.
Lo mejor: Fele Martínez y la escena del karaoke.
Lo peor: Algún que otro diálogo encorsetado.


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CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 5

April 26, 2015, 11:15 am
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Ya conocemos los primeros 25 largometrajes a concurso del Cinoscar Summer Festival. Día a día la lista de films se amplía y parece que hay muchos favoritos entre los concursantes. En el post de este domingo sumamos 5 títulos con muchísimo potencial para figurar entre las elecciones de jurado y público. Cine clásico, cine contemporáneo, obras de culto...

 
FILM 21: JUNEBUG, de Phil Morrison
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Phil Morrison 3. ACTOR PROTAGONISTA: Alessandro Nivola 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Embeth Davidtz 5. ACTOR SECUNDARIO: Ben McKenzie 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Amy Adams 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Celia Weston 8. REPARTO 9. BANDA SONORA ADAPTADA: Yo la tengo y VV. AA. 10. GUION ORIGINAL: Angus MacLachlan 11. FOTOGRAFÍA: Peter Donahue 12. VESTUARIO: Danielle Kays 13. MONTAJE: Joe Klotz 14. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: Brian Scott Benson 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: David Doernberg 17. CANCIÓN: Harmour Love


FILM 22: LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, 
de Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood 3. ACTOR PROTAGONISTA: Clark Gable 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Vivien Leigh 5. ACTRIZ SECUNDARIA: Hattie McDaniel 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Olivia de Havilland 7. REPARTO 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Max Steiner 9. GUION ADAPTADO: Sidney Howard 10. FOTOGRAFÍA: Ernest Haller y Ray Rennahan 11. VESTUARIO: Walter Plunkett 12. MONTAJE: Hal C. Kern y James E. Newcom 13. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV.AA. 14. EFECTOS ESPECIALES: Jack Cosgrove, Fred Albin, Arthur Johns 15. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: William Cameron Menzies


FILM 23: LA VIDA DE BRIAN, de Terry Jones
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Terry Jones 3. ACTOR PROTAGONISTA: Graham Chapman 4. ACTOR PROTAGONISTA: John Cleese 5. REPARTO 6. BANDA SONORA ORIGINAL: Geoffrey Burgon 7. BANDA SONORA ADAPTADA: VV. AA. 8. GUION ORIGINAL: Terry Gilliam, John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle, Terry Jones 9. FOTOGRAFÍA: Peter Biziou 10. VESTUARIO: Charles Knode y Hazel Pethig 11. MONTAJE: Julian Doyle 12. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 13. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 14. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA. 15. CANCIÓN: Always Look On The Bright Side of Life


FILM 24: LA CALUMNIA, de William Wyler
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: William Wyler 3. ACTOR SECUNDARIO: James Garner 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Audrey Hepburn 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Shirley MacLaine 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Fay Bainter 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Karen Balkin 8. REPARTO 9. BANDA SONORA ORIGINAL: Alex North 10. GUION ADAPTADO: Lillian Hellman 11. FOTOGRAFÍA: Franz Planer 12. VESTUARIO: Dorothy Jeakins 13. MONTAJE: Robert Swink 14. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA.


FILM 25: CUBE, de Vincenzo Natali
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Vincenzo Natali 3. ACTOR PROTAGONISTA: Maurice Dean Witt 4. ACTOR PROTAGONISTA: David Hewlett 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Nicky Guadagni 6. ACTRIZ PROTAGONISTA: Nicole de Boer 7. ACTOR SECUNDARIO: Andrew Miller 8. REPARTO 9. BANDA SONORA ORIGINAL: Mark Korven 10. GUION ORIGINAL: Vincenzo Natali, André Bijelic, Graeme Manson 11. FOTOGRAFÍA: Derek Rogers 12. VESTUARIO: Wendy May Moore 13. MONTAJE: John Sanders 14. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Jasna Stefanovic

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Esta semana toca desvelar el film que este blog eligió como 'film del jurado'. Se trata de una película clave del cine español, reivindicada con el paso de los años y convertida en todo un fetiche y una referencia para varias generaciones de cinéfilos. Una película 'maldita', tanto por su oscura temática como por la poca fortuna, personal y profesional, de la que gozó su artífice, Iván Zulueta. Un film del que se cumplen 35 años de su estreno en el Festival de San Sebastián y que no podría estar de más actualidad, ya que películas como Magical Girl y gran parte de los nuevos autores del cine local demuestran tenerla como un referente ético y estético. Porque... ¿qué es el cine sino puro arrebato? Arrebato, junto a Cuando pasan las cigüeñas y Nostalgia, forman los Films del jurado de esta edición. ¡Y quedan 2 films más por desvelar! La próxima semana, abrimos el sobre del cuarto nombre. 
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CRÍTICA | VIDA SALVAJE (VIE SAUVAGE), de Cédric Kahn

April 27, 2015, 12:09 pm
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Vivir y educar
VIDA SALVAJE (WILD LIFE, VIE SAUVAGE), de Cédric Kahn
Festival de San Sebastián 2014: Premio especial del jurado
Francia, 2014. Dirección: Cédric Kahn Guión: Cédric Kahn y Nathalie Najem Fotografía: Yves Cape Música: Mathias Duplessy Reparto: Mathieu Kassovitz, Céline Sallette, David Gastou, Jenna Thiam, Romain Depret, Sofiane Neveu, Jules Rittmanic Género: Drama Duración: 100 min. Tráiler:Link
¿De qué va?: Inspirada en un caso real sucedido en Francia. Philippe Fournier, tras separarse de su esposa, pierde por fallo judicial la custodia de sus dos hijos. Un día, el hombre decide imponer sus normas de forma expeditiva: rapta a los pequeños, los esconde en un bosque y los educa durante una década en una comunidad nómada y autosuficiente que se autoabastece con sus propios cultivos y animales. En paralelo, la madre emprende una lucha infatigable por recuperar a sus pequeños. El reencuentro se produce años después de la manera más insospechada.


El discurso de los nuevos modelos pedagógicos está de plena actualidad. Vida salvaje es una interesante propuesta que ayuda a incentivar todavía más el debate, y su propuesta entronca con otra crónica familiar al límite de reciente estreno: la italiana El país de las maravillas. Un padre decide educar a sus pequeños lejos de la civilización, en un estado salvaje y nómada, en total comunión con la naturaleza y prescindiendo de cualquier recurso tecnológico. Una vida al margen de la ley que abre distintas diatribas morales: ¿hasta qué punto el padre libera o ata a sus hijos a un modo de vida poco convencional? ¿hasta qué punto esos chavales, con el paso de los años, demandarán otro modelo vital y afectivo? ¿cuál es realmente la vida salvaje a la que apela el título: el cosmos austero que impone el padre o el mundo urbano que discurre a pocos kilómetros del poblado donde están asentados los personajes?


Por desgracia, Kahn no profundiza en todas esas cuestiones, y no lo hace porque todo ello queda enmarcado en un problema mayor: las tensiones entre el padre y la madre, las dos partes que se debaten la custodia de los pequeños. En este sentido, Vida salvaje se empeña en demostrarnos que ante un proceso de separación los hijos siempre son las grandes víctimas. Mientras el padre sigue empecinado en llevar hasta sus últimas consecuencias sus ideales (al inicio del film 'rapta', literalmente, a los pequeños, dando pie a un conflicto legal que el film recoge de forma más formularia que estimulante), la madre, que en un pasado participó de la libertad y del libertinaje del referente masculino, lucha por llevar una vida normal, por conservar su casa y trabajo, y por lo tanto por darles a sus retoños todo lo que se le supone a 'una buena madre'. De nuevo, cuestiones que reverberan en la conciencia del espectador en forma de grandes interrogantes: ¿qué vida llevamos? ¿hacia dónde nos llevará esa opción de vida? ¿qué ganamos o perdemos en ese camino de crecimiento, exploración y confrontación?


En resumen, Vida salvaje convence por su rico entramado de ideas, aunque, como sucede en gran parte del cine supuestamente comprometido, su mensaje acaba resultando más complejo que sus virtudes artísticas. Kahn apela en demasiadas ocasiones al culebrón familiar y en otras copia modelos formales que subrayan la escasa personalidad del conjunto (véase la carrera de la madre en la desasosegante escena inicial, filmada cual título de vinculación dardeniana); y en el otro lado de la balanza, la ambigüedad de sus protagonistas (el film nunca habla de buenos ni de malos, sino de seres atados a unas creencias y circunstancias) garantizan una fructífera sesión paralela de aquello que antes se llamaba 'cinefórum'. Carne de festival, pero también de ciudadanos atentos y de cinéfilos abiertos de miras. Ahora bien: su capacidad de reflexión y de emoción dependerá de la voluntad del espectador por perdonar las imperfecciones técnicas y narrativas del film. En San Sebastián la balanza se decantó a favor de Kahn. ¿Qué interpretaciones u opiniones despertará el film en públicos ajenos a las órbitas festivaleras? La respuesta, cuando algún distribuidor sensato se digne a estrenarla en España.

Para amantes de las películas con dilema moral.
Lo mejor: Las posibilidades de su premisa.
Lo peor: La sensiblería que destila su último tramo.


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CRÍTICA | FÉLIX Y MEIRA (FÉLIX & MEIRA), de Maxime Giroux

April 28, 2015, 12:04 pm
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FÉLIX Y MEIRA (FÉLIX & MEIRA, FÉLIX ET MEIRA), de Maxime Giroux
Festival de San Sebastián 2014: Sección oficial a concurso
Canadá, 2014. Dirección: Maxime Giroux Guión: Maxime Giroux y Alexandre Laferrière Fotografía: Sara Mishara Música: Olivier Alary Reparto: Martin Dubreuil, Hadas Yaron, Luzer Twersky, Melissa Weisz, Benoît Girard, Anne-Elisabeth Bossém Género: Drama romántico Duración: 105 min. Tráiler:Link 
¿De qué va?: Félix ronda los cuarenta años. Sin trabajo estable, su vida consiste en esperar la herencia de su padre, un anciano aquejado de una grave enfermedad. Meira es una judía jasídica que sigue a rajatabla los principios de su religión. No puede mirar o tocar a hombres que no sean su marido, no puede escuchar música y debe seguir unos horarios muy restrictivos. Félix y Meira no comparten nada, nunca deberían encontrarse... pero un día coinciden, y la vida de él y de ella cambia radicalmente.


En su pase donostiarra, la historia de amor que propone Félix et Meira dejó bastante fríos a los presentes. Meses después, con la película digerida y la objetividad que da el paso del tiempo, nos atrevemos a reseñar el film de Giroux; y puestos a empezar, hay que dejar clara una cuestión: ese romance no convenció porque la película, a pesar de lo que podría parecer, dista de ser una historia de amor. La confusión, con todo, es plausible, ya que el film apela a esquemas propios del cine rosa. Nos explicamos.

Félix, un hombre solitario que dista de estar asentado familiar, laboral y emocionalmente, se encuentra con Méira, una mujer que se encuentra en una encrucijada vital paralela, en su caso derivada por las tensiones entre sus ansias de libertad y la estricta moral religiosa que impera en su núcleo familiar. Ambos personajes encuentran en 'el otro' una posibilidad de escapar, de quebrar dos existencias que hasta ese momento habían discurrido en la monotonía más absoluta. Giroux introduce poco a poco al espectador en el clásico cruce de miradas y en los encuentros furtivos de dos enamorados, si bien las diferencias culturales y las distintas realidades de los personajes planean durante todo el metraje como barreras difíciles de superar.  


Félix et Meira, llegado a un punto clave de su metraje, tiene dos opciones: zambullirse en su apuesta romántica u optar por el camino más pesimista, a pesar de ser también el más realista. Giroux opta por un término medio y cierra la trama en un simbólico viaje a Venecia. ¿Medianía, indecisión? Para nada. Giroux opta por la resolución más triste. Un nuevo quiebro que obliga al espectador a reformular todo el metraje.  

Félix et Meira, en todos sus matices y giros, termina siendo una demostración de cómo los seres humanos reflejamos nuestros miedos e inseguridades en referentes cercanos, y a la vez una prueba de que una relación no puede sustentarse en las carencias que se tapan (él y ella, juntos, consiguen esquivar sus problemas personales), sino en una verdadera voluntad por construir una opción de vida conjunta. Bien pensado, lo que propone Giroux dista de ser una cuestión banal: nos dice de forma subrepticia que en un mundo globalizado, masificado, tecnológico y heterogéneo como el nuestro es muy difícil encontrar esa 'alma gemela' a la que apela gran parte del cine contemporáneo. El reto está en hacer de las diferencias una fuente de compromiso, un verdadero puente de convivencia. Ese es precisamente el principal escollo que tienen que hacer frente sus alicaídos personajes tras el fundido a negro de la película.

El film deja a los personajes a la deriva (mecidos, simbólicamente, por una góndola), a la espera de que decidan de una vez por todas hacerse con el remo de sus vidas. Un final abierto que queda a la libre interpretación del espectador. Una historia triste que se diría errática, dubitativa, desvalida... y pese a tratarse de adjetivos que describen de forma bastante ajustada el film, reconozco que Félix et Meira, en sus tonos grises, me resulta muchísimo más interesante que las propuestas que llenan las carteleras a día de hoy. Contra más la recuerdo, más me gusta.


Para románticos pesimistas.
Lo mejor: La complicidad de sus dos actores.
Lo peor: La altruista decisión del marido de Meira no resulta creible.


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CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 6

April 29, 2015, 10:12 am
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El Cinoscar Summer Festival va cobrando forma. A día de hoy conocemos 30 títulos a concurso, y por delante nos queda desvelar los últimos 12 largos a concurso más los 17 largometraje trabajos fuera de concurso. A la lista se suma una cinta española mítica, dos dramas históricos muy diferentes pero con la coincidencia de haber aspirado al Óscar en los años 60, un drama con la estatuilla en el palmarés y con la Guerra de Vietnam como trasfondo, y una de las obras de animación más icónicas de la década anterior. Selección variadísima:


FILM 26: SOLAS, de Benito Zambrano
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Benito Zambrano 3. ACTOR PROTAGONISTA: Carlos Álvarez Novoa 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Ana Fernández 5. ACTOR SECUNDARIO: Juan Fernández 6. ACTRIZ SECUNDARIA: María Galiana 7. REPARTO 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Antonio Meliveo 9. GUION ORIGINAL: Benito Zambrano 10. FOTOGRAFÍA: Tote Trenas 11. VESTUARIO: Rocío Mayoral, Maite Murillo y Concha Rodríguez 12. MONTAJE: Fernando Pardo 13. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Paca Almenara y Mayte Linares 14. EFECTOS ESPECIALES: Pau Costa 15. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Lala Obrero 16. CANCIÓN: Woman


FILM 27: EL LEÓN EN INVIERNO, de Anthony Harvey
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Anthony Harvey 3. ACTOR PROTAGONISTA: Peter O’Toole 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Katharine Hepburn 5. ACTOR SECUNDARIO: Anthony Hopkins 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Jane Merrow 7. REPARTO 8. BANDA SONORA ORIGINAL: John Barry 9. GUION ADAPTADO: James Goldman 10. FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe 11. VESTUARIO: Margaret Furse 12. MONTAJE: John Bloom 13. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Bill Lodge y A. G. Scott 14. EFECTOS ESPECIALES: Wally Armitage y Garth Inns 15. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Joseph E. Levine, Jane C. Nusbaum, Martin Poll


FILM 28: EL CAZADOR (THE DEER HUNTER), de Michael Cimino
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Michael Cimino 3. ACTOR PROTAGONISTA: Robert de Niro 4. ACTOR SECUNDARIO: Christopher Walken 5. ACTOR SECUNDARIO: John Savage 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Meryl Streep 7. REPARTO 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Stanley Myers 9. BANDA SONORA ADAPTADA: VV. AA. 10. GUION ADAPTADO: Deric Washburn 11. FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond 12. VESTUARIO: VV. AA. 13. MONTAJE: Peter Zinner 14. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA. 17. CANCIÓN: Can’t Take My Eyes Off You


FILM 29: EL CASTILLO AMBULANTE, de Hayao Miyasaki
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Hayao Miyasaki 3. BANDA SONORA ORIGINAL: Joe Hisaishi 4. GUION ADAPTADO: Hayao Miyasaki 5. FOTOGRAFÍA: Atsushi Okui 6. MONTAJE: Takeshi Seyama 7. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 8. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA.


FILM 30: ¿VENCEDORES O VENCIDOS? EL JUICIO DE NUREMBERG, 
de Stanley Kramer
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Stanley Kramer 3. ACTOR PROTAGONISTA: Maximilian Schell 4. ACTOR PROTAGONISTA: Spencer Tracy 5. ACTOR SECUNDARIO: Montgomery Clift 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Judy Garland 7. REPARTO 8. GUION ADAPTADO: Abby Mann 9. BANDA SONORA ORIGINAL: Ernest Gold 10. FOTOGRAFÍA: Ernest Laszlo 11. VESTUARIO: Jean Louis 12. MONTAJE: Frederic Knudtson 13. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: Robert J. Schiffer 14. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 15. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Rudolph Sternad

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El cuarto Film de Jurado viene de la mano de Miguel Calvo. ¿Echábais de menos más cine francés en el certamen? Problema resuelto. La atractiva Brigitte Bardot y uno de los títulos más importantes de la Nouvelle Vague pisarán nuestra alfombra roja gracias a El desprecio, uno de los puntos álgidos de la carrera de Jean-Luc Godard a partir de la novela de Alberto Moravia. El film se suma a la italiana Nostalgia, la soviética Cuando pasan las cigüeñas y la española Arrebato. Resta conocer el último Film del Jurado, una película muy diferente a todas las presentadas en el festival. Desvelamos el misterio la semana que viene. ¡Os esperamos!
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CINE ESPAÑOL | SÉ QUIÉN ERES, de Patricia Ferreira

May 1, 2015, 10:30 am
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La España desmemoriada
SÉ QUIÉN ERES, de Patricia Ferreira (España, 2000)
¿De qué va?: Paloma es una psiquiatra que huye de la ciudad. Pronto encuentra trabajo en un psiquiátrico apartado de todo y de todos. Allí, la mujer conoce a Mario, un hombre que padece el síndrome de Korsakov. Paloma ayuda a Mario a recordar todo lo que ha olvidado, pero no es consciente de que su trabajo abrirá una caja de pandora difícil de parar. Tras la visita de dos hombres armados en el hospital, Paloma decide llevarse a Mario con su coche con destino desconocido. Por el camino, ambos harán frente a su pasado.
Palmarés: Goya a la mejor música original y nominación en los apartados de dirección novel y actor protagonista. Premio Turia a la mejor ópera prima, premio del público del Festival de Lleida y mejor película de la Semana de Cine Español de Murcia. Proyectada en el Festival de Berlín 2000.


Reseña: Por lo general, ni el carácter español ni el cine español es demasiado propenso a mirar al pasado, no al menos cogiendo el toro por los cuernos y sin caer o en la crítica barata o en la peligrosa complacencia. A partir de un personaje desmemoriado, versión española de El fugitivo que esconde en su machacado cerebro un hecho de importancia de la España de la Transición, Patricia Ferreira elabora una intriga que, aviso de tópico, 'no parece española'. Sé quién eres mezcla el cine negro norteamericano con el cine social típicamente europeo, y a medio camino entre esas constantes acaba consolidándose en el terreno del thriller con mucha enjundia en su mecanismo interno, fórmula que solo ha transitado con éxito Enrique Urbizu. Pese a esto, Sé quién eres, seguramente por tratarse de una ópera prima con muchísima ambición (entiéndase 'ambición' como 'complejidad', no en sentido peyorativo), abarca mucho y aprieta poco. De la frágil psique de la película sí queda el esqueleto, su base, su objetivo primero: demuestra cómo la sombra del pasado puede tener unos efectos devastadores en el presente, una frase que podría resultar formularia pero que en el contexto español, con una guerra y un pretérito de recientes convulsiones a nuestras espaldas, tiene todo el sentido del mundo. Sé quién eres cogea a la hora de explicarnos la relación de amor-amistad que se establece entre doctora y paciente, presume de final sorpresa pero sus intenciones se intuyen mucho antes de su resolución, y algunos actores, en mayor (Mercedes Sampietro, Jordi Dauder, Luis Tosar, Manuel Manquiña) o menor medida (Ingrid Rubio, Roberto Enríquez, Vicky Peña), no tienen personaje, o bien les toca lidiar con seres muy desdibujados que Ferreira solo contempla como peones en el tablero del misterio. Imperfecta, aunque interesante y diferente: vale la pena rescatarla.


Para confiar en el thriller 'made in Spain'.
Lo mejor: Sus primeros minutos, de gran tensión.
Lo peor: Desaprovecha algunos de sus personajes secundarios.


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LISTA | LAS MEJORES PALMAS DE ORO 1999 - 2014

May 3, 2015, 10:30 am
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Cinoscar & Rarities cumple con uno de sus clásicos: actualizar la lista de las mejores palmas de oro de los últimos años. En pocos días dará comienzo una nueva edición del Festival de Cannes y tendremos que sumar un nuevo título a la lista. De momento, repasamos lo que han dado de sí los últimos 16 años de cine en la Croisette, desde el primer oro de los Hermanos Dardenne hasta la flamante palma de Bilge Ceylan. A continuación, ordenación subjetiva (según los gustos cinéfilos de servidor) y datos de todas las ediciones.

16. UNCLE BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS, de Apichatpong Wheerasethakul (Tailandia, 2010) Nota: 5
Presidente del jurado: Tim Burton
Gran Premio del jurado:De dioses y hombres, de Xavier Beauvois
Premio mejor director: Mathieu Amalric, por Tournée (On Tour)
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Biutiful, de Alejandro González Iñárritu
La polémica:Biutiful, de Alejandro González Iñárritu
La superproducción:Wall Street: el dinero nunca muere, de Oliver Stone
Participación española /hispana:Biutiful y Todos vós sodes capitáns (ganador de la Quinzena de Realizadores)
Películas a concurso:Poetry, Outrage, Another year, Copie Conforme, Fuera de la ley, Caza a la espía, My joy y Un hombre que grita entre otras.

15. FAHRENHEIT 9 / 11, de Michael Moore
(EE. UU., 2004) Nota: 5
Presidente del jurado: Quentin Tarantino
Gran Premio del jurado:Old Boy, de Park Chan-Wook
Premio mejor director: Tony Gatlif, por Exils
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:2046, de Wong Kar Wai
La polémica:Tropical Malady, de Apichatpong Weerasethakul
La superproducción:Troya, de Wolfgang Petersen
Participación española /hispana:Diarios de motocicleta y La niña santa; La mala educación (film de apertura)
Películas a concurso:Clean, Nadie Sabe, Los edukadores, Como una imagen, Shrek 2 y La vida es un milagro entre otras.

14. LA CLASE (ENTRE LES MURS), de Laurent Cantet
(Francia, 2008) Nota: 6
Presidente del jurado: Sean Penn
Gran Premio del jurado: Gomorra, de Matteo Garrone
Premio mejor director: Nuri Bilge Ceylan, por Tres monos
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Un conte de Noel, de Arnaud Desplechin
La polémica:Serbis (Service), de Brillante Mendoza
La superproducción:Indiana Jones IV y Kung Fu Panda
Participación española / hispana:La mujer rubia y Leonera
Películas a concurso:Vals con Bashir, Il Divo, El silencio de Lorna, El intercambio, A ciegas (film de opertura), Che: el argentino y Linha de Passe entre otras.

13. WINTER SLEEP (SUEÑO DE INVIERNO), de Nuri Bilge Ceylan
(Turquía, 2014) Nota: 7
Presidente del jurado: Jane Campion
Gran Premio del jurado: El país de las maravillas, de Alice Rohrwacher
Premio mejor director: Bennett Miller, por Foxcatcher
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Foxcatcher, de Bennett Miller
La polémica: Adiós al lenguaje
La superproducción: Cómo entrenar a tu dragón (fuera de concurso)
Participación española / hispana:Relatos salvajes (oficial), Hermosa juventud y Jauja 
(Un Certain Regard)
Películas a concurso:Mommy, Dos días, una noche, Leviatán, Timbuktu, Mr. Turner, Aguas tranquilas, Maps to the stars, Sils Maria, Cautivos y Saint Laurent entre otras.

12. EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA, de Ken Loach 
(Gran Bretaña, 2006) Nota: 7
Presidente del jurado: Wong Kar-Wai
Gran Premio del jurado: Flanders, de Bruno Dumont
Premio mejor director: Alejandro González-Iñárritu, por Babel
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Volver, de Pedro Almodóvar
La polémica: María Antonieta y Southland Tales
La superproducción:El código Da Vinci (film de opertura), X-Men III
Participación española / hispana:Volver, El laberinto del fauno y Crónica de una fuga
Películas a concurso:Red Road, Chanson d'Amour, Days of glory, Los climas y El caimán entre otras.


11. ELEPHANT, de Gus Van Sant
(EE. UU., 2003) Nota: 8
Presidente del jurado: Patrice Chéreau
Gran Premio del jurado:Lejano (Uzak), de Nuri Bilge Ceylan
Premio mejor director: Gus Van Sant, por Elephant
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Dogville, de Lars Von Trier
La polémica:The brown bunny, de Vincent Galo
La superproducción:Matrix Reloaded, de los hermanos Wachowski
Participación española /hispana:Soldados de Salamina y Las manos vacías (Un certain regard), y Las horas del día (Premio Fipresci)
Películas a concurso:El tiempo del lobo, A las cinco de la tarde, Swimming Pool, Mystic River y Las invasiones bárbaras entre otras.

10. AMOR (AMOUR), de Michael Haneke
(Austria, 2012) Nota: 8
Presidente del jurado: Nanni Moretti
Gran Premio del jurado:Reality, de Matteo Garrone
Premio mejor director: Carlos Reygadas, por Post Tenebras Lux
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Holy Motors, de Leos Carax
La polémica:Paradies: Love, de Ulrich Seidl
La superproducción:Madagascar 3, de E. Darnell, C. Vernon y T. McGrath
Participación española /hispana:7 días en La Habana (Un certain regard), y Sueño y silencio (Quincena de realizadores)
Películas a concurso:La caza, Cosmopolis, En el camino, Mud, Someone in love, De óxido y hueso, Lawless, La parte de los ángeles y Más allá de las colinas entre otras.

9. EL ÁRBOL DE LA VIDA, de Terrence Malick 
(EE. UU., 2011) Nota: 8
Presidente del jurado: Robert de Niro
Gran Premio del jurado:El niño de la bicicleta, de los hermanos Dardenne;
y Once upon a time in Anatolia, de Nuri Bilge Ceylan
Premio mejor director: Nicolas Winding Refn, por Drive
Cinoscar & Rarities hubiera premiado: Melancolía, de Lars von Trier
La polémica: El árbol de la vida, de Terrence Malick
La superproducción: Midnight in Paris (film de opertura)
Participación española / hispana:La piel que habito, de Pedro Almodóvar
Películas a concurso: Le Havre, Tenemos que hablar de Kevin, Polisse, Habemus Papam, The Artist, L'apollonide, Pater y Sleeping Beauty entre otras

8. EL NIÑO (L'ENFANT), de Jean-Pierre y Luc Dardenne 
(Bélgica, 2005) Nota: 9
Presidente del jurado: Emir Kusturica
Gran Premio del jurado:Flores Rotas, de Jim Jarmusch
Premio mejor director: Michael Haneke, por Caché (Escondido)
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Caché (Escondido), de Michael Haneke
La polémica:Batalla en el cielo, de Carlos Reygadas
La superproducción:Star Wars III, de George Lucas
Participación española /hispana:Batalla en el cielo, Habana Blues (Un certain regard)
Películas a concurso: Una historia de violencia, Zona Libre, Sin City, Manderlay, Lemming (film de opertura), Last Days, Election, Match Point (fuera de competición), Sueños de Shangai y Los tres entierros de Melquiades Estrada entre otras.

7. ROSETTA, de Jean-Pierre y Luc Dardenne 
(Bélgica, 1999) Nota: 9
Presidente del jurado: David Cronenberg
Gran Premio del jurado: L'humanité (La humanidad), de Bruno Dumont
Premio mejor director: Pedro Almodóvar, por Todo sobre mi madre
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Todo sobre mi madre y El verano de Kikujiro
La polémica:El proyecto de la Bruja de Blair, de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez (Premio de la juventud)
La superproducción:EDTV, de Ron Howard
Participación española /hispana:Todo sobre mi madre y El coronel no tiene quien le escriba
Películas a concurso: La carta, Pola X, Wonderland, Una historia verdadera, Moloch, Ghost Dog y Abajo el telón entre otras.

6. LA CINTA BLANCA (DAS WEISSE BAND), de Michael Haneke 
(Alemania, 2009) Nota: 9
Presidente del jurado: Isabelle Huppert
Gran Premio del jurado: Un profeta, de Jacques Audiard
Premio mejor director: Brillante Mendoza, por Kinatay
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:La cinta blanca, de Michael Haneke
La polémica:Anticristo (Antichrist), de Lars Von Trier
La superproducción: UP 3D (film de opertura)
Participación española /hispana:Los abrazos rotos y Mapa de los sonidos de Tokio; Agora (fuera de competición)
Películas a concurso:Malditos Bastardos, Fish Tank, Thirst, Buscando a Eric, Vincere, Les herbes folles, Destino: Woodstock, Vengeace y Spring Fever entre otras.

5. LA HABITACIÓN DEL HIJO (LA STANZA DEL FIGLIO), de Nanni Moretti 
(Italia, 2001) Nota: 9'5
Presidente del jurado: Liv Ullman
Gran Premio del jurado: La pianista, de Michael Haneke
Premio mejor director: Joel Coen, por El hombre que nunca estuvo allí; ex aequo con David Lynch, por Mulholland Drive
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Mulholland Drive y La pianista
La polémica:Moulin Rouge, de Buz Luhrman
La superproducción:Shrek, de Andrew Adamson y Vicky Jenson
Participación española /hispana: Pau i el seu germà (Pau y su hermano)
Películas a concurso:Millenium Mambo, ¿Qué hora es?, Kandahar, En tierra de nadie, El juramento, Elogio del amor y Agua tibia bajo un puente rojo entre otras.

4. EL PIANISTA (THE PIANIST), de Roman Polanski
(Gran Bretaña, 2002) Nota: 10
Presidente del jurado: David Lynch
Gran Premio del jurado: Un hombre sin pasado, de Aki Kaurismäki
Premio mejor director: Im Kwon-taek, por Ebrio de pintura y mujeres; ex aequo con Paul Thomas Anderson, por Punch-Drunk Love (Embriagado de amor)
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:El pianista, de Roman Polanski
La polémica:Irreversible, de Gaspar Noé
La superproducción:Star Wars II, de George Lucas
Participación española /hispana: Ninguna
Películas a concurso:El hijo, El adversario, Bowling for Columbine, Felices dieciséis, Intervención divina,Demonlover, Todo o nada y A propósito de Schmidt entre otras.

3.4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS (4 LUNI, 3 SAPTAMANI, 2 ZILE), de Cristian Mungiu (Rumanía, 2007) Nota: 10
Presidente del jurado: Stephen Frears
Gran Premio del jurado:El bosque de luto, de Naomi Kawase
Premio mejor director: Julian Schnabel, por La escafandra y la mariposa
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:4 meses, 3 semanas, 2 días y Luz silenciosa
La polémica:Import/Export, de Ulrich Seidl
La superproducción:Ocean's Thirteen, de Steven Soderbergh
Participación española /hispana:Luz silenciosa; La soledad (Un certain regard)
Películas a concurso:Zodiac, Persépolis,Aliento, My blueberry nights (film de apertura), Al otro lado, Aleksandra, Secret Sunshine, Tehilim, The Banishment y Paranoid Park entre otras.

2. LA VIDA DE ADÈLE, de Abdellatif Kechiche
(Francia, 2013) Nota: 10
Presidente del jurado: Steven Spielberg
Gran Premio del jurado: A propósito de Llewyn Davis, de Joel & Ethan Coen
Premio mejor director: Amat Escalante, por Heli
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:La vida de Adèle, de Abdellatif Kechiche
La polémica:Heli, de Amat Escalante; y Solo dios perdona, de Nicholas Winding Refn
La superproducción:El gran Gatsby, de Baz Luhrmann
Participación española /hispana:Heli (Sección Oficial), La jaula de oro (Un Certain Regard)
Películas a concurso: La gran belleza, De tal padre, tal hijo, Joven y bonita, Borgman, Only Lovers Left Alive, Nebraska, Jimmy P., El pasado y La venus de las pielesentre otras.

1. BAILAR EN LA OSCURIDAD (DANCER IN THE DARK), de Lars Von Trier
(Dinamarca, 2000) Nota: 10
Presidente del jurado: Luc Besson
Gran Premio del jurado:Los demonios en mi puerta, de Jiang Wen
Premio mejor director: Edward Yang, por Yi Yi
Cinoscar & Rarities hubiera premiado:Bailar en la oscuridad, de Lars Von Trier
La polémica: Bailar en la oscuridad, de Lars Von Trier
La superproducción:Vatel, de Roland Joffé
Participación española /hispana: Ninguna (Sergi López como actor de Harry, un amigo que os quiere)
Películas a concurso:Deseando Amar, Infiel, Persiguiendo a Betty, Eureka, La pizarra, Canciones del segundo piso, Pan y rosas, Código Desconocido, La copa dorada y Los destinos sentimentales entre otras.
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SEMANARIO 85: LOS POSTS DE LA SEMANA

May 4, 2015, 11:33 am
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¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de todas las semanas. En el margen derecho del blog, en la sección 'semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.

CONTENIDOS DEL BLOG


San Sebastián 2014: Reseña de FÉLIX & MEIRA, de Maxime Giroux
San Sebastián 2014: Reseña de HAEMU (HAEMOO), de Shim Sung-Bo
San Sebastián 2014: Reseña de VIDA SALVAJE, de Cédric Kahn

Cine español: Reseña de ¿TÚ QUÉ HARÍAS POR AMOR?, de Saura Medrano
Cine español: Reseña de SÉ QUIÉN ERES, de Patricia Ferreira

Cinoscar Summer Festival 3:Sección oficial, Parte 5
Cinoscar Summer Festival 3:Sección oficial, Parte 6
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CRÍTICA | TIEMPO SIN AIRE, de Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez

May 5, 2015, 11:32 am
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Cuando mirar hacia adelante es volver la vista atrás
TIEMPO SIN AIRE, de Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez
Festival de Málaga 2015: Sección oficial a concurso
España, 2015. Dirección: Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez Guión: Samuel Martín Mateos, Andrés Luque Pérez, Javier Echániz y Juan Antonio Gil Bengoa Fotografía: Juan Carlos Gómez Música: Xavier Font Reparto: Juana Acosta, Carmelo Gómez, Adriana Ugarte, Félix Gómez, Juan Pablo Shuk, Toni Acosta Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 30/04/2015
¿De qué va?: María es una enfermera viuda que vive en uno de los puntos calientes de la selva colombiana. Un día, un grupo de paramilitares matan a su hija tras abusar sexualmente de ella. Dispuesta a vengarse, María viaja con su hijo pequeño hasta Tenerife. Su objetivo: encontrar a Iván, la persona que acabó con la vida de su pequeña. En su búsqueda, su camino coincidirá con el de Gonzalo, un psicólogo apocado que sueña con dar un vuelco a su vida.


El cine de Martín Mateos y Luque Pérez puede gustar más o menos, pero no hay ninguna duda que destila oficio y convicción. Todo ello beneficia a una película tan irregular como Tiempo sin aire, la crónica de una enfermera colombiana que viaja hasta Santa Cruz de Tenerife para encontrar al asesino y violador de su hija. Juana Acosta, una actriz que pedía a gritos un papel protagonista, es la encargada de dotar de congoja y fiereza a un personaje que transita la frontera de lo moral e inmoral, pero que siempre actúa en consonancia con ese pasado terrible del que no puede desasirse. En esa lucha con forma de revancha irrumpe el personaje de Carmelo Gómez, un psicólogo infantil que ofrecerá a la protagonista la posibilidad de un presente y de un futuro ajeno al dolor y a la barbarie.


La base es interesante y la forma de abordarla es bastante efectiva, pero por desgracia el film diluye sus tesis en un metraje que se alarga de forma innecesaria, subrayando e insistiendo en detalles que quedan más que claros: el guión sobreexplica muchos puntos, elide otros que el espectador agradecería conocer con mayor detalle, y aún así el visionado discurre sin demasiados altibajos. Finalmente, los directores quieren hacer coincidir la historia de amor que se establece entre sus protagonistas con otra parecida, dispuesta casi a modo de reverso de una misma moneda: la relación entre una joven tinerfeña (Adriana Ugarte) y un mecenas de guerra (Félix Gómez), siendo de nuevo la figura femenina la encargada de portar la desdicha masculina y de ejecutar una simbólica venganza.


Sentimientos extremos, historias de gran dureza, viajes físicos y emocionales que no dejan indiferentes, un contexto sociopolítico reconocible y de gran actualidad... aunque, por desgracia, todo el mosaico de personajes y vivencias no termina de encajar de forma armoniosa. Ahora bien: los directores defienden la causa de su (anti)heroína y consiguen que nos sintamos implicados con su periplo. Tiempo sin aire, en definitiva, se salva porque, como promete su títulos, en sus fotogramas se palpa la tensión y la falta de oxígeno. Esperemos que en el caso de Martín Mateos y Luque Pérez se cumpla el dicho y a la tercera (película) sea la vencida.


Para recordar el conflicto de las FARC.
Lo mejor: Juana Acosta.
Lo peor: Le falta capacidad de síntesis.

Posts relacionados:
Reseña de AGALLAS, de Samuel Martín Mateos y Andrés Luque Pérez


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CRÍTICA | LA FAMILIA BÉLIER, de Eric Lartigau

May 6, 2015, 11:12 am
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Familias campestres
LA FAMILIA BÉLIER (LA FAMILLE BÉLIER), de Eric Lartigau
Premio César a la mejor actriz revelación
Francia, 2014. Dirección: Eric Lartigau Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain y Eric Lartigau Fotografía: Romain Winding Música: Evgueni Galperine y Sacha Galperine Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Luca Gelberg, Roxane Duran, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Clémence Lassalas, Bruno Gomila, Mar Sodupe Duración: 105 min. Género: Comedia familiar Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 24/04/2015
¿De qué va?: Paula tiene 16 años, y tanto sus padres como su hermano pequeño son sordomudos. Al ser la única que puede hablar y escuchar, Paula, a pesar de su temprana edad, es el pilar sobre el que descansa la granja familiar. Aunque llega al instituto agotada, a pesar de no tener un momento de intimidad o un fin de semana libre, su carácter infatigable le llevará a apuntarse a un coro. Paula, acostumbrada a vivir rodeada de silencio, descubre que tiene un don para cantar. A partir de ese momento, se marcará un nuevo reto en su ajetreada agenda: participar en un certamen radiofónico con el objetivo de ganar una beca de estudios en París.


Hay que irse a los confines de la memoria para evocar esas películas españolas (para el resto de los mortales, 'españoladas') que tenían como única función promocionar a su cantante-protagonista: de Raphael a Manolo Escobar, hasta llegar más recientemente a la primera hornada de 'triunfitos' o a esa película imbuida por el espíritu de José Luis Moreno que protagonizaba la 'antes muerta que sencilla' María Isabel. No es que queramos dar el cante (que también)... la cuestión es que tras visionar La familia Bélier, uno de los fenómenos en la taquilla francesa de la pasada temporada, es imposible no volver la vista atrás y recordarse de esas ficciones histriónicas que únicamente querían ensalzar las virtudes de su artista en ciernes. Louane Emera, la joven protagonista de la película, podría sumarse a la lista anterior: fue la ganadora de La voz gala y el film le permite demostrar sus dotes vocales en una historia con formas de cuento blanco para toda la familia. Puede sonar a exageración, pero en La familia Bélier el objetivo primordial es asistir a una audición para Radio France (¿la radio no se ha quedado muy antigua en tiempos de Spotify?): igual, vaya, que ese En un mundo nuevo setentero diseñado para obra y gracia de la eurovisiva Karina.


Con estas referencias, puede parecer que La familia Bélier es una película desfasada. En esencia lo es, pero (y aquí radica la diferencia entre nuestro timorato cine español y la hábil cinematografía del país vecino) consigue vendernos gato por liebre. El film apuesta por una 'familia sordomuda granjera', un marco que garantiza momentos más o menos inéditos: la adolescente protagonista, la única que puede escuchar y hablar, se convierte así en el eje de la convivencia familiar, incluso en los contextos más comprometidos (véase esa surrealista visita al ginecólogo). En resumidas cuentas: a simple vista no lo parece, pero la perversión de esquemas es mínima, aunque resultará suficiente a ojos del público que llena los multisalas europeos. Es lo que tiene la maquinaria del cine francés: cuando no saben responder con un revés artístico, contraatacan con una estrategia comercial de orquestración perfecta. Es una lástima que el film no se interese por las problemáticas pedagógicas, políticas, sociales y laborales que apunta en algunos momentos, pero sus intenciones son menores (también su resultado): evadir al personal con una estampa quesera más bucólica de lo que debería. Vaya, que es imposible no sentir cierto cariño por un producto que ni hiere a nadie ni quiere aspirar a ser lo que no es. Eso, evidentemente, a pesar del ligero toque a naftalina.


Para los que defienden a capa y espada aquello de que 'la familia unida...'
Lo mejor: Viard y Damiens parecen sordomudos de nacimiento.
Lo peor: Su nula capacidad de riesgo.


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CRÍTICA | LA OVEJA SHAUN: LA PELÍCULA y MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS

May 7, 2015, 10:19 am
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LA OVEJA SHAUN: LA PELÍCULA, de Richard Starzak y Mark Burton. Reino Unido, 2015. Duración: 80 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 17/04/2015
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS, de Thomas Szabo y Hélène Giraud. Francia, 2013. Duración: 80 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 08/05/2015


La llegada a los cines españoles de la cinta británica La oveja Shaun: La película y la francesa Minúsculos: El valle de las hormigas perdidas nos permite calibrar el estado de salud de ese 'otro cine de animación', de formas más artesanales que digitales, que convive con las apuestas animadas de los grandes estudios. En ambos casos, estamos ante adaptaciones de dos series televisivas de largo recorrido, y su factura visual marca ciertas distancias con la imagen tridimensional del S. XXI: la primera se decanta por la Stop Motion y la Claymotion, siguiendo la estela de títulos como ¡Piratas! o La maldición de Wallace y Gromit, mientras que la segunda mezcla el 3D con tomas realistas que permiten un acercamiento a la naturaleza y a toda su microfauna muy diferente al que nos proponía Bichos o Antz (Hollywood tiende a 'humanizar' o a 'antropomorfizar' a sus animales protagonistas, mientras que el film que nos ocupa respeta las formas y los comportamientos originales de todo su particular muestrario de criaturas). Otro interesante punto en común es la apuesta de ambas producciones por una historia muda heredera del cartoon: allí donde el cine contemporáneo tiende a narraciones más discursivas, los dos estrenos se revelan como grandes ejemplos de cómo la animación nunca ha olvidado su esencia, devolviendo a la imagen la primacía que siempre ha tenido desde los albores del séptimo arte. 


La oveja Shaun: La película sigue los avatares de los animales de una granja en la gran ciudad marcándose como coordenadas esenciales la sencillez, la elegancia y un humor blanco y familiar que, afortunadamente, no abandona su chispa y descaro durante sus 80 minutos de metraje. Minúsculos: El valle de las hormigas todavía es más radical en su concepción, hasta el punto que puede hablarse de un 'naturalismo animado' pocas veces explotado en la gran pantalla: el film galo devuelve a los espacios naturales su protagonismo y convierte a sus silentes protagonistas en criaturas reconocibles, definidas por sus zumbidos y sus gestas cotidianas (desde la obtención de comida en la inmensidad del bosque a la protección de una colmena amenazada por un grupo de hormigas). La primera apuesta por un espectáculo enraizado en el gag visual y la concatenación más o menos frenética de situaciones cómicas, mientras que la segunda quiere ser un ejercicio de 'pureza' narrativa, cual documental animado, con vistas a divertir y a instruir a su pequeña audiencia (al fin y al cabo, en sus fotogramas sobrevuelan temas universales de gran poder pedagógico como el sentido de lucha, unidad y respeto por la naturaleza).


En resumen, obras como La oveja Shaun: La película y Minúsculos: El valle de las hormigas demuestran que la animación artesanal todavía tiene mucho que decir en un contexto tan masificado y 'yankizado' como el actual; y a su vez, nos recuerda la importancia de ofrecer a nuestros pequeños la posibilidad de disfrutar en pantalla grande de historias con formas y texturas diferentes a las digitales, dato especialmente relevante si tenemos en cuenta que en esa generación nacida en plena revolución del 3D descansa el futuro tanto del cine como de la cinefilia. Al menos el visionado de estas dos películas ofrece un dato para la esperanza: la creatividad de los animadores independientes seguirá dando sus frutos y brindándonos en los próximos años propuestas tan frescas y originales como las que ahora tenemos en cartel.


Minúsculos: para los que creen que la naturaleza es el mayor espectáculo que existe.
Lo mejor: El verismo de su propuesta.
Lo peor: Tal vez decae el ritmo en su segundo tramo.

La oveja Shaun: para ir al cine con hijos y abuelos.
Lo mejor: Algunas fragmentos de su odisea urbana.
Lo peor: Un poco de gamberrismo no le hubiera sentado nada mal.


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CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 3 | SECCIÓN OFICIAL, PARTE 7

May 9, 2015, 10:37 am
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Ya casi conocemos todas las películas del Cinoscar Summer Festival 2015. A falta de desvelar 7 films a concurso y a 2 semanas para arrancar el festival, el jurado ya está terminando visionados y empezando el proceso de selección de categorías y nominaciones. Muy atentos, porque los 5 títulos que siguen a continuación pueden dar mucho juego: el regreso de Greenaway, en este caso en la sección competitiva; otra vuelta, la de Pollack, con una de sus películas más inclasificables; el 'padrino' más celebrado de Coppola, flamante Premio Princesa de Asturias; una de las películas queer más destacadas, todavía inédita en España; y un biopic inclasificable que figura entre las rarezas más curiosas de finales de los 90. 


FILM 31: EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE, de Peter Greenaway
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Peter Greenaway 3. ACTOR PROTAGONISTA: Michael Gambon 4. ACTOR PROTAGONISTA: Richard Bohringer 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Helen Mirren 6. REPARTO 7. BANDA SONORA ORIGINAL: Michael Nyman 8. GUION ORIGINAL: Peter Greenaway 9. FOTOGRAFÍA: Sacha Vierny 10. VESTUARIO: Jean-Paul Gaultier 11. MONTAJE: John Wilson 12. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 13. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 14. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Ben van Os y Jan Roelfs


FILM 32: DANZAD, DANZAD, MALDITOS, de Sydney Pollack
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Sydney Pollack 3. ACTOR PROTAGONISTA: Michael Sarrazin 4. ACTRIZ PROTAGONISTA: Jane Fonda 5. ACTOR SECUNDARIO: Gig Young 6. ACTOR SECUNDARIO: Red Buttons 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Susannah York 8. REPARTO 9. BANDA SONORA ORIGINAL: Johnny Green, Albert Woodbury 10. BANDA SONORA ADAPTADA 11. GUION ADAPTADO: James Poe, Robert E. Thompson 12. FOTOGRAFÍA: Philip H. Lathrop 13. VESTUARIO: Donfeld 14. MONTAJE: Fredric Steinkamp 15. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 16. EFECTOS ESPECIALES: Blondie Anderson 17. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Harry Horner, Frank R. McKelvy 18. CANCIÓN: Easy Come, Easy Go


FILM 33: 54 (STUDIO 54), de Mark Christopher
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Mark Christopher 3. ACTOR PROTAGONISTA: Ryan Phillipe 4. ACTOR PROTAGONISTA: Mike Myers 5. ACTRIZ PROTAGONISTA: Neve Campbell 6. ACTOR SECUNDARIO: Breckin Meyer 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Salma Hayek 8. ACTRIZ SECUNDARIA: Heather Matarazzo 9. REPARTO 10. GUION ORIGINAL: Mark Christopher 11. BANDA SONORA ORIGINAL: Marco Beltrami 12. BANDA SONORA ADAPTADA 13. FOTOGRAFÍA: Alexander Gruszynski 14. MONTAJE: Lee Percy 15. VESTUARIO: Ellen Lutter 16. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 17. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Kevin Thompson 18. EFECTOS ESPECIALES: Michael Kavanagh, Rob Sanderson 19. CANCIÓN: If You Could Read My Mind


FILM 34: EL PADRINO: PARTE 2, de Francis Ford Coppola
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Francis Ford Coppola 3. ACTOR PROTAGONISTA: Al Pacino 4. ACTOR SECUNDARIO: Robert De Niro 5. ACTOR SECUNDARIO: Lee Strasberg 6. ACTRIZ SECUNDARIA: Diane Keaton 7. ACTRIZ SECUNDARIA: Talia Shire 8. REPARTO 9. BANDA SONORA ORIGINAL: Nino Rota, Carmine Coppola 10. GUION ADAPTADO: Francis Ford Coppola, Mario Puzo 11. FOTOGRAFÍA: Gordon Willis 12. VESTUARIO: Theadora Van Runkle 13. MONTAJE: Peter Zinner, Barry Malkin, Richard Marks 14. PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE: VV. AA. 15. EFECTOS ESPECIALES: VV. AA. 16. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Dean Tavoularis, Angelo P. Graham, George R. Nelson 17. CANCIÓN: Senza Mama, Ciuri Ciuri, Napule Ve Salute 


FILM 35: FREIER FALL (CAÍDA LIBRE), de Stephen Lacant
Categorías: 1. PELÍCULA 2. DIRECTOR: Stephen Lacant 3. ACTOR PROTAGONISTA: Hanno Koffler 4. ACTOR PROTAGONISTA: Max Riemelt 5. ACTRIZ SECUNDARIA: Katharina Schüttler 6. REPARTO 7. GUION ORIGINAL: Karsten Dahlem Y Stephen Lacant 8. BANDA SONORA ORIGINAL: Dürbeck & Dohmen 9. FOTOGRAFÍA: Sten Mende 10. MONTAJE: Monika Schindler 11. VESTUARIO: Bettina Marx 12. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: VV. AA. 13. EFECTOS ESPECIALES: Ulrich Ritter 14. DISEÑO DE PRODUCCIÓN: VV. AA.

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Completamos la lista de los FILMS DEL JURADO. Isidro Molina, fiel a la animación, cierra el grupo con It's Such a Beautiful Day, el experimento de Don Hertzfeldt, que cuenta con un nutrido grupo de fans. Ya los que no conozcan la película, no os preocupéis: el festival os dará la oportunidad de acercaros a uno de los títulos más importantes de la animación indie. El film, junto a Nostalgia, El desprecio, Arrebato y Cuando pasan las cigüeñas, formará el cartel de las películas fuera de concurso este año.
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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES | FELICES 140, de Gracia Querejeta

May 10, 2015, 11:11 am
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EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES
España, 2015. Dirección: Gracia Querejeta Guión: Gracia Querejeta y Santos Mercero Fotografía: Juan Carlos Gómez Música: Federico Jusid Reparto: Maribel Verdú, Antonio De La Torre, Eduard Fernández, Marian Álvarez, Nora Navas, Alex O´Dogherty, Ginés García Millán, Paula Cancio, Marcos Ruiz Género: Drama, thriller Duración: 95 min. Tráiler: LinkFecha de estreno en España: 10/04/2015 Podcast: Link
¡Cinoscar & Rarities os da la bienvenida al podcast del blog! En él encontraréis críticas cinematográficas y distintos contenidos. Inauguramos este espacio con la reseña de Felices 140, la nueva película de Gracia Querejeta. ¡Ayúdanos a mejorar: esperamos vuestros comentarios y likes! Y si te gusta El podcast de Cinoscar & Rarities, ¡no dudes en compartir y suscribirte al podcast! Nos leemos... y a partir de hoy, ¡nos escuchamos!

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